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額縁・アートフレーム 20 アイボリー
通常価格 ¥4,180 （税込）通常価格単価 あたり -
額縁・アートフレーム 20 ナチュラル
通常価格 ¥4,180 （税込）通常価格単価 あたり -
額縁・アートフレーム 20 チャコール
通常価格 ¥4,180 （税込）通常価格単価 あたり -
額縁・アートフレーム 30 アイボリー
通常価格 ¥5,940 （税込）通常価格単価 あたり -
額縁・アートフレーム 30 ナチュラル
通常価格 ¥5,940 （税込）通常価格単価 あたり -
額縁・アートフレーム 30 チャコール
通常価格 ¥5,940 （税込）通常価格単価 あたり -
額縁・アートフレーム 50 ナチュラル＋額装マット（ポスター30用）
通常価格 ¥14,740 （税込）通常価格単価 あたり -
バネクリップピン（画鋲）5個セット
通常価格 ¥1,430 （税込）通常価格単価 あたり
a good view のアートフレームは、正方形のアートポスターに合わせてつくられたオリジナルフレームです。木の質感を生かしたシンプルなデザインで、作品を引き立てながらインテリアにも自然になじみます。中身を入れ替えられるため、季節や気分に合わせてアートを楽しめるのも魅力です。
Our Artists
当店に作品をご提供くださっている作家の皆さまをご紹介するページです。画家、イラストレーター、テキスタイルデザイナーなど、従来のカテゴリーにとらわれることなく、アートとデザインの境界を自由に行き来する、国内外の多彩な作家陣が参加しています。
ニュース & コラム
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MoMAとは？｜アートの見方を変えたニューヨーク近代美術館
アビー・オルドリッチ・ロックフェラー彫刻庭園 / Photo: hibino, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons MoMAという名前を、どこかで耳にしたことがある方は多いのではないでしょうか。正式名称は「The Museum of Modern Art」。日本ではニューヨーク近代美術館と呼ばれ、英語の頭文字を取った「モマ」の名で親しまれています。ゴッホの《星月夜》をはじめ、ピカソやマティス、ダリ、ウォーホルなど、近現代美術を代表する作家の作品を所蔵する美術館です。 一方で、MoMAの歩みをたどると、名画を集めた美術館というだけでは語りきれない姿が見えてきます。絵画や彫刻に加え、写真、映画、建築、家具、ポスター、日用品まで紹介してきたこと。そこには「何をアートやデザインとして見るのか」という問いが、開館当初から流れています。 MoMAはどんな美術館？ MoMAがニューヨークに開館したのは1929年。世界恐慌の始まりとなった株価大暴落の直後でした。当時のアメリカでは、近代美術を専門に扱う美術館はまだ珍しく、現在では巨匠とされるゴッホやセザンヌ、マティス、ピカソの作品も、広く受け入れられていたわけではありません。新しい時代の美術を紹介する場所を構想したのは、リリー・P・ブリス、メアリー・クイン・サリヴァン、アビー・オルドリッチ・ロックフェラーという3人の女性でした。開館時のMoMAは、マンハッタンのオフィスビルに借りた一角から始まっています。初代館長に就いたのは、当時27歳だったアルフレッド・H・バー・ジュニア。作品を収集するだけでなく、展覧会や出版を通じて、同時代の新しい表現を紹介していきました。ちなみに、MoMAとメトロポリタン美術館は別の美術館です。メトロポリタン美術館が古代から現代まで、幅広い時代と地域の作品を扱うのに対し、MoMAの中心にあるのは近代美術と現代美術です。 MoMAはなぜ有名になったのか 美術館には、すでに評価の定まった名作を保存する場所という一面があります。しかし、設立当初のMoMAが積極的に取り上げたのは、評価の途上にあった新しい作品でした。現実をそのまま写すことから離れた絵画。写真や映画など、新しい技術によって生まれた表現。さらに建築や工業製品も、同じ時代を映すものとして扱いました。どの作品を選び、どの作品と並べ、どのような流れとして見せるのか。MoMAは展覧会や収集を重ねながら、20世紀の美術を捉える枠組みそのものに大きな影響を与えてきました。 MoMAが世界的に知られるようになった背景には、名作の豊富さだけでなく、まだ評価の定まっていない表現に目を向け、それを社会に紹介してきた姿勢があります。 MoMAを代表する有名作品 MoMAのコレクションは、絵画、彫刻、写真、映画、デザインなど約20万点に及びます。なかでも広く知られているのが、フィンセント・ファン・ゴッホの《星月夜》です。渦を巻くような夜空と、強く輝く星。実際の風景を正確に写すというより、ゴッホが捉えた夜の動きや感覚まで描かれているようです。MoMAがこの作品を取得したのは1941年でした。 フィンセント・ファン・ゴッホ《星月夜》1889年、ニューヨーク近代美術館蔵／Public Domain, via Wikimedia Commons アンリ・マティスの《ダンス（I）》では、輪になって踊る人物が、簡潔な線と大きな色面で表されています。描き込みを抑えた画面から、身体の動きやリズムが立ち上がります。...
MoMAとは？｜アートの見方を変えたニューヨーク近代美術館
アビー・オルドリッチ・ロックフェラー彫刻庭園 / Photo: hibino, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons MoMAという名前を、どこかで耳にしたことがある方は多いのではないでしょうか。正式名称は「The Museum of Modern Art」。日本ではニューヨーク近代美術館と呼ばれ、英語の頭文字を取った「モマ」の名で親しまれています。ゴッホの《星月夜》をはじめ、ピカソやマティス、ダリ、ウォーホルなど、近現代美術を代表する作家の作品を所蔵する美術館です。 一方で、MoMAの歩みをたどると、名画を集めた美術館というだけでは語りきれない姿が見えてきます。絵画や彫刻に加え、写真、映画、建築、家具、ポスター、日用品まで紹介してきたこと。そこには「何をアートやデザインとして見るのか」という問いが、開館当初から流れています。 MoMAはどんな美術館？ MoMAがニューヨークに開館したのは1929年。世界恐慌の始まりとなった株価大暴落の直後でした。当時のアメリカでは、近代美術を専門に扱う美術館はまだ珍しく、現在では巨匠とされるゴッホやセザンヌ、マティス、ピカソの作品も、広く受け入れられていたわけではありません。新しい時代の美術を紹介する場所を構想したのは、リリー・P・ブリス、メアリー・クイン・サリヴァン、アビー・オルドリッチ・ロックフェラーという3人の女性でした。開館時のMoMAは、マンハッタンのオフィスビルに借りた一角から始まっています。初代館長に就いたのは、当時27歳だったアルフレッド・H・バー・ジュニア。作品を収集するだけでなく、展覧会や出版を通じて、同時代の新しい表現を紹介していきました。ちなみに、MoMAとメトロポリタン美術館は別の美術館です。メトロポリタン美術館が古代から現代まで、幅広い時代と地域の作品を扱うのに対し、MoMAの中心にあるのは近代美術と現代美術です。 MoMAはなぜ有名になったのか 美術館には、すでに評価の定まった名作を保存する場所という一面があります。しかし、設立当初のMoMAが積極的に取り上げたのは、評価の途上にあった新しい作品でした。現実をそのまま写すことから離れた絵画。写真や映画など、新しい技術によって生まれた表現。さらに建築や工業製品も、同じ時代を映すものとして扱いました。どの作品を選び、どの作品と並べ、どのような流れとして見せるのか。MoMAは展覧会や収集を重ねながら、20世紀の美術を捉える枠組みそのものに大きな影響を与えてきました。 MoMAが世界的に知られるようになった背景には、名作の豊富さだけでなく、まだ評価の定まっていない表現に目を向け、それを社会に紹介してきた姿勢があります。 MoMAを代表する有名作品 MoMAのコレクションは、絵画、彫刻、写真、映画、デザインなど約20万点に及びます。なかでも広く知られているのが、フィンセント・ファン・ゴッホの《星月夜》です。渦を巻くような夜空と、強く輝く星。実際の風景を正確に写すというより、ゴッホが捉えた夜の動きや感覚まで描かれているようです。MoMAがこの作品を取得したのは1941年でした。 フィンセント・ファン・ゴッホ《星月夜》1889年、ニューヨーク近代美術館蔵／Public Domain, via Wikimedia Commons アンリ・マティスの《ダンス（I）》では、輪になって踊る人物が、簡潔な線と大きな色面で表されています。描き込みを抑えた画面から、身体の動きやリズムが立ち上がります。...
