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Our Artists
This page introduces the artists who provide their works to our store. We feature a diverse group of artists from Japan and around the world, including painters, illustrators, and textile designers, who freely cross the boundaries between art and design, without being confined to traditional categories.
News & Column
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色と線が出会う場所。エリザ・デフォッセ・菊地の仕事。
エリザさんの作品を初めて見たとき、「アートとデザインが、ごく自然に重なっている。」という感覚が先にきました。格子のような構造があるかと思えば、ゆるやかな曲線が同じ画面に収まっている。整理された論理と、そこからはみ出す手の痕跡が、同じ土台に共存している。 ベルギー生まれ、東京とヘルシンキを拠点に活動するエリザさんは、18歳で工業デザインに出会い、その後フィンランドのアールト大学でテキスタイルを学びました。「人の日常生活に関われる」。それがデザインへと向かう最初の動機でした。卒業後はエルメスでのデザイン部門を経て、2021年に自身のスタジオを設立。自身をアーティストよりデザイナーに近いと感じながら、絵もテキスタイルも空間もすべてをつなげながら制作するというスタンスは、その頃から変わっていません。 フィンランドが変えたもの 大きな転機はヘルシンキに住んだことだった、とエリザさんは言います。アールト大学でデザインを深く学んだのはもちろん、それ以上にフィンランドの文化と生活が自分を変えたと。日常の中で自然が身近にある感覚が、今もインスピレーションの根っこにあるそうです。 大自然でなくてもいい。道端の落ち葉、タンポポ、苔——そういった日常の小さな自然を「観る」ことが、作品の出発点になっています。アイデアが生まれる瞬間を聞くと、「散歩しているとき」という答えが返ってきました。時間があれば寄り道しながら帰る。あまり計画しない、迷子になるくらいの旅の方が素敵な出会いがある。そういう姿勢が、制作にもそのまま通じています。 エリザさんが歩いたフィンランドの散歩コース 構造と、はみ出すもの 作品を見ていると、その感覚がよく伝わってきます。細い線が格子状に積み重なった作品では、区画ごとに色がそっと変わる。鉛筆で引いたような線は微妙にゆれていて、規則的なのに、息をしているように見えます。石のかたちを思わせる有機的なシルエットが整然と並ぶ作品では、形が揃いすぎず、でも散漫にもなっていない。あの「ちょうどいい不均一さ」は、偶然ではないはずです。 「計画された構造の上に、コントロールされない部分が共存する関係は、自然と人間の関係によく似ている」とエリザさんは言います。線はいつも手書きで、少しだけ歪んでいる。その歪みに温もりを感じている、と。 色日記のこと 色のつくり方にも、一貫したこだわりがあります。アクリルで落とし込んだ自作の色チップを「色日記」としてアーカイブし続け、その色を制作の指示に使うそうです。微妙な「間の色」が好き、という言葉どおり、実際の作品の色はそういう色をしています。言い切れないやわらかさ、どこか馴染みのある新しさ。グレーともベージュとも言い切れない色、くすんでいるのに透明感がある緑。自分でつくらなければ出てこない色です。 坂本龍一と、落ち着いたマインドセット 影響を受けたアーティストを尋ねると、音楽家の坂本龍一さんの名前が挙がりました。コンセプト、考え方、世界観にいつも感動し続けている、と話してくれました。ご両親が音楽関係の仕事をされていたこともあり、音楽はもともと身近だったそうです。 制作に向き合うときに大切にしていることは、落ち着いたマインドセットでいること。続けられる理由は、単純に楽しいから。絵を描き、デザインを考え、実現させること、そして様々な人と関わりながらものづくりをすること——それがかけがえのない時間だと言います。 エリザさんのアトリエ 暮らしの中の、密かな存在として 飾ったポスターが「暮らしの中で密かな存在として、優しい支えになれたら」とエリザさんは話してくれました。ふとアートピースを見る瞬間に、心が少しだけ落ち着くきっかけになれたら、と。自分にとっての「いいな」と思える瞬間を、見てくれた人にも見つけてほしい —— エリザさんはそう話してくれました。 エリザさんの作品はこちら
