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親しみやすい色と筆致で、気取らない魅力に。

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当店に作品をご提供くださっている作家の皆さまをご紹介するページです。画家、イラストレーター、テキスタイルデザイナーなど、従来のカテゴリーにとらわれることなく、アートとデザインの境界を自由に行き来する、国内外の多彩な作家陣が参加しています。

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  • 広島アンデルセンさまの「北欧ライフスタイルマーケット」に出品中です

    広島アンデルセンさまの「北欧ライフスタイルマーケット」に出品中です

    広島市のアンデルセンさまで開催中の「北欧ライフスタイルマーケット 2026」にて、ユリアン・マターさんとムーミンのアートポスターを販売しています。   画像手前：ユリアンさんのペーパークラフトも多数ご覧いただけます   「ここちよい夏のおうち時間を楽しむ」をテーマに、毎年開催されているこのイベント。「よいものを長く使う」という北欧の考え方をお手本に、毎日の暮らしに心地よく寄り添うアイテムがセレクトされています。暮らしを少し楽しくするアイデアも紹介していますので、ぜひお立ち寄りください。   広島アンデルセン 5階　スカンジナビアホール店舗住所： 広島市中区本通7-1開催期間： 6/23（火）～  28（日）https://www.andersen.co.jp/hiroshima/news/004883.html  

    広島アンデルセンさまの「北欧ライフスタイルマーケット」に出品中です

    広島市のアンデルセンさまで開催中の「北欧ライフスタイルマーケット 2026」にて、ユリアン・マターさんとムーミンのアートポスターを販売しています。   画像手前：ユリアンさんのペーパークラフトも多数ご覧いただけます   「ここちよい夏のおうち時間を楽しむ」をテーマに、毎年開催されているこのイベント。「よいものを長く使う」という北欧の考え方をお手本に、毎日の暮らしに心地よく寄り添うアイテムがセレクトされています。暮らしを少し楽しくするアイデアも紹介していますので、ぜひお立ち寄りください。   広島アンデルセン 5階　スカンジナビアホール店舗住所： 広島市中区本通7-1開催期間： 6/23（火）～  28（日）https://www.andersen.co.jp/hiroshima/news/004883.html  