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かっこいいアートとは？｜部屋の印象を引き締める一枚を見つける
AIに「かっこいいアートの一覧を作成して」と頼んで出来上がった画像。さまざまな“かっこよさ”が並んでいます。 「かっこいいアート」と聞いて、どんな作品を思い浮かべるでしょうか。 黒やグレーを基調にしたもの。直線的な構図。モダンな抽象画。余白のあるグラフィック。力強い線で描かれたドローイング。 そうしたイメージを思い浮かべる方もいれば、鮮やかな色づかいの絵や、軽やかな植物画、動きのある風景画に魅力を感じる方もいるかもしれません。 「かっこいい」は、色の濃さや迫力だけで決まるものではありません。線の流れがきれいだったり、色の組み合わせに無理がなかったり、モチーフの切り取り方に意外性があったりする。そんなところに、思わず目が留まることがあります。 今回は、言葉の意味を手がかりにしながら、暮らしの中での「かっこいいアート」について考えてみます。 「かっこいい」という言葉の輪郭 「かっこ好い」の「かっこ」は、「かっこう（格好）」が音変化した語です。そこに「いい」が続いた言葉として考えると、もともと姿や形、見え方への評価を含んだ表現だとわかります。 デジタル大辞泉では、見栄えがしたり、態度や行動がさわやかだったりして心ひかれる気持ちを表す語として説明されています。 ここからは、アートに置き換えたときの考え方です。 かわいい、おしゃれ、きれい、渋い、かっこいい。どれも、ものを見たときの感覚を表す言葉ですが、それぞれ少しずつニュアンスが違います。 かわいいは、親しみやすさや愛らしさに近い言葉。きれいは、整った美しさや清潔感に近い言葉。おしゃれは、見せ方や組み合わせのうまさに近い言葉。渋いは、控えめな深みや落ち着きに近い言葉。 では、かっこいいはどうでしょう。このコラムでは、甘さに寄りすぎず、どこか締まりがあること。余計な説明がなくても目に留まること。形や色、線の中に、その一枚らしい張りがあることとして捉えます。 そう考えると、かっこいいアートは、黒やグレーの作品だけに限られません。鮮やかな色の絵にも、植物や動物を描いたアートにも、風景やグラフィックポスターにも、かっこよさはあります。大切なのは、色やジャンルではなく、その一枚にどんな張りや締まりを感じるかです。 かっこいいアートを選ぶときに見るポイント かっこいいアートを選ぶときは、色、線、構図、モチーフなど、いくつかの視点から見てみると選びやすくなります。 色で見る 黒、グレー、ネイビー、深いグリーン、ブラウンなどは、落ち着いた雰囲気をつくりやすい色です。部屋の中に置いたとき、空間をすっきり見せてくれます。 一方で、明るい色や淡い色にも、それぞれの魅力があります。色の組み合わせがきれいだったり、全体のトーンが整っていたりすると、強く主張しなくても印象に残る一枚になります。 色数が抑えられているアートは、部屋にまとまりをつくりやすくなります。鮮やかな色を使ったものは、空間に視線のポイントをつくってくれます。どちらが正解というより、部屋の雰囲気や、自分が心地よく感じるバランスを手がかりにするとよさそうです。 線や構図で見る 直線や幾何学的な形、左右のバランスが整った作品は、空間をすっきり見せてくれます。曲線や勢いのある線、大胆な配置の作品は、部屋にリズムを加えてくれます。 また、余白の取り方によっても見え方は変わります。余白が大きい作品は静かに見えますが、画面の中に緊張感があると、強く主張しなくても自然に目を引きます。 ハシモトヒロコさんのHIKARINOWA（ヒカリノワ） モチーフで見る モチーフは、好みが出やすい部分です。 植物なら、葉の形や線の流れ。動物を描いた作品なら、表情や姿勢。風景画なら、光の入り方や画面の切り取り方。どこに目が留まるかを見ていくと、自分にとってのかっこよさが少しずつ見えてきます。...