色と線が出会う場所。エリザ・デフォッセ・菊地の仕事。
エリザさんの作品を初めて見たとき、「アートとデザインが、ごく自然に重なっている。」という感覚が先にきました。格子のような構造があるかと思えば、ゆるやかな曲線が同じ画面に収まっている。整理された論理と、そこからはみ出す手の痕跡が、同じ土台に共存している。 ベルギー生まれ、東京とヘルシンキを拠点に活動するエリザさんは、18歳で工業デザインに出会い、その後フィンランドのアールト大学でテキスタイルを学びました。「人の日常生活に関われる」。それがデザインへと向かう最初の動機でした。卒業後はエルメスでのデザイン部門を経て、2021年に自身のスタジオを設立。自身をアーティストよりデザイナーに近いと感じながら、絵もテキスタイルも空間もすべてをつなげながら制作するというスタンスは、その頃から変わっていません。 フィンランドが変えたもの 大きな転機はヘルシンキに住んだことだった、とエリザさんは言います。アールト大学でデザインを深く学んだのはもちろん、それ以上にフィンランドの文化と生活が自分を変えたと。日常の中で自然が身近にある感覚が、今もインスピレーションの根っこにあるそうです。 大自然でなくてもいい。道端の落ち葉、タンポポ、苔——そういった日常の小さな自然を「観る」ことが、作品の出発点になっています。アイデアが生まれる瞬間を聞くと、「散歩しているとき」という答えが返ってきました。時間があれば寄り道しながら帰る。あまり計画しない、迷子になるくらいの旅の方が素敵な出会いがある。そういう姿勢が、制作にもそのまま通じています。 エリザさんが歩いたフィンランドの散歩コース 構造と、はみ出すもの 作品を見ていると、その感覚がよく伝わってきます。細い線が格子状に積み重なった作品では、区画ごとに色がそっと変わる。鉛筆で引いたような線は微妙にゆれていて、規則的なのに、息をしているように見えます。石のかたちを思わせる有機的なシルエットが整然と並ぶ作品では、形が揃いすぎず、でも散漫にもなっていない。あの「ちょうどいい不均一さ」は、偶然ではないはずです。 「計画された構造の上に、コントロールされない部分が共存する関係は、自然と人間の関係によく似ている」とエリザさんは言います。線はいつも手書きで、少しだけ歪んでいる。その歪みに温もりを感じている、と。 色日記のこと 色のつくり方にも、一貫したこだわりがあります。アクリルで落とし込んだ自作の色チップを「色日記」としてアーカイブし続け、その色を制作の指示に使うそうです。微妙な「間の色」が好き、という言葉どおり、実際の作品の色はそういう色をしています。言い切れないやわらかさ、どこか馴染みのある新しさ。グレーともベージュとも言い切れない色、くすんでいるのに透明感がある緑。自分でつくらなければ出てこない色です。 坂本龍一と、落ち着いたマインドセット 影響を受けたアーティストを尋ねると、音楽家の坂本龍一さんの名前が挙がりました。コンセプト、考え方、世界観にいつも感動し続けている、と話してくれました。ご両親が音楽関係の仕事をされていたこともあり、音楽はもともと身近だったそうです。 制作に向き合うときに大切にしていることは、落ち着いたマインドセットでいること。続けられる理由は、単純に楽しいから。絵を描き、デザインを考え、実現させること、そして様々な人と関わりながらものづくりをすること——それがかけがえのない時間だと言います。 エリザさんのアトリエ 暮らしの中の、密かな存在として 飾ったポスターが「暮らしの中で密かな存在として、優しい支えになれたら」とエリザさんは話してくれました。ふとアートピースを見る瞬間に、心が少しだけ落ち着くきっかけになれたら、と。自分にとっての「いいな」と思える瞬間を、見てくれた人にも見つけてほしい —— エリザさんはそう話してくれました。 エリザさんの作品はこちら
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作家の深堀コラム | 境界を溶かし、光を呼び込む。抽象画家 タンジサトミ