  • 風水とは？住まいを整えるための、古くて新しい空間の考え方

    風水とは？住まいを整えるための、古くて新しい空間の考え方

    この画像の玄関が風水的に良いとされる理由は「明るい、清潔、気の通り道が塞がれていない、植物と木の要素がある、鏡が玄関ドア正面ではない、アートの色が活気をもたらす」の6点が挙げられます。 画像のアートはELEMENTI ARTさんのFAIRY FLOWER（フェアリーフラワー）yellow 「風水」と聞くと、玄関に置くもの、方角ごとのラッキーカラー、黄色い財布などを思い浮かべる方も多いかもしれません。 金運、健康運、仕事運、恋愛運。そうした言葉と結びついて紹介されることもあり、少し占いのような印象を持たれることもあります。 けれども本来の風水は、もう少し広い考え方です。 風水とは、古代中国に由来する環境思想です。土地、建物、方位、地形、風の流れ、水の位置、光の入り方、物の配置などを見ながら、人が自然や空間と調和して過ごすための考え方として発展してきました。 英語圏の百科事典 Britannica では、風水を「重要な場所、建物、空間や物を、気の流れと調和するように配置する古代中国の実践」と説明しています。つまり風水の中心にあるのは、単に何色を選ぶかではなく、空間全体をどのように整えるかという視点です。 「風」と「水」が意味するもの 風水という言葉は、文字通りには「風」と「水」を意味します。 風は目に見えない流れを、水は地形や生命を支えるものを象徴します。 昔の人々にとって、風通しのよい場所、水に恵まれた場所、日当たりのよい場所、災害を受けにくい場所を選ぶことは、住まいの安定に直結していました。どこに家を構えるか。建物をどの向きにするか。周囲の山や川とどう関係するか。こうした判断は、日々の安全や農耕、家族の繁栄にも関わる大切なものでした。 風水は、住居だけでなく、墓地や都市、庭園、建築の配置にも関わる考え方として使われてきました。Britannica では、風水は古くは早期の周王朝にまでさかのぼる考え方とされ、「風水」という語は郭璞に帰される『葬書』に見られると説明されています。 現代の私たちに置き換えるなら、風水は「過ごしやすい環境をどうつくるか」という知恵として見ることができます。玄関が暗く散らかっていると、家に入ったときの気分は少し重くなります。寝室に物が多すぎると、落ち着いて眠りにくくなることがあります。動線がふさがれている部屋では、何気ない移動にも小さなストレスが生まれます。 このように、空間の状態が気分に影響するという感覚は、風水という言葉を使わなくても、多くの人が実感できるものです。  気の流れを整えるという考え方 風水では「気」という概念が重視されます。 気とは、中国思想において、生命や宇宙に行き渡るエネルギーのようなものとして語られてきた概念です。 もっとも、現代の住まいでこの「気」を厳密に信じる必要はありません。実用的に考えるなら、気の流れとは、空気の流れ、光の入り方、人の動き、視線の抜け、部屋に入ったときの印象などを含むものと捉えると分かりやすくなります。 玄関から入ったときに、明るく整った空間が見える。窓のまわりに物を置きすぎず、自然光が入る。家具の配置に無理がなく、部屋の中を歩きやすい。日々使うものが、必要な場所にきちんと収まっている。 これらは、いわゆる「開運」の前に、まず住まいの快適さを支える基本です。 風水が長く語り継がれてきた背景には、このような実感に近い部分があるのだと思います。  欧米での風水の受け止められ方 風水は中国由来の考え方ですが、欧米でも広く知られています。 一方で、欧米で語られる風水は、伝統的な中国風水そのものというより、インテリアデザインや日常の空間づくりの文脈で受け入れられていることが多いです。 Rochester...