かっこいいアートとは？｜部屋の印象を引き締める一枚を見つける
AIに「かっこいいアートの一覧を作成して」と頼んで出来上がった画像。さまざまな“かっこよさ”が並んでいます。 「かっこいいアート」と聞いて、どんな作品を思い浮かべるでしょうか。 黒やグレーを基調にしたもの。直線的な構図。モダンな抽象画。余白のあるグラフィック。力強い線で描かれたドローイング。 そうしたイメージを思い浮かべる方もいれば、鮮やかな色づかいの絵や、軽やかな植物画、動きのある風景画に魅力を感じる方もいるかもしれません。 「かっこいい」は、色の濃さや迫力だけで決まるものではありません。線の流れがきれいだったり、色の組み合わせに無理がなかったり、モチーフの切り取り方に意外性があったりする。そんなところに、思わず目が留まることがあります。 今回は、言葉の意味を手がかりにしながら、暮らしの中での「かっこいいアート」について考えてみます。 「かっこいい」という言葉の輪郭 「かっこ好い」の「かっこ」は、「かっこう（格好）」が音変化した語です。そこに「いい」が続いた言葉として考えると、もともと姿や形、見え方への評価を含んだ表現だとわかります。 デジタル大辞泉では、見栄えがしたり、態度や行動がさわやかだったりして心ひかれる気持ちを表す語として説明されています。 ここからは、アートに置き換えたときの考え方です。 かわいい、おしゃれ、きれい、渋い、かっこいい。どれも、ものを見たときの感覚を表す言葉ですが、それぞれ少しずつニュアンスが違います。 かわいいは、親しみやすさや愛らしさに近い言葉。きれいは、整った美しさや清潔感に近い言葉。おしゃれは、見せ方や組み合わせのうまさに近い言葉。渋いは、控えめな深みや落ち着きに近い言葉。 では、かっこいいはどうでしょう。このコラムでは、甘さに寄りすぎず、どこか締まりがあること。余計な説明がなくても目に留まること。形や色、線の中に、その一枚らしい張りがあることとして捉えます。 そう考えると、かっこいいアートは、黒やグレーの作品だけに限られません。鮮やかな色の絵にも、植物や動物を描いたアートにも、風景やグラフィックポスターにも、かっこよさはあります。大切なのは、色やジャンルではなく、その一枚にどんな張りや締まりを感じるかです。 かっこいいアートを選ぶときに見るポイント かっこいいアートを選ぶときは、色、線、構図、モチーフなど、いくつかの視点から見てみると選びやすくなります。 色で見る 黒、グレー、ネイビー、深いグリーン、ブラウンなどは、落ち着いた雰囲気をつくりやすい色です。部屋の中に置いたとき、空間をすっきり見せてくれます。 一方で、明るい色や淡い色にも、それぞれの魅力があります。色の組み合わせがきれいだったり、全体のトーンが整っていたりすると、強く主張しなくても印象に残る一枚になります。 色数が抑えられているアートは、部屋にまとまりをつくりやすくなります。鮮やかな色を使ったものは、空間に視線のポイントをつくってくれます。どちらが正解というより、部屋の雰囲気や、自分が心地よく感じるバランスを手がかりにするとよさそうです。 線や構図で見る 直線や幾何学的な形、左右のバランスが整った作品は、空間をすっきり見せてくれます。曲線や勢いのある線、大胆な配置の作品は、部屋にリズムを加えてくれます。 また、余白の取り方によっても見え方は変わります。余白が大きい作品は静かに見えますが、画面の中に緊張感があると、強く主張しなくても自然に目を引きます。 ハシモトヒロコさんのHIKARINOWA（ヒカリノワ） モチーフで見る モチーフは、好みが出やすい部分です。 植物なら、葉の形や線の流れ。動物を描いた作品なら、表情や姿勢。風景画なら、光の入り方や画面の切り取り方。どこに目が留まるかを見ていくと、自分にとってのかっこよさが少しずつ見えてきます。...
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東京近郊で出会う、アートのような建築物
中銀カプセルタワービル。黒川紀章氏が設計し、1972年に東京・銀座で竣工した集合住宅兼オフィスです。日本の建築運動「メタボリズム」を象徴する代表作で、2022年に解体されました。 街を歩いていると、思わず足を止めて見上げたくなる建築に出会うことがあります。彫刻のように際立つ外観。重力に逆らうかのように張り出した構造。光や周囲の風景を取り込み、見る位置によって表情を変える空間。 建築は、人が暮らし、働き、集うためにつくられるものです。しかし中には、機能だけでは説明しきれない造形や存在感を持ち、一枚の絵や彫刻と同じように、眺める人の感覚を刺激するものもあります。 今回は、美術館や博物館を主用途とする建築をあえて選外とし、東京と神奈川にある建築物の中から、私が「アートのようだ」と感じた11件を選びました。なお、東京科学大学 百年記念館は現在、大学博物館の主要施設としても使われていますが、今回は大学創立100周年を記念して建てられた建築作品として取り上げています。 建築史上の評価だけを基準にした一覧ではありません。外観の造形や構造の面白さ、街や風景との関係などに目を向けた、個人的な視点による選出です。 1．静岡新聞・静岡放送東京支社ビル 所在地：東京都中央区銀座8丁目設計：丹下健三 銀座と新橋の境に立つ、円筒形のコアと箱状の空間を組み合わせた建築です。中央の円筒部分には階段や設備などが集約され、そこからオフィス空間が枝のように張り出しています。建築を完成された一つの形としてではなく、必要に応じて成長できる構造として捉えた「メタボリズム」の思想が、外観からも分かりやすく伝わります。1967年に竣工した建築ですが、高層ビルが並ぶ現在の銀座にあっても、その独創的な輪郭は埋もれていません。円筒と直方体だけで構成された姿には、未来都市の一部を切り取ったような存在感があります。 2．NOAビル 所在地：東京都港区麻布台2丁目3-5構想：白井晟一設計・施工：竹中工務店 黒く光る楕円筒形の上層部と、赤褐色の基壇。NOAビルは、周囲の一般的なオフィスビルとは明らかに異なる表情を持っています。外壁には窓が少なく、内部の様子をほとんど見せません。上部の巨大な円筒と、重量感のある低層部が組み合わされ、塔や要塞、抽象彫刻にも通じる力強さを生み出しています。1974年に竣工し、白井晟一が構想、竹中工務店が設計・施工を担当しました。晴れた日には金属的な光を帯び、曇天では黒い塊として街角に立ち現れます。 3．駐日クウェート国大使館 所在地：東京都港区三田4丁目13-12設計：丹下健三 大小の直方体が、太い構造体の周囲へ上下左右に張り出す大使館建築です。各階を単純に積み重ねるのではなく、用途の異なる空間を立体的に配置しています。複数の機能を垂直方向へ組み合わせることで、一棟の中に小さな都市をつくるような構成です。重いコンクリートの箱が宙に浮く姿には、大胆さと緊張感が同居しています。1970年に完成した丹下健三の作品で、構造をそのまま造形へとつなげた、戦後建築の実験性を感じさせる一棟です。 4．東京科学大学 百年記念館 所在地：東京都目黒区大岡山2丁目設計：篠原一男 大岡山駅を出ると、キャンパスの入口に銀色のハーフシリンダーが現れます。曲面、直線、ガラス面といった異質な形が交差し、大学施設というより、駅前に置かれた巨大な立体作品を思わせます。上部のハーフシリンダーが浮遊するように張り出す構成も、この建築を強く印象づける要素です。旧東京工業大学の創立100周年記念事業として建てられ、1987年に竣工しました。篠原一男による設計で、現在は東京科学大学博物館の主要施設としても使われています。 5．多摩美術大学八王子図書館 所在地：東京都八王子市鑓水2丁目1723設計：伊東豊雄建築設計事務所 大小のコンクリートアーチが、木々のように連なる大学図書館です。正門から続く緩やかな傾斜が館内へ入り込み、床も完全な水平ではありません。アーチに沿って設けられたガラス越しに、外の自然と内部の書架や机が重なります。アーチは一見規則的に並んでいますが、幅や高さが少しずつ異なります。歩く位置によって柱の重なり方や視界が変化し、アーチでつくられた林の中を進むような感覚を味わえる空間です。 6．ヒルサイドテラス 所在地：東京都渋谷区猿楽町・代官山町周辺設計：槇文彦・槇総合計画事務所 ヒルサイドテラスは、一棟の建物ではありません。旧山手通り沿いに、住居、店舗、オフィスなどが連なる低層の複合建築群です。1967年から1992年まで、数期に分けて段階的に建設されました。一度に街区全体を完成させるのではなく、その時々の環境や都市の変化に応じながら、長い時間をかけて形成されています。魅力は、単体の建物だけにあるのではありません。歩道、中庭、階段、植栽、建物同士の間隔まで含めた全体の関係が、代官山らしい街並みをつくっています。通りを歩くことで、建築と都市がともに育ってきた過程を感じられる場所です。 7．東京カテドラル聖マリア大聖堂 所在地：東京都文京区関口3丁目設計：丹下健三 ステンレスで覆われた曲面が、空へ向かって大きく立ち上がるカトリック東京大司教区の司教座聖堂です。上空から見ると十字形となり、壁と屋根を明確に分けず、8枚の曲面を連続させています。地上から眺めると、翼や折り紙、金属彫刻を思わせる鋭く伸びやかな輪郭が現れます。現在の大聖堂は、丹下健三の設計によって1964年12月8日に落成しました。外側の銀色の輝きに対し、内部は打ち放しコンクリートによる重厚な空間です。上部から差し込む光が、装飾に頼ることなく荘厳さを生み出しています。 8．横浜港大さん橋国際客船ターミナル 所在地：神奈川県横浜市中区海岸通1丁目1-4設計：Foreign...