抽象画には、言葉より先に届くものがあります。何が描かれているかを説明する前に、空気や気配のようなものが立ち上がってくる。タンジサトミさんの作品も、まさにそういう絵です。 やわらかな色の重なり。流れるような曲線。にじみや揺らぎをそのまま抱え込んだような表情。きっぱりと何かを断言する強さというより、異なるもの同士を受け入れながら整えていく力がある。混沌や陰の気配も知ったうえで、それでもなお光のほうへ目を向けようとする——そんな姿勢が、作品全体に通底しています。 抽象画との出会いが、眠っていた感覚を呼び起こした タンジさんが創作活動を本格的に始めたのは2019年。現在はフルイドアート（絵の具を液状にして、キャンバスに流したり傾けたりしながら描く技法）を中心に制作されていますが、それ以前の歩みも印象的です。新卒で外資系航空会社のCAとして働き、その後はフリーランスの字幕翻訳者として活動。いまの表現には、そうした仕事を通して触れてきた海外の空気や、異国の文化の記憶が生きているといいます。 もともと幼い頃からものづくりが好きで、将来はクリエイティブなことに関わりたいという思いもあった。けれど大人になるにつれ、その感覚はいったん奥へしまわれていった。 転機は、自宅に飾る抽象画が欲しくて、自分で描いてみたことでした。やってみると、その面白さに一気に引き込まれた。しかも始めて間もない時期に大阪の公募展で賞を受けたことで、「作家としてやっていきたい」という意識がはっきりと形になっていったそうです。 タンジさんのアルコールインクを使った作品 海を越えて届いたことが、表現への確信になった 活動の中で大きな転機となったのが、2021年に台湾で開催した初の海外個展でした。コロナ禍という難しい時期での開催でしたが、作品は完売。ご本人にとっても「奇跡を見ているようだった」と感じられる出来事だったといいます。 言葉が通じなくても、絵は届く。国境を越えても、自分の伝えたいものは伝わる——そう実感できたことは、タンジさんの作品に通底する「国や人種、文化にとらわれない調和」の感覚を、より確かなものにしたはずです。 抽象画は、具体的なモチーフを持たないぶん、受け手に委ねられる部分が大きい表現です。だからこそ、文化的背景の違う人にも届きうる。その可能性を、自身の体験によって確かめた作家です。 素材を選び、偶然を受け入れる タンジさんが意識しているのは「調和の世界」、そしてそのなかに光を感じさせることです。自然へのリスペクト、陰陽のバランス、明るさだけでなく陰りや揺らぎも排除しないこと。そのうえでなお希望を見出そうとする視点が、作品の根底にあります。 素材への意識も鋭く、箔なら24Kゴールド、レジンも高品質なものを選ぶ。ニュアンスカラーや淡い色がきれいに出る素材を見極めて使っているそうです。抽象画は自由な表現と思われがちですが、素材選びによって透明感や奥行きは大きく変わる。その細部への目配りが、作品の品質を支えています。 一方、制作姿勢そのものはとても開かれています。頭を空っぽにして、コントロールしすぎず、自然に出来上がるものを大切にする。テクスチャを重ね、偶然生まれた効果を活かしながら制作を進めていく。色と動きが画面いっぱいに広がり、そこへ箔のアクセントが光を呼び込む。自然界にあるような色の選択も含め、素材や流れと協働するような姿勢が、作品の透明感と奥行きを支えています。 光をイメージさせるために使われるゴールドの箔 旅の記憶と、静かな集中が作品を育てる 制作は自宅の一室をアトリエに、午前の早い時間帯を中心に行っているそうです。頭がすっきりしているうちに集中的に進め、生活習慣を整え、一人の時間を大切にする。そのあり方は、そのまま作品にも表れているように感じます。何かを足して強くするのではなく、ノイズを減らして感覚が入りやすい状態を保つ。その上で、自分の内側に入ってきたものをすくい上げる。 インスピレーションの源として挙げられるのは、旅行先の街並み、古い建築物、ヨーロッパで見た歴史的建造物や教会など。土地や建物が抱えてきた深さへのまなざしが、作品に漂うどこか神秘的な気配を生んでいるのだと思います。 暮らしの中で、さりげなく効いてくる絵 タンジさんは、ご自身の作品が「癒される感覚」や「心が少し軽くなる感覚」につながればと語っています。混沌とした世の中のなかで、見る人の内側の何かに共鳴すること。そこに自然と共生していく意識まで重ねようとしているところに、この作家ならではのスケールを感じます。 同時に、作品が暮らしの中でどうあってほしいかという視点は具体的です。家のインテリアやライトに馴染み、さりげなく存在し、そこにあることで空間が少し変わる。強く主張しすぎず、けれど確かに場の空気を整える。 見るたびに何かをはっきり説明してくれる絵ではないかもしれません。けれど、ふとしたときに心の位置を整えてくれる。タンジサトミさんの抽象画は、そんなふうに長く一緒にいられる作品です。...