    風水とは？住まいを整えるための、古くて新しい空間の考え方

    この画像の玄関が風水的に良いとされる理由は「明るい、清潔、気の通り道が塞がれていない、植物と木の要素がある、鏡が玄関ドア正面ではない、アートの色が活気をもたらす」の6点が挙げられます。 画像のアートはELEMENTI ARTさんのFAIRY FLOWER（フェアリーフラワー）yellow 「風水」と聞くと、玄関に置くもの、方角ごとのラッキーカラー、黄色い財布などを思い浮かべる方も多いかもしれません。 金運、健康運、仕事運、恋愛運。そうした言葉と結びついて紹介されることもあり、少し占いのような印象を持たれることもあります。 けれども本来の風水は、もう少し広い考え方です。 風水とは、古代中国に由来する環境思想です。土地、建物、方位、地形、風の流れ、水の位置、光の入り方、物の配置などを見ながら、人が自然や空間と調和して過ごすための考え方として発展してきました。 英語圏の百科事典 Britannica では、風水を「重要な場所、建物、空間や物を、気の流れと調和するように配置する古代中国の実践」と説明しています。つまり風水の中心にあるのは、単に何色を選ぶかではなく、空間全体をどのように整えるかという視点です。 「風」と「水」が意味するもの 風水という言葉は、文字通りには「風」と「水」を意味します。 風は目に見えない流れを、水は地形や生命を支えるものを象徴します。 昔の人々にとって、風通しのよい場所、水に恵まれた場所、日当たりのよい場所、災害を受けにくい場所を選ぶことは、住まいの安定に直結していました。どこに家を構えるか。建物をどの向きにするか。周囲の山や川とどう関係するか。こうした判断は、日々の安全や農耕、家族の繁栄にも関わる大切なものでした。 風水は、住居だけでなく、墓地や都市、庭園、建築の配置にも関わる考え方として使われてきました。Britannica では、風水は古くは早期の周王朝にまでさかのぼる考え方とされ、「風水」という語は郭璞に帰される『葬書』に見られると説明されています。 現代の私たちに置き換えるなら、風水は「過ごしやすい環境をどうつくるか」という知恵として見ることができます。玄関が暗く散らかっていると、家に入ったときの気分は少し重くなります。寝室に物が多すぎると、落ち着いて眠りにくくなることがあります。動線がふさがれている部屋では、何気ない移動にも小さなストレスが生まれます。 このように、空間の状態が気分に影響するという感覚は、風水という言葉を使わなくても、多くの人が実感できるものです。  気の流れを整えるという考え方 風水では「気」という概念が重視されます。 気とは、中国思想において、生命や宇宙に行き渡るエネルギーのようなものとして語られてきた概念です。 もっとも、現代の住まいでこの「気」を厳密に信じる必要はありません。実用的に考えるなら、気の流れとは、空気の流れ、光の入り方、人の動き、視線の抜け、部屋に入ったときの印象などを含むものと捉えると分かりやすくなります。 玄関から入ったときに、明るく整った空間が見える。窓のまわりに物を置きすぎず、自然光が入る。家具の配置に無理がなく、部屋の中を歩きやすい。日々使うものが、必要な場所にきちんと収まっている。 これらは、いわゆる「開運」の前に、まず住まいの快適さを支える基本です。 風水が長く語り継がれてきた背景には、このような実感に近い部分があるのだと思います。  欧米での風水の受け止められ方 風水は中国由来の考え方ですが、欧米でも広く知られています。 一方で、欧米で語られる風水は、伝統的な中国風水そのものというより、インテリアデザインや日常の空間づくりの文脈で受け入れられていることが多いです。 Rochester...

