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第2部：近代印刷と芸術表現の拡張
19世紀になると、印刷は単なる複製手段を超え、芸術家の表現手段そのものとして用いられるようになります。
まず重要なのがリトグラフ（石版画。石灰岩に油性描画をし、薬品処理後に水と油の反発を利用して刷る技法）です。木版や銅版に比べ、自由な筆致や柔らかな濃淡をそのまま紙に転写できるため、芸術家にとって新しい可能性を開きました。フランスではドラクロワやトゥールーズ＝ロートレックが積極的に活用し、特にロートレックは劇場やカフェのポスターで街を彩り、広告と芸術の境界を軽やかに飛び越えました。街そのものが「屋外の美術館」として機能し、人々は歩きながら芸術に触れる時代が訪れます。
一方、銅版画（凹版印刷。金属板に線や面を刻み、インクを詰めてプレスで刷る方法）も進化します。エッチング（酸で金属を腐食させて線を刻む技法）やアクアチント（粉状樹脂で面の階調を作る技法）は、細やかな線と豊かな陰影を可能にし、ゴヤやピカソらが探求しました。複製でありながら、各刷りごとに異なる味わいが生まれるため、版画は単なるコピーではなく「もうひとつのオリジナル」（複製でありながら独立した作品）として扱われました。
20世紀に入ると、シルクスクリーン（メッシュ状の版からインクを押し出す孔版印刷。現在はポリエステルなど合成繊維メッシュが主流）が広がります。もともと商業印刷に使われていた技法を芸術へ持ち込んだのが、アンディ・ウォーホルに代表されるポップアートです。彼の《マリリン・モンロー》や《キャンベルスープ缶》は、同じイメージを繰り返し刷りながら、色や配置を変えることで、大量生産社会の均質さと、その中で揺らぐ個性の両方を可視化しました。
こうした近代印刷の広がりは、外に広げる力と内に深める力を同時に持っていました。ポスターや雑誌は形やデザインの表現方法、すなわち造形の言語を社会に伝え、家庭にまで芸術を届けたのです。一方で作家は版材やインク、圧力を操作し、絵具では得られない線やマチエール（技術的に創り出された素材感）を追求しました。
ここで大切なのは、「複製だから価値が下がる」のではなく、複製でしか生み出せない表現があると認められたことです。街は屋外の展示空間となり、家庭は小さなギャラリーとなりました。印刷は芸術を拡張し、日常と芸術の距離を縮めていったのです。
第3部に続く（第1部はこちらから）