作家の深堀コラム | 境界を溶かし、光を呼び込む。抽象画家 タンジサトミ
抽象画には、言葉より先に届くものがあります。何が描かれているかを説明する前に、空気や気配のようなものが立ち上がってくる。タンジサトミさんの作品も、まさにそういう絵です。 やわらかな色の重なり。流れるような曲線。にじみや揺らぎをそのまま抱え込んだような表情。きっぱりと何かを断言する強さというより、異なるもの同士を受け入れながら整えていく力がある。混沌や陰の気配も知ったうえで、それでもなお光のほうへ目を向けようとする——そんな姿勢が、作品全体に通底しています。 抽象画との出会いが、眠っていた感覚を呼び起こした タンジさんが創作活動を本格的に始めたのは2019年。現在はフルイドアート（絵の具を液状にして、キャンバスに流したり傾けたりしながら描く技法）を中心に制作されていますが、それ以前の歩みも印象的です。新卒で外資系航空会社のCAとして働き、その後はフリーランスの字幕翻訳者として活動。いまの表現には、そうした仕事を通して触れてきた海外の空気や、異国の文化の記憶が生きているといいます。 もともと幼い頃からものづくりが好きで、将来はクリエイティブなことに関わりたいという思いもあった。けれど大人になるにつれ、その感覚はいったん奥へしまわれていった。 転機は、自宅に飾る抽象画が欲しくて、自分で描いてみたことでした。やってみると、その面白さに一気に引き込まれた。しかも始めて間もない時期に大阪の公募展で賞を受けたことで、「作家としてやっていきたい」という意識がはっきりと形になっていったそうです。 タンジさんのアルコールインクを使った作品 海を越えて届いたことが、表現への確信になった 活動の中で大きな転機となったのが、2021年に台湾で開催した初の海外個展でした。コロナ禍という難しい時期での開催でしたが、作品は完売。ご本人にとっても「奇跡を見ているようだった」と感じられる出来事だったといいます。 言葉が通じなくても、絵は届く。国境を越えても、自分の伝えたいものは伝わる——そう実感できたことは、タンジさんの作品に通底する「国や人種、文化にとらわれない調和」の感覚を、より確かなものにしたはずです。 抽象画は、具体的なモチーフを持たないぶん、受け手に委ねられる部分が大きい表現です。だからこそ、文化的背景の違う人にも届きうる。その可能性を、自身の体験によって確かめた作家です。 素材を選び、偶然を受け入れる タンジさんが意識しているのは「調和の世界」、そしてそのなかに光を感じさせることです。自然へのリスペクト、陰陽のバランス、明るさだけでなく陰りや揺らぎも排除しないこと。そのうえでなお希望を見出そうとする視点が、作品の根底にあります。 素材への意識も鋭く、箔なら24Kゴールド、レジンも高品質なものを選ぶ。ニュアンスカラーや淡い色がきれいに出る素材を見極めて使っているそうです。抽象画は自由な表現と思われがちですが、素材選びによって透明感や奥行きは大きく変わる。その細部への目配りが、作品の品質を支えています。 一方、制作姿勢そのものはとても開かれています。頭を空っぽにして、コントロールしすぎず、自然に出来上がるものを大切にする。テクスチャを重ね、偶然生まれた効果を活かしながら制作を進めていく。色と動きが画面いっぱいに広がり、そこへ箔のアクセントが光を呼び込む。自然界にあるような色の選択も含め、素材や流れと協働するような姿勢が、作品の透明感と奥行きを支えています。 光をイメージさせるために使われるゴールドの箔 旅の記憶と、静かな集中が作品を育てる 制作は自宅の一室をアトリエに、午前の早い時間帯を中心に行っているそうです。頭がすっきりしているうちに集中的に進め、生活習慣を整え、一人の時間を大切にする。そのあり方は、そのまま作品にも表れているように感じます。何かを足して強くするのではなく、ノイズを減らして感覚が入りやすい状態を保つ。その上で、自分の内側に入ってきたものをすくい上げる。 インスピレーションの源として挙げられるのは、旅行先の街並み、古い建築物、ヨーロッパで見た歴史的建造物や教会など。土地や建物が抱えてきた深さへのまなざしが、作品に漂うどこか神秘的な気配を生んでいるのだと思います。 暮らしの中で、さりげなく効いてくる絵 タンジさんは、ご自身の作品が「癒される感覚」や「心が少し軽くなる感覚」につながればと語っています。混沌とした世の中のなかで、見る人の内側の何かに共鳴すること。そこに自然と共生していく意識まで重ねようとしているところに、この作家ならではのスケールを感じます。 同時に、作品が暮らしの中でどうあってほしいかという視点は具体的です。家のインテリアやライトに馴染み、さりげなく存在し、そこにあることで空間が少し変わる。強く主張しすぎず、けれど確かに場の空気を整える。 見るたびに何かをはっきり説明してくれる絵ではないかもしれません。けれど、ふとしたときに心の位置を整えてくれる。タンジサトミさんの抽象画は、そんなふうに長く一緒にいられる作品です。...
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Writer's In-Depth Column | Embracing the Season...
When I look at Ayano Ichiyanagi's work, I feel like my breathing settles. The orange of the Campsis (trumpet vine), the yellow of the Coreopsis, the purple of the Oxalis....
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Writer's In-Depth Column | Rieko Oka, Hokkaido ...
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Writer's Deep Dive Column | Kenichiro Watanabe:...
Exterior of Standard Trade Yokohama Yamate Shop "Consistently doing the basics exceptionally well." If there's one phrase that best describes Kenichiro Watanabe, president of Standard Trade Co., Ltd., this...
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Letters have meaning, but that's not all. There is shape. There is weight. There is space. Typography art is an expression that uses all of these to convey atmosphere and...
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