  • 紙と布、同じ素材からできているというお話

    紙と布、同じ素材からできているというお話

    画像はセルロースの分子構造イメージ（3Dモデル）   紙と布って、実は出発点が近いことをご存じでしたか。ふだんはまったく別ものとして扱われますよね。紙は紙、布は布。けれど少し視点を変えると、どちらも多くは植物由来の繊維を材料にしている、という共通点が見えてきます。綿や麻のような天然繊維も、紙の原料になるパルプも、もとは植物の中にある繊維。そこには、セルロースという植物由来の成分が含まれています。だからこそ、触感や表情のちがいが、かえって面白く感じられるのかもしれません。 では、なぜ紙と布は別の世界に分かれていったのでしょう。答えは意外とシンプルで、素材そのものより、作り方の発想が違ったからです。 紙は、水の力を借りる素材です。繊維をいったん水の中にほぐして散らし、うすい層として広げて、脱水して乾かす。そうすると繊維どうしが寄り添い、面としてまとまります。紙の強さや質感は、繊維のほぐし方や密度、仕上げで変わり、薄くて広くて均一な面を作るのが得意です。 一方、布は、構造で強さを作ります。繊維を束ねて糸にし、織るか編む。糸の太さや撚り、織りや編みのパターンで、しなやかさや伸び、丈夫さが決まります。布が身につけることに向いているのは、引っ張られても破れにくく、動きに合わせて形を変えられるから。これは繊維どうしがくっついているというより、組み方の設計で生まれる性質です。 そして、この二つの間に橋をかける存在が不織布です。不織布は、織らない、編まない。繊維をシート状に広げてから、別の方法で結びつけて布のように仕上げます。針で絡ませたり、水の勢いで絡ませたり、熱や接着で固めたり。用途に合わせて結び方を選べるのが不織布の強みです。なお規格上、不織布は「紙を除外する」と整理されています。見た目が似ていても、別ジャンルとして育ってきたということです。 不織布の中には、さらに紙に近いタイプがあります。それが湿式不織布です。繊維を水に分散してシートにする点で、作り方の気配が抄紙にとても似ています。つまり同じ「水でシートを作る」仲間でも、紙と不織布は狙っている性能や設計の自由度が少し違う。そこが面白いところです。 ここまでをまとめると、違いはこうなります。・紙は、水の中で繊維を広げて、面として固める。・布は、糸にしてから組み立てて、構造として強くする。・不織布は、繊維の層を作って、別のやり方で結びつける。同じ素材の仲間でも、成長の仕方が違ったわけです。   左から、紙・布・不織布の製造工程をイメージした画像。   歴史を考えると、分かれ方にも納得がいきます。紙は、文字や情報、包装と相性がよく、薄くて軽い面として社会を変えていきました。布は、衣服や暮らしの道具として、丈夫さや触り心地の世界を磨いてきました。そして近代以降、不織布が衛生材やフィルターなど「大量に、狙った性能で」作る領域で一気に存在感を増していきます。紙と布の間にあった空白が、用途の広がりとともに埋まっていった、と見てもよさそうです。 そして最先端の話になると、紙・布・不織布の境界はもう少し曖昧になっていきます。代表例がセルロースナノファイバー（CNF）です。植物由来のとても細い繊維で、軽くて強いなどの特性が期待され、材料の世界で注目が集まっています。環境省も利活用に関するガイドライン等を通じて、製品化の動向やリサイクル、CO2削減効果の算定方法などの知見を整理しています。CNFは、紙に混ぜてもよし、不織布の設計に活かしてもよし、複合材料として別の世界へ行ってもよし。共通の材料感覚をもつからこそ、いろいろな領域に入り込みやすいのだと思います。 未来をやさしく言うなら、ポイントは二つだと思います（推測ですが）。一つは、脱プラや循環の流れの中で、紙・不織布・布がそれぞれ得意なところを持ち寄って、より回収しやすい構成や、より少ない材料で同等の性能を出す方向が強まること。もう一つは、触り心地や見た目といった「感覚の価値」と、フィルター性や強度といった「機能の価値」が、同じ一枚の中で共存していくことです。紙が布っぽくなり、布が紙っぽくなり、その間を不織布が行き来する。そういう時代に向かっている気配があります。 紙と布は、べつべつの文化を育ててきた素材です。でも根っこは近い。どちらも多くは植物由来の繊維から生まれています。そう思って身の回りの素材を眺めると、紙の触感が少し布に見えたり、布の表情が少し紙に見えたりします。素材を用途だけでなく、作り方の思想で見直すと、世界が少し立体的になりませんか。 今回はアートとは直接関係のないコラムでしたが、最後までお付き合いくださりありがとうございました。   【出典】・ISO 9092:1988 (iso.org)・Hubbe & Koukoulas 2016（湿式不織布レビュー）(bioresources.cnr.ncsu.edu)・環境省 CNF (env.go.jp)