東京近郊で出会う、アートのような建築物
中銀カプセルタワービル。黒川紀章氏が設計し、1972年に東京・銀座で竣工した集合住宅兼オフィスです。日本の建築運動「メタボリズム」を象徴する代表作で、2022年に解体されました。 街を歩いていると、思わず足を止めて見上げたくなる建築に出会うことがあります。彫刻のように際立つ外観。重力に逆らうかのように張り出した構造。光や周囲の風景を取り込み、見る位置によって表情を変える空間。 建築は、人が暮らし、働き、集うためにつくられるものです。しかし中には、機能だけでは説明しきれない造形や存在感を持ち、一枚の絵や彫刻と同じように、眺める人の感覚を刺激するものもあります。 今回は、美術館や博物館を主用途とする建築をあえて選外とし、東京と神奈川にある建築物の中から、私が「アートのようだ」と感じた11件を選びました。なお、東京科学大学 百年記念館は現在、大学博物館の主要施設としても使われていますが、今回は大学創立100周年を記念して建てられた建築作品として取り上げています。 建築史上の評価だけを基準にした一覧ではありません。外観の造形や構造の面白さ、街や風景との関係などに目を向けた、個人的な視点による選出です。 1．静岡新聞・静岡放送東京支社ビル 所在地：東京都中央区銀座8丁目設計：丹下健三 銀座と新橋の境に立つ、円筒形のコアと箱状の空間を組み合わせた建築です。中央の円筒部分には階段や設備などが集約され、そこからオフィス空間が枝のように張り出しています。建築を完成された一つの形としてではなく、必要に応じて成長できる構造として捉えた「メタボリズム」の思想が、外観からも分かりやすく伝わります。1967年に竣工した建築ですが、高層ビルが並ぶ現在の銀座にあっても、その独創的な輪郭は埋もれていません。円筒と直方体だけで構成された姿には、未来都市の一部を切り取ったような存在感があります。 2．NOAビル 所在地：東京都港区麻布台2丁目3-5構想：白井晟一設計・施工：竹中工務店 黒く光る楕円筒形の上層部と、赤褐色の基壇。NOAビルは、周囲の一般的なオフィスビルとは明らかに異なる表情を持っています。外壁には窓が少なく、内部の様子をほとんど見せません。上部の巨大な円筒と、重量感のある低層部が組み合わされ、塔や要塞、抽象彫刻にも通じる力強さを生み出しています。1974年に竣工し、白井晟一が構想、竹中工務店が設計・施工を担当しました。晴れた日には金属的な光を帯び、曇天では黒い塊として街角に立ち現れます。 3．駐日クウェート国大使館 所在地：東京都港区三田4丁目13-12設計：丹下健三 大小の直方体が、太い構造体の周囲へ上下左右に張り出す大使館建築です。各階を単純に積み重ねるのではなく、用途の異なる空間を立体的に配置しています。複数の機能を垂直方向へ組み合わせることで、一棟の中に小さな都市をつくるような構成です。重いコンクリートの箱が宙に浮く姿には、大胆さと緊張感が同居しています。1970年に完成した丹下健三の作品で、構造をそのまま造形へとつなげた、戦後建築の実験性を感じさせる一棟です。 4．東京科学大学 百年記念館 所在地：東京都目黒区大岡山2丁目設計：篠原一男 大岡山駅を出ると、キャンパスの入口に銀色のハーフシリンダーが現れます。曲面、直線、ガラス面といった異質な形が交差し、大学施設というより、駅前に置かれた巨大な立体作品を思わせます。上部のハーフシリンダーが浮遊するように張り出す構成も、この建築を強く印象づける要素です。旧東京工業大学の創立100周年記念事業として建てられ、1987年に竣工しました。篠原一男による設計で、現在は東京科学大学博物館の主要施設としても使われています。 5．多摩美術大学八王子図書館 所在地：東京都八王子市鑓水2丁目1723設計：伊東豊雄建築設計事務所 大小のコンクリートアーチが、木々のように連なる大学図書館です。正門から続く緩やかな傾斜が館内へ入り込み、床も完全な水平ではありません。アーチに沿って設けられたガラス越しに、外の自然と内部の書架や机が重なります。アーチは一見規則的に並んでいますが、幅や高さが少しずつ異なります。歩く位置によって柱の重なり方や視界が変化し、アーチでつくられた林の中を進むような感覚を味わえる空間です。 6．ヒルサイドテラス 所在地：東京都渋谷区猿楽町・代官山町周辺設計：槇文彦・槇総合計画事務所 ヒルサイドテラスは、一棟の建物ではありません。旧山手通り沿いに、住居、店舗、オフィスなどが連なる低層の複合建築群です。1967年から1992年まで、数期に分けて段階的に建設されました。一度に街区全体を完成させるのではなく、その時々の環境や都市の変化に応じながら、長い時間をかけて形成されています。魅力は、単体の建物だけにあるのではありません。歩道、中庭、階段、植栽、建物同士の間隔まで含めた全体の関係が、代官山らしい街並みをつくっています。通りを歩くことで、建築と都市がともに育ってきた過程を感じられる場所です。 7．東京カテドラル聖マリア大聖堂 所在地：東京都文京区関口3丁目設計：丹下健三 ステンレスで覆われた曲面が、空へ向かって大きく立ち上がるカトリック東京大司教区の司教座聖堂です。上空から見ると十字形となり、壁と屋根を明確に分けず、8枚の曲面を連続させています。地上から眺めると、翼や折り紙、金属彫刻を思わせる鋭く伸びやかな輪郭が現れます。現在の大聖堂は、丹下健三の設計によって1964年12月8日に落成しました。外側の銀色の輝きに対し、内部は打ち放しコンクリートによる重厚な空間です。上部から差し込む光が、装飾に頼ることなく荘厳さを生み出しています。 8．横浜港大さん橋国際客船ターミナル 所在地：神奈川県横浜市中区海岸通1丁目1-4設計：Foreign...