    紙と布、同じ素材からできているというお話

    画像はセルロースの分子構造イメージ（3Dモデル）   紙と布って、実は出発点が近いことをご存じでしたか。ふだんはまったく別ものとして扱われますよね。紙は紙、布は布。けれど少し視点を変えると、どちらも多くは植物由来の繊維を材料にしている、という共通点が見えてきます。綿や麻のような天然繊維も、紙の原料になるパルプも、もとは植物の中にある繊維。そこには、セルロースという植物由来の成分が含まれています。だからこそ、触感や表情のちがいが、かえって面白く感じられるのかもしれません。 では、なぜ紙と布は別の世界に分かれていったのでしょう。答えは意外とシンプルで、素材そのものより、作り方の発想が違ったからです。 紙は、水の力を借りる素材です。繊維をいったん水の中にほぐして散らし、うすい層として広げて、脱水して乾かす。そうすると繊維どうしが寄り添い、面としてまとまります。紙の強さや質感は、繊維のほぐし方や密度、仕上げで変わり、薄くて広くて均一な面を作るのが得意です。 一方、布は、構造で強さを作ります。繊維を束ねて糸にし、織るか編む。糸の太さや撚り、織りや編みのパターンで、しなやかさや伸び、丈夫さが決まります。布が身につけることに向いているのは、引っ張られても破れにくく、動きに合わせて形を変えられるから。これは繊維どうしがくっついているというより、組み方の設計で生まれる性質です。 そして、この二つの間に橋をかける存在が不織布です。不織布は、織らない、編まない。繊維をシート状に広げてから、別の方法で結びつけて布のように仕上げます。針で絡ませたり、水の勢いで絡ませたり、熱や接着で固めたり。用途に合わせて結び方を選べるのが不織布の強みです。なお規格上、不織布は「紙を除外する」と整理されています。見た目が似ていても、別ジャンルとして育ってきたということです。 不織布の中には、さらに紙に近いタイプがあります。それが湿式不織布です。繊維を水に分散してシートにする点で、作り方の気配が抄紙にとても似ています。つまり同じ「水でシートを作る」仲間でも、紙と不織布は狙っている性能や設計の自由度が少し違う。そこが面白いところです。 ここまでをまとめると、違いはこうなります。・紙は、水の中で繊維を広げて、面として固める。・布は、糸にしてから組み立てて、構造として強くする。・不織布は、繊維の層を作って、別のやり方で結びつける。同じ素材の仲間でも、成長の仕方が違ったわけです。   左から、紙・布・不織布の製造工程をイメージした画像。   歴史を考えると、分かれ方にも納得がいきます。紙は、文字や情報、包装と相性がよく、薄くて軽い面として社会を変えていきました。布は、衣服や暮らしの道具として、丈夫さや触り心地の世界を磨いてきました。そして近代以降、不織布が衛生材やフィルターなど「大量に、狙った性能で」作る領域で一気に存在感を増していきます。紙と布の間にあった空白が、用途の広がりとともに埋まっていった、と見てもよさそうです。 そして最先端の話になると、紙・布・不織布の境界はもう少し曖昧になっていきます。代表例がセルロースナノファイバー（CNF）です。植物由来のとても細い繊維で、軽くて強いなどの特性が期待され、材料の世界で注目が集まっています。環境省も利活用に関するガイドライン等を通じて、製品化の動向やリサイクル、CO2削減効果の算定方法などの知見を整理しています。CNFは、紙に混ぜてもよし、不織布の設計に活かしてもよし、複合材料として別の世界へ行ってもよし。共通の材料感覚をもつからこそ、いろいろな領域に入り込みやすいのだと思います。 未来をやさしく言うなら、ポイントは二つだと思います（推測ですが）。一つは、脱プラや循環の流れの中で、紙・不織布・布がそれぞれ得意なところを持ち寄って、より回収しやすい構成や、より少ない材料で同等の性能を出す方向が強まること。もう一つは、触り心地や見た目といった「感覚の価値」と、フィルター性や強度といった「機能の価値」が、同じ一枚の中で共存していくことです。紙が布っぽくなり、布が紙っぽくなり、その間を不織布が行き来する。そういう時代に向かっている気配があります。 紙と布は、べつべつの文化を育ててきた素材です。でも根っこは近い。どちらも多くは植物由来の繊維から生まれています。そう思って身の回りの素材を眺めると、紙の触感が少し布に見えたり、布の表情が少し紙に見えたりします。素材を用途だけでなく、作り方の思想で見直すと、世界が少し立体的になりませんか。 今回はアートとは直接関係のないコラムでしたが、最後までお付き合いくださりありがとうございました。   【出典】・ISO 9092:1988 (iso.org)・Hubbe & Koukoulas 2016（湿式不織布レビュー）(bioresources.cnr.ncsu.edu)・環境省 CNF (env.go.jp)

  • 訪日外国人は、日本の何に惹かれているのか｜データから読み解く日本文化の魅力

    訪日外国人は、日本の何に惹かれているのか｜データから読み解く日本文化の魅力

    画像は大川菜々子さんの「富士山」   YouTubeやSNSを見ていると、日本を訪れた外国人が、食事や街の清潔さ、電車の正確さ、店員の丁寧な対応に驚いている動画をよく目にします。そこには誇張された表現もあるかもしれません。再生数を意識した演出も、まったくないとは言い切れません。それでも、2025年の訪日外客数が過去最多を更新したことを考えると、日本に向けられる関心が一時的な話題だけではないことも見えてきます。 では、外国人は実際にどこから来て、どれくらい滞在し、何にお金を使っているのでしょうか。まずは印象ではなく、データから見ていきたいと思います。 ※ 本文で扱う訪日外客数は日本政府観光局が公表する推計値、旅行消費額は観光庁の確報値を基本にしています。   訪日外国人は、過去最多に 日本政府観光局（JNTO）の推計値によると、2025年の訪日外客数は4,268万3,600人。前年比では15.8％増となり、過去最高だった2024年を大きく上回りました。観光庁の調査では、2025年の訪日外国人旅行消費額は9兆4,549億円と推計されています。前年比では16.4％増となり、こちらも非常に大きな規模になっています。 項目 2025年実績 読み取れること 訪日外客数（推計値） 4,268万3,600人 過去最高を更新 前年比 15.8％増 旅行需要が引き続き拡大 旅行消費額 9兆4,549億円 消費規模も過去最高水準 1人当たり旅行支出（一般客） 約22.9万円 国や地域により大きな差 ※ 観光庁の1人当たり旅行支出は、クルーズ客を除く「一般客」を対象にした指標です。そのため、旅行消費額の総額を訪日外客数全体で単純に割った数字とは一致しません。 ここで大切なのは、訪日外国人をひとまとめに見ないことです。 近い国から短期間で何度も来る人もいれば、長い休暇を使って日本各地を巡る人もいます。買い物を楽しむ人もいれば、食事や宿泊、移動そのものを含めて日本を体験する人もいます。   どの国・地域から来ているのか...

    訪日外国人は、日本の何に惹かれているのか｜データから読み解く日本文化の魅力

    画像は大川菜々子さんの「富士山」   YouTubeやSNSを見ていると、日本を訪れた外国人が、食事や街の清潔さ、電車の正確さ、店員の丁寧な対応に驚いている動画をよく目にします。そこには誇張された表現もあるかもしれません。再生数を意識した演出も、まったくないとは言い切れません。それでも、2025年の訪日外客数が過去最多を更新したことを考えると、日本に向けられる関心が一時的な話題だけではないことも見えてきます。 では、外国人は実際にどこから来て、どれくらい滞在し、何にお金を使っているのでしょうか。まずは印象ではなく、データから見ていきたいと思います。 ※ 本文で扱う訪日外客数は日本政府観光局が公表する推計値、旅行消費額は観光庁の確報値を基本にしています。   訪日外国人は、過去最多に 日本政府観光局（JNTO）の推計値によると、2025年の訪日外客数は4,268万3,600人。前年比では15.8％増となり、過去最高だった2024年を大きく上回りました。観光庁の調査では、2025年の訪日外国人旅行消費額は9兆4,549億円と推計されています。前年比では16.4％増となり、こちらも非常に大きな規模になっています。 項目 2025年実績 読み取れること 訪日外客数（推計値） 4,268万3,600人 過去最高を更新 前年比 15.8％増 旅行需要が引き続き拡大 旅行消費額 9兆4,549億円 消費規模も過去最高水準 1人当たり旅行支出（一般客） 約22.9万円 国や地域により大きな差 ※ 観光庁の1人当たり旅行支出は、クルーズ客を除く「一般客」を対象にした指標です。そのため、旅行消費額の総額を訪日外客数全体で単純に割った数字とは一致しません。 ここで大切なのは、訪日外国人をひとまとめに見ないことです。 近い国から短期間で何度も来る人もいれば、長い休暇を使って日本各地を巡る人もいます。買い物を楽しむ人もいれば、食事や宿泊、移動そのものを含めて日本を体験する人もいます。   どの国・地域から来ているのか...