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またまたムーミンの新作ポスターが入荷しました。
2014年に発表されたデザインを復刻した「Party」。 鮮やかなグリーンの草花に囲まれて、ムーミン谷の仲間たちが集います。ケーキに音楽、踊るムーミンたち——にぎやかな食卓を囲む幸せな時間が、一枚の中にぎゅっと詰まっています。賑やかなのに不思議と品よくまとまった色合いで、特別な日にも、何でもない日を特別にしたいときにも活躍する作品です。 先日発売された「スナフキンとリトルミイ」と並べてみました。 どちらも飾るだけで、お部屋に明るく華やかな印象を添えてくれる作品です。 MOOMIN TRIBUTE WORKS の作品はこちら ぜひこちらの記事もご覧ください。 ムーミンの日に寄せて―なぜムーミンは日本でこんなにも愛されるのか ムーミンと鈴木マサルさん ～物語を纏うデザイン～ ムーミンキャラクターズ社を訪ねて｜鈴木マサルがたどるムーミンの歴史と世界
またまたムーミンの新作ポスターが入荷しました。
2014年に発表されたデザインを復刻した「Party」。 鮮やかなグリーンの草花に囲まれて、ムーミン谷の仲間たちが集います。ケーキに音楽、踊るムーミンたち——にぎやかな食卓を囲む幸せな時間が、一枚の中にぎゅっと詰まっています。賑やかなのに不思議と品よくまとまった色合いで、特別な日にも、何でもない日を特別にしたいときにも活躍する作品です。 先日発売された「スナフキンとリトルミイ」と並べてみました。 どちらも飾るだけで、お部屋に明るく華やかな印象を添えてくれる作品です。 MOOMIN TRIBUTE WORKS の作品はこちら ぜひこちらの記事もご覧ください。 ムーミンの日に寄せて―なぜムーミンは日本でこんなにも愛されるのか ムーミンと鈴木マサルさん ～物語を纏うデザイン～ ムーミンキャラクターズ社を訪ねて｜鈴木マサルがたどるムーミンの歴史と世界
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アートポスターの色褪せを抑えるには？｜フレーム素材と窓辺の紫外線対策
「太陽光が直接当たらない場所に飾っていたのに、いつの間にか色が変わった気がする」 そんな声を、これまでにも耳にしたことがあります。 アートポスターの色褪せには、さまざまな要因が関係します。今回はそのなかでも、室内で比較的対策しやすい「紫外線」に注目しました。 フレームの前面素材によって、作品の色褪せ方はどのように変わるのか。窓から入る紫外線は、どこまで気にした方がよいのか。 実験データをもとに整理してみます。 色褪せの大きな要因のひとつが紫外線 アートポスターの色褪せは、紫外線だけで起こるものではありません。目に見える光、熱、湿度、酸素のほか、紙やインクの材質など、複数の要因が重なって進みます。 ここでいう「目に見える光」とは、太陽光や照明のうち、私たちが明るさや色として感じている光のことです。専門的には「可視光」と呼ばれます。 そのなかでも、室内で比較的対策しやすいのが紫外線です。 照明から生じる紫外線量について、今回参照した資料では、快晴時の太陽光を100とした場合、白熱灯は0.4、蛍光灯は0.1、LED照明は0.002程度という比較値が示されています。 白熱灯や蛍光灯にも紫外線は含まれますが、太陽光と比べればごくわずかです。LED照明では、さらに小さな値となっています。 ただし、これはすべての照明器具に共通する絶対値ではありません。電球や照明器具の種類、製品ごとの性能、作品までの距離、光の明るさ、点灯している時間などによって、作品が受ける影響は変わります。 一般的な白色LED照明は、紫外線や赤外線をほとんど含まず、光の大部分が目に見える範囲にあるとされています。そのため、紫外線による色褪せを抑えるという点では、白熱灯や蛍光灯よりLED照明が適しています。 もっとも、LED照明なら色褪せが起こらないわけではありません。目に見える光も作品の劣化に関わるため、強い光を近い位置から長時間当て続けることは避けた方が安心です。 ちなみに、窓から入る紫外線は天気によっても変わります。 曇りの日でも紫外線がなくなるわけではありません。気象庁によると、薄曇りでは快晴時の約80〜90％、曇りでも約60％程度の強さの紫外線が届くとされています。 ※上図は気象庁「雲と紫外線」の情報をもとに、AIで作成しました。 フレームの前面素材で、色褪せの進み方は変わる 額縁の前面には、主にガラス、アクリル、PET板が使われます。これらの素材によって、作品の色褪せ方にどのような違いが生じるのでしょうか。 額縁や額装用品を扱う安井商店では、その違いを確かめるため、東京都立産業技術研究センターに、人工的に強い光を当てて色の変化を調べる試験を依頼しています。正式には「キセノンアーク灯式の促進耐光性試験」と呼ばれるものです。 キセノンアーク灯とは、太陽光に近い性質の強い光を再現する試験用のランプです。これを一定時間当てることで、長期間光を受けたときに起こる色褪せや黄変の傾向を、比較的短い期間で調べます。 試験時間は300時間。ガラス、アクリル3種（一般・UVカット・ミュージアム）、PET板、表面保護なしの6パターンを用意し、印刷物の色褪せを比較したものです。結果は 表面保護なし ＞ ガラス ＞ PET板 ＞ アクリル3種 の順となりました。...
アートポスターの色褪せを抑えるには？｜フレーム素材と窓辺の紫外線対策
「太陽光が直接当たらない場所に飾っていたのに、いつの間にか色が変わった気がする」 そんな声を、これまでにも耳にしたことがあります。 アートポスターの色褪せには、さまざまな要因が関係します。今回はそのなかでも、室内で比較的対策しやすい「紫外線」に注目しました。 フレームの前面素材によって、作品の色褪せ方はどのように変わるのか。窓から入る紫外線は、どこまで気にした方がよいのか。 実験データをもとに整理してみます。 色褪せの大きな要因のひとつが紫外線 アートポスターの色褪せは、紫外線だけで起こるものではありません。目に見える光、熱、湿度、酸素のほか、紙やインクの材質など、複数の要因が重なって進みます。 ここでいう「目に見える光」とは、太陽光や照明のうち、私たちが明るさや色として感じている光のことです。専門的には「可視光」と呼ばれます。 そのなかでも、室内で比較的対策しやすいのが紫外線です。 照明から生じる紫外線量について、今回参照した資料では、快晴時の太陽光を100とした場合、白熱灯は0.4、蛍光灯は0.1、LED照明は0.002程度という比較値が示されています。 白熱灯や蛍光灯にも紫外線は含まれますが、太陽光と比べればごくわずかです。LED照明では、さらに小さな値となっています。 ただし、これはすべての照明器具に共通する絶対値ではありません。電球や照明器具の種類、製品ごとの性能、作品までの距離、光の明るさ、点灯している時間などによって、作品が受ける影響は変わります。 一般的な白色LED照明は、紫外線や赤外線をほとんど含まず、光の大部分が目に見える範囲にあるとされています。そのため、紫外線による色褪せを抑えるという点では、白熱灯や蛍光灯よりLED照明が適しています。 もっとも、LED照明なら色褪せが起こらないわけではありません。目に見える光も作品の劣化に関わるため、強い光を近い位置から長時間当て続けることは避けた方が安心です。 ちなみに、窓から入る紫外線は天気によっても変わります。 曇りの日でも紫外線がなくなるわけではありません。気象庁によると、薄曇りでは快晴時の約80〜90％、曇りでも約60％程度の強さの紫外線が届くとされています。 ※上図は気象庁「雲と紫外線」の情報をもとに、AIで作成しました。 フレームの前面素材で、色褪せの進み方は変わる 額縁の前面には、主にガラス、アクリル、PET板が使われます。これらの素材によって、作品の色褪せ方にどのような違いが生じるのでしょうか。 額縁や額装用品を扱う安井商店では、その違いを確かめるため、東京都立産業技術研究センターに、人工的に強い光を当てて色の変化を調べる試験を依頼しています。正式には「キセノンアーク灯式の促進耐光性試験」と呼ばれるものです。 キセノンアーク灯とは、太陽光に近い性質の強い光を再現する試験用のランプです。これを一定時間当てることで、長期間光を受けたときに起こる色褪せや黄変の傾向を、比較的短い期間で調べます。 試験時間は300時間。ガラス、アクリル3種（一般・UVカット・ミュージアム）、PET板、表面保護なしの6パターンを用意し、印刷物の色褪せを比較したものです。結果は 表面保護なし ＞ ガラス ＞ PET板 ＞ アクリル3種 の順となりました。...
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花鳥風月、雪月花、わびさび。似ているようで違う日本の美意識
画像は現代版の花鳥風月を感じさせる、谷口正直さんの作品 先日、「動物と植物の絵が、暮らしに馴染みやすい理由」というコラムを書いたときに、花鳥風月や雪月花という言葉に少し触れました。 ただ、自分でも何となくわかったつもりになっていたところがあったので、今回はあらためて、この二つの言葉について調べてみました。 花鳥風月とは、自然の美しさをあらわす言葉です。 花、鳥、風、月。どれも、昔から人の心を動かしてきた自然のものばかりです。 花のあざやかさ。 鳥の気配。 風の動き。 月の光。 こうして並べてみると、花鳥風月という言葉が、ただ自然を説明するだけでなく、その場の空気や季節の移ろいまで含んでいるように思えてきます。 今でも「花鳥風月を愛でる」という言い方がありますが、そこには、自然の美しさを楽しむ気持ちそのものが込められているようです。広辞苑でも、「自然の美しい風物」や「風雅な趣を楽しむこと」と説明されています。 一方、雪月花もまた、自然の美しさをあらわす言葉です。 雪、月、花という三つの言葉が並び、特に冬の雪、秋の月、春の花を指すものとされています。 花鳥風月と雪月花には、どちらにも「花」と「月」が入っています。 でも、受ける印象は少し違います。 花鳥風月には、鳥がいて、風が吹いています。 そこには動きがあり、景色が広がっていく感じがあります。 それに対して雪月花には、もう少しおだやかな美しさが感じられます。 雪の白さ、月の光、花の気配。 ひとつひとつの美しさを、ゆっくり味わうような言葉に思えます。 たとえば、花鳥風月は、外へひらけた風景に出会ったときの気持ちに近いかもしれません。 雪月花は、静かな庭や夜の景色を前にして、しみじみ見入るような感じに近い気がします。 どちらも自然の美しさをあらわす言葉ですが、花鳥風月には広がりがあり、雪月花には落ち着いた趣がある。 そんなふうに考えると、違いが少し見えやすくなります。 先日書いた「わびさび」のコラムとも、少し通じるところがあります。 ただ、花鳥風月や雪月花と、わびさびは同じではありません。 花鳥風月や雪月花が、自然の美しさを素直に味わう言葉だとすれば、わびさびは、もっと控えめなもの、簡素なもの、少し古びたものに心を向ける感覚に近いように思います。 たとえば、 満開の花、明るい月、四季の風景の美しさをそのまま味わう...
花鳥風月、雪月花、わびさび。似ているようで違う日本の美意識
画像は現代版の花鳥風月を感じさせる、谷口正直さんの作品 先日、「動物と植物の絵が、暮らしに馴染みやすい理由」というコラムを書いたときに、花鳥風月や雪月花という言葉に少し触れました。 ただ、自分でも何となくわかったつもりになっていたところがあったので、今回はあらためて、この二つの言葉について調べてみました。 花鳥風月とは、自然の美しさをあらわす言葉です。 花、鳥、風、月。どれも、昔から人の心を動かしてきた自然のものばかりです。 花のあざやかさ。 鳥の気配。 風の動き。 月の光。 こうして並べてみると、花鳥風月という言葉が、ただ自然を説明するだけでなく、その場の空気や季節の移ろいまで含んでいるように思えてきます。 今でも「花鳥風月を愛でる」という言い方がありますが、そこには、自然の美しさを楽しむ気持ちそのものが込められているようです。広辞苑でも、「自然の美しい風物」や「風雅な趣を楽しむこと」と説明されています。 一方、雪月花もまた、自然の美しさをあらわす言葉です。 雪、月、花という三つの言葉が並び、特に冬の雪、秋の月、春の花を指すものとされています。 花鳥風月と雪月花には、どちらにも「花」と「月」が入っています。 でも、受ける印象は少し違います。 花鳥風月には、鳥がいて、風が吹いています。 そこには動きがあり、景色が広がっていく感じがあります。 それに対して雪月花には、もう少しおだやかな美しさが感じられます。 雪の白さ、月の光、花の気配。 ひとつひとつの美しさを、ゆっくり味わうような言葉に思えます。 たとえば、花鳥風月は、外へひらけた風景に出会ったときの気持ちに近いかもしれません。 雪月花は、静かな庭や夜の景色を前にして、しみじみ見入るような感じに近い気がします。 どちらも自然の美しさをあらわす言葉ですが、花鳥風月には広がりがあり、雪月花には落ち着いた趣がある。 そんなふうに考えると、違いが少し見えやすくなります。 先日書いた「わびさび」のコラムとも、少し通じるところがあります。 ただ、花鳥風月や雪月花と、わびさびは同じではありません。 花鳥風月や雪月花が、自然の美しさを素直に味わう言葉だとすれば、わびさびは、もっと控えめなもの、簡素なもの、少し古びたものに心を向ける感覚に近いように思います。 たとえば、 満開の花、明るい月、四季の風景の美しさをそのまま味わう...