  • 複数のアートを並べて飾る｜暮らしの眺めの育て方

    複数のアートを並べて飾る｜暮らしの眺めの育て方

    暮らしの中に生まれる眺め アートを飾ると聞くと、まず思い浮かぶのは、壁に大きな作品を一枚掛ける姿かもしれません。 ソファの上、玄関、リビングの正面。そこに一枚の絵があるだけで、空間の印象は大きく変わります。 大きな一枚には、部屋の中心をつくる力があります。 視線を引きつけ、空間を引き締め、その場所にひとつの象徴的な表情を与えてくれます。 一方で、楽しみ方はそれだけではありません。 小さめの作品を複数枚飾ると、一枚の大きな作品とは違い、作品同士のあいだに余白やリズムが生まれます。 横に並べて穏やかな広がりをつくる。少し高さをずらして、壁面に動きを出す。廊下や階段に沿って配置し、歩きながら少しずつ眺める。 そうした飾り方には、空間全体に表情を重ねていくような楽しさがあります。 複数枚を飾ることは、壁を埋めるための方法ではありません。 むしろ、ひとつの強い印象で空間を決めるのではなく、小さな眺めを少しずつ重ねていくような行為です。 欧米の住宅に見る、複数枚を飾る文化 欧米の映画やインテリア写真などで、階段や廊下に家族写真が何枚も飾られている場面を目にすることがあります。 子どもの成長、旅先での一枚、家族の記念日、祖父母の写真。そうした写真が、階段の勾配に沿って並べられている風景です。 もちろん、すべての欧米の家に共通する習慣ではありません。国や地域、家族観、住宅の広さによっても違いがあります。 それでも、家族写真を複数飾る行為には、ひとつの考え方が見えてきます。 それは、写真を単なる記録としてしまい込むのではなく、日々の暮らしの中に置いておくという感覚です。 階段を上がるとき、廊下を通るとき、ふと目に入る。 毎回じっくり眺めるわけではなくても、そこにあることで、家族の時間や記憶が住まいの一部になっていく。 アメリカの文化人類学者リチャード・シャルフェンは、著書 Snapshot Versions of Life（1987年）の中で、家庭内の写真や映像を「ホームモード・フォトグラフィー」と呼び、人々が写真を通じて家族の記憶やアイデンティティを形成していることを明らかにしています。写真は単なる装飾や記録ではなく、家族や個人の記憶を支えるものとして日常の中に置かれているというのが、シャルフェンの見方です。 この考え方は、複数の作品を飾ることにも通じます。 家族写真が「家族の時間」を重ねるものだとすれば、作品は「その人が心地よいと感じるもの」「惹かれる色やかたち」「暮らしの中で大切にしたい気分」を重ねるものと言えるかもしれません。 一枚の大きな作品で空間を決めるのではなく、複数の作品を通して、その人らしい眺めが生まれていく。 そこに、この飾り方ならではの価値があります。 連続して並べることで生まれるリズム 複数枚を飾るとき、もっともわかりやすい効果は、視線の流れが生まれることです。...