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動物と植物の絵が、暮らしに馴染みやすい理由
画像は、動物と植物の両方が描かれた青山佳世さんの『LEMON AND FIELD PEAS』です。 当店でも、動物や植物を描いた作品はよく選ばれます。飾る方の暮らし方や好みはそれぞれ違うはずなのに、不思議とこの二つのモチーフには、いつも人が集まってくるように感じます。 もちろん、当店のポスターが小ぶりで、部屋に取り入れやすいことも理由のひとつだと思います。壁の一等地を大きく占めないぶん、試しやすい。季節で入れ替えやすい。複数枚を並べて、壁にリズムをつくりやすい。そういう「入口の軽さ」が、最初の一枚を後押ししているのは確かです。 けれど、それだけでは説明しきれないものがあります。 同じ小ぶりなポスターでも、動物や植物の絵には、ほかのモチーフとは違う近づきやすさがあるように思います。抽象画には抽象画の魅力があり、風景画には風景画の広がりがあります。けれど、花や鳥や動物は、見る人に知識を求めすぎない。まず「そこにいる」「そこに咲いている」という感覚で受け取れる。だから、飾る前の迷いを少しやわらげてくれるのではないでしょうか。 では、なぜ私たちは動物や植物の絵に惹かれるのでしょうか。 目が止まる、心がほどける 動物の絵は、まず目が止まります。 鳥、猫、犬、鹿、リス。描かれ方はさまざまでも、動物がいるだけで、絵の中に小さな気配が生まれます。こちらを見ているように感じることもあれば、こちらには気づかず、ただそこに佇んでいるように見えることもある。その距離感が、部屋の中にちょっとした親しみを連れてきてくれます。 人の顔が描かれた絵は、飾る場所によっては少し強く感じられることがあります。けれど動物の場合は、視線があっても圧が出にくい。かわいらしさだけでなく、少しとぼけた感じ、静かに寄り添う感じ、自由に動き回っている感じ。そうした受け取り方の幅が、暮らしの中に入りやすくしているのだと思います。 アドさんの作品「いえにいるシロネコ」 一方で植物は、もう少し穏やかな効き方をします。 花や枝葉は、強く主張しすぎないのに、室内の直線や硬さをそっと和らげてくれます。家具や壁、窓枠、棚。家の中にはまっすぐな線が多いものです。そこに葉の曲線や花の形が入ると、空間の表情が少しやわらぐ。実際の植物を置くのとは違って、水やりも日当たりも必要ありません。それでも、自然に近いものが視界に入ることで、部屋の印象は変わります。 一栁さんの作品「COREOPSIS（コレオプシス）」 自然や生きものに惹かれる人間の傾向については、「バイオフィリア」という考え方があります。人には自然や生命とのつながりを求める傾向がある、という見方です。もちろん、絵を一枚飾っただけで暮らしが劇的に変わるという話ではありません。ただ、動物や植物の絵を見たときに、多くの人がどこか安心したり、近づきやすさを感じたりする背景には、こうした感覚も関係しているのかもしれません。 ここで大切なのは、絵が「役に立つ」という話ではありません。 絵は、便利な道具ではありません。けれど、日々の中でふと視界に入ったとき、気持ちを少し切り替えてくれることがあります。動物は親密さを、植物は呼吸の余白を。どちらも説明を押しつけずに、部屋に馴染んでくれる。だから選ばれやすいのだと思います。 これは日本だけの現象？ 結論から言えば、この傾向は日本だけのものではありません。自然のモチーフが好まれやすい傾向は、文化を越えてある程度共通しているようです。 ただし、同じ自然でも「読み方」は同じではありません。ここが面白いところです。 日本では、自然はしばしば季節や移ろいと結びついて語られてきました。花鳥風月や雪月花という言葉が象徴するように、自然は単なる対象ではなく、時間の流れを運ぶものでもあります。桜は花であると同時に、春の短さを思わせるもの。月は風景の一部であると同時に、見上げる人の心を映すもの。鳥の声や草花の変化にも、季節の気配を読み取ってきました。 日本の美意識には、移ろいやはかなさ、過ぎていくものへの共感を大切にする感受性が根づいています。自然の美しさは、ただ鮮やかであることだけではなく、そこに時間の揺らぎがあることによって、より深く受け止められてきた。この流れで考えると、植物画の魅力は「花が描かれている」こと以上に、花のまわりにある空気にあります。咲き誇る瞬間だけでなく、咲き始めや散り際に心が動く。鳥もまた、物語の主人公というより、季節の音や風景の一部として置かれることがある。自然が、部屋の中にやわらかな奥行きをつくってくれるのです。...
動物と植物の絵が、暮らしに馴染みやすい理由
画像は、動物と植物の両方が描かれた青山佳世さんの『LEMON AND FIELD PEAS』です。 当店でも、動物や植物を描いた作品はよく選ばれます。飾る方の暮らし方や好みはそれぞれ違うはずなのに、不思議とこの二つのモチーフには、いつも人が集まってくるように感じます。 もちろん、当店のポスターが小ぶりで、部屋に取り入れやすいことも理由のひとつだと思います。壁の一等地を大きく占めないぶん、試しやすい。季節で入れ替えやすい。複数枚を並べて、壁にリズムをつくりやすい。そういう「入口の軽さ」が、最初の一枚を後押ししているのは確かです。 けれど、それだけでは説明しきれないものがあります。 同じ小ぶりなポスターでも、動物や植物の絵には、ほかのモチーフとは違う近づきやすさがあるように思います。抽象画には抽象画の魅力があり、風景画には風景画の広がりがあります。けれど、花や鳥や動物は、見る人に知識を求めすぎない。まず「そこにいる」「そこに咲いている」という感覚で受け取れる。だから、飾る前の迷いを少しやわらげてくれるのではないでしょうか。 では、なぜ私たちは動物や植物の絵に惹かれるのでしょうか。 目が止まる、心がほどける 動物の絵は、まず目が止まります。 鳥、猫、犬、鹿、リス。描かれ方はさまざまでも、動物がいるだけで、絵の中に小さな気配が生まれます。こちらを見ているように感じることもあれば、こちらには気づかず、ただそこに佇んでいるように見えることもある。その距離感が、部屋の中にちょっとした親しみを連れてきてくれます。 人の顔が描かれた絵は、飾る場所によっては少し強く感じられることがあります。けれど動物の場合は、視線があっても圧が出にくい。かわいらしさだけでなく、少しとぼけた感じ、静かに寄り添う感じ、自由に動き回っている感じ。そうした受け取り方の幅が、暮らしの中に入りやすくしているのだと思います。 アドさんの作品「いえにいるシロネコ」 一方で植物は、もう少し穏やかな効き方をします。 花や枝葉は、強く主張しすぎないのに、室内の直線や硬さをそっと和らげてくれます。家具や壁、窓枠、棚。家の中にはまっすぐな線が多いものです。そこに葉の曲線や花の形が入ると、空間の表情が少しやわらぐ。実際の植物を置くのとは違って、水やりも日当たりも必要ありません。それでも、自然に近いものが視界に入ることで、部屋の印象は変わります。 一栁さんの作品「COREOPSIS（コレオプシス）」 自然や生きものに惹かれる人間の傾向については、「バイオフィリア」という考え方があります。人には自然や生命とのつながりを求める傾向がある、という見方です。もちろん、絵を一枚飾っただけで暮らしが劇的に変わるという話ではありません。ただ、動物や植物の絵を見たときに、多くの人がどこか安心したり、近づきやすさを感じたりする背景には、こうした感覚も関係しているのかもしれません。 ここで大切なのは、絵が「役に立つ」という話ではありません。 絵は、便利な道具ではありません。けれど、日々の中でふと視界に入ったとき、気持ちを少し切り替えてくれることがあります。動物は親密さを、植物は呼吸の余白を。どちらも説明を押しつけずに、部屋に馴染んでくれる。だから選ばれやすいのだと思います。 これは日本だけの現象？ 結論から言えば、この傾向は日本だけのものではありません。自然のモチーフが好まれやすい傾向は、文化を越えてある程度共通しているようです。 ただし、同じ自然でも「読み方」は同じではありません。ここが面白いところです。 日本では、自然はしばしば季節や移ろいと結びついて語られてきました。花鳥風月や雪月花という言葉が象徴するように、自然は単なる対象ではなく、時間の流れを運ぶものでもあります。桜は花であると同時に、春の短さを思わせるもの。月は風景の一部であると同時に、見上げる人の心を映すもの。鳥の声や草花の変化にも、季節の気配を読み取ってきました。 日本の美意識には、移ろいやはかなさ、過ぎていくものへの共感を大切にする感受性が根づいています。自然の美しさは、ただ鮮やかであることだけではなく、そこに時間の揺らぎがあることによって、より深く受け止められてきた。この流れで考えると、植物画の魅力は「花が描かれている」こと以上に、花のまわりにある空気にあります。咲き誇る瞬間だけでなく、咲き始めや散り際に心が動く。鳥もまた、物語の主人公というより、季節の音や風景の一部として置かれることがある。自然が、部屋の中にやわらかな奥行きをつくってくれるのです。...
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作家の深掘りコラム｜小さいお家がある風景。かのあさんが描く、ほっとできる居場所
画像はかのあさんがたまに訪れて癒されているという、大阪府立花の文化園 小さな家や丘、羊、月、湖。 かのあさんの作品には、どこかで見たことがあるようでありながら、心に浮かぶ情景を重ねた世界が広がっています。構図はシンプルですが、絵具の重なりや手の跡には豊かな質感があり、眺めていると気持ちがゆっくりとほどけていきます。 目指しているのは、日常の中でふと心に留まるような空想の風景画とのこと。その原点や、作品に込めている想いについて伺いました。 絵を描いていこうと思った頃 本格的に創作を始めたのは、美術系の専門学校へ進学した頃だそうです。 学校には、それぞれ異なる感性や方法で絵を描く同級生が多く、その姿からたくさんの刺激を受けたと語ります。さまざまな表現に触れる中で、自分も絵を描いていこうという気持ちが、次第に強くなっていきました。 現在も創作は、日々の営みと切り離せないライフワークです。描くことそのものの楽しさと、作品を誰かに見てもらえる喜びを胸に、制作を続けています。 「小さいお家」に込めた想い これからも描いていきたいと考えているテーマのひとつが「小さいお家」です。 自宅は、ほっとできる居場所。作品に登場する家も、単なる建物ではなく、安心して帰ることのできる場所や、心を休められる場所の象徴として描かれています。 丘の上に建つ家や、羊たちに囲まれた家。作品の中の小さな家は、それぞれの記憶や感情を静かに呼び起こします。 一見すると、童話の挿絵のようにも映る作品。けれど、眺めているうちに、描かれた景色の向こうにある物語が少しずつ立ち上がってきます。 どこか懐かしく、子どもの頃の記憶に触れるようでありながら、そこに感じるやさしさやぬくもりは、むしろ大人になった今だからこそ心に届くものなのかもしれません。 描こうとしているのは、現実の景色をそのまま写したものではありません。身近な生活の感覚をもとに、想像の中で形づくられていく世界です。 手の跡を残す、自由な描き方 制作では、主にアクリル絵具、クレヨン、色鉛筆を使用しています。 アクリル絵具は、筆だけでなく手を使って大胆に描けることが魅力です。ペインティングナイフを使うこともあり、絵具の厚みや凹凸など、画面に残る手触りを意識しながら制作しています。 一方で、クレヨンや色鉛筆は、ふんわりとしたやわらかな印象を加えるために欠かせません。作品によってはコラージュを取り入れることもあり、複数の素材を重ねながら一枚の絵を形づくっています。 構図はできるだけシンプルに。その分、色の重なりや手で描いた跡が、作品の個性として素直に表れています。 こうした手を使う自由な描き方には、絵本作家・荒井良二さんから受けた影響もあるそうです。 かのあさんのアトリエ ...
作家の深掘りコラム｜小さいお家がある風景。かのあさんが描く、ほっとできる居場所
画像はかのあさんがたまに訪れて癒されているという、大阪府立花の文化園 小さな家や丘、羊、月、湖。 かのあさんの作品には、どこかで見たことがあるようでありながら、心に浮かぶ情景を重ねた世界が広がっています。構図はシンプルですが、絵具の重なりや手の跡には豊かな質感があり、眺めていると気持ちがゆっくりとほどけていきます。 目指しているのは、日常の中でふと心に留まるような空想の風景画とのこと。その原点や、作品に込めている想いについて伺いました。 絵を描いていこうと思った頃 本格的に創作を始めたのは、美術系の専門学校へ進学した頃だそうです。 学校には、それぞれ異なる感性や方法で絵を描く同級生が多く、その姿からたくさんの刺激を受けたと語ります。さまざまな表現に触れる中で、自分も絵を描いていこうという気持ちが、次第に強くなっていきました。 現在も創作は、日々の営みと切り離せないライフワークです。描くことそのものの楽しさと、作品を誰かに見てもらえる喜びを胸に、制作を続けています。 「小さいお家」に込めた想い これからも描いていきたいと考えているテーマのひとつが「小さいお家」です。 自宅は、ほっとできる居場所。作品に登場する家も、単なる建物ではなく、安心して帰ることのできる場所や、心を休められる場所の象徴として描かれています。 丘の上に建つ家や、羊たちに囲まれた家。作品の中の小さな家は、それぞれの記憶や感情を静かに呼び起こします。 一見すると、童話の挿絵のようにも映る作品。けれど、眺めているうちに、描かれた景色の向こうにある物語が少しずつ立ち上がってきます。 どこか懐かしく、子どもの頃の記憶に触れるようでありながら、そこに感じるやさしさやぬくもりは、むしろ大人になった今だからこそ心に届くものなのかもしれません。 描こうとしているのは、現実の景色をそのまま写したものではありません。身近な生活の感覚をもとに、想像の中で形づくられていく世界です。 手の跡を残す、自由な描き方 制作では、主にアクリル絵具、クレヨン、色鉛筆を使用しています。 アクリル絵具は、筆だけでなく手を使って大胆に描けることが魅力です。ペインティングナイフを使うこともあり、絵具の厚みや凹凸など、画面に残る手触りを意識しながら制作しています。 一方で、クレヨンや色鉛筆は、ふんわりとしたやわらかな印象を加えるために欠かせません。作品によってはコラージュを取り入れることもあり、複数の素材を重ねながら一枚の絵を形づくっています。 構図はできるだけシンプルに。その分、色の重なりや手で描いた跡が、作品の個性として素直に表れています。 こうした手を使う自由な描き方には、絵本作家・荒井良二さんから受けた影響もあるそうです。 かのあさんのアトリエ ...