    複数のアートを並べて飾る｜暮らしの眺めの育て方

    暮らしの中に生まれる眺め アートを飾ると聞くと、まず思い浮かぶのは、壁に大きな作品を一枚掛ける姿かもしれません。 ソファの上、玄関、リビングの正面。そこに一枚の絵があるだけで、空間の印象は大きく変わります。 大きな一枚には、部屋の中心をつくる力があります。 視線を引きつけ、空間を引き締め、その場所にひとつの象徴的な表情を与えてくれます。 一方で、楽しみ方はそれだけではありません。 小さめの作品を複数枚飾ると、一枚の大きな作品とは違い、作品同士のあいだに余白やリズムが生まれます。 横に並べて穏やかな広がりをつくる。少し高さをずらして、壁面に動きを出す。廊下や階段に沿って配置し、歩きながら少しずつ眺める。 そうした飾り方には、空間全体に表情を重ねていくような楽しさがあります。 複数枚を飾ることは、壁を埋めるための方法ではありません。 むしろ、ひとつの強い印象で空間を決めるのではなく、小さな眺めを少しずつ重ねていくような行為です。 欧米の住宅に見る、複数枚を飾る文化 欧米の映画やインテリア写真などで、階段や廊下に家族写真が何枚も飾られている場面を目にすることがあります。 子どもの成長、旅先での一枚、家族の記念日、祖父母の写真。そうした写真が、階段の勾配に沿って並べられている風景です。 もちろん、すべての欧米の家に共通する習慣ではありません。国や地域、家族観、住宅の広さによっても違いがあります。 それでも、家族写真を複数飾る行為には、ひとつの考え方が見えてきます。 それは、写真を単なる記録としてしまい込むのではなく、日々の暮らしの中に置いておくという感覚です。 階段を上がるとき、廊下を通るとき、ふと目に入る。 毎回じっくり眺めるわけではなくても、そこにあることで、家族の時間や記憶が住まいの一部になっていく。 アメリカの文化人類学者リチャード・シャルフェンは、著書 Snapshot Versions of Life（1987年）の中で、家庭内の写真や映像を「ホームモード・フォトグラフィー」と呼び、人々が写真を通じて家族の記憶やアイデンティティを形成していることを明らかにしています。写真は単なる装飾や記録ではなく、家族や個人の記憶を支えるものとして日常の中に置かれているというのが、シャルフェンの見方です。 この考え方は、複数の作品を飾ることにも通じます。 家族写真が「家族の時間」を重ねるものだとすれば、作品は「その人が心地よいと感じるもの」「惹かれる色やかたち」「暮らしの中で大切にしたい気分」を重ねるものと言えるかもしれません。 一枚の大きな作品で空間を決めるのではなく、複数の作品を通して、その人らしい眺めが生まれていく。 そこに、この飾り方ならではの価値があります。 連続して並べることで生まれるリズム 複数枚を飾るとき、もっともわかりやすい効果は、視線の流れが生まれることです。...

  • 作家の深掘りコラム｜青山佳世。絵が模様になる瞬間

    作家の深掘りコラム｜青山佳世。絵が模様になる瞬間

    画像は2025年の個展「花の模様」より 青山佳世さんは、小さい頃から絵を描くことが好きで、授業中もノートに落書きをしているような子どもだったそうです。大阪外国語大学でスウェーデン語を専攻し、在学中に一年間、現地の国民高等学校の美術科へ留学。留学中に目にした制作環境——大きな機織り機、シルクスクリーンのプリント工房、木工や陶芸の工房、昼夜を問わず自由に制作できる教室——に胸を躍らせ、卒業後に再びスウェーデンへ渡り、ヨーテボリ大学デザイン学部へ進みました。 青山さんが通ったキャンパス　Photo by Natalie Greppi 模様との出会い 現地の大学2年目、青山さんはテキスタイルの授業で初めて「総柄模様」の作り方を学びました。紙を十字に切り、場所を入れ替えながら描いていくことで、一枚の絵が繰り返しのある模様へと変わっていく。その仕組みとの出会いは、大きな衝撃だったようです。 ちょうどその頃は、「絵を描いて仕事をしていくにはどうしたらいいのだろう」と悩んでいた時期でもありました。そんな中で「模様を作ることで、自分の描いた絵がデザインになるんだ」という気づきは、今も鮮明な記憶として残っているそうです。 翌年には、オランダのテキスタイルミュージアムでミナ ペルホネンの展示を観て深く感銘を受け、同じ時期にスウェーデンの壁紙メーカー Sandberg tapeter でのインターンも経験しました。寒く暗い冬が長いスウェーデンでは、家の中を心地よく整える文化があり、植物をモチーフにした壁紙が多くの家庭で親しまれています。デザイナーの手描き作業や職人の技術を間近で見たことも、青山さんにとって大きな学びとなったとのこと。 帰国後はミナ ペルホネンで約3年間アシスタントとして勤務。壁紙と洋服では分野は違っても、手描きの柄が人の心を惹きつけたり、癒やしたりすることは同じ。その思いが、自分自身の図案を生み出したいという気持ちへとつながり、フリーランスとしての活動が始まりました。 120の図案、それでも尽きない試み 以来、青山さんは「リピートできる総柄模様」にこだわりながら制作を続けてきました。これまでに手がけた図案は、120ほどにのぼります。 模様の構成、リピートの仕組み、画材の選び方、モチーフとの出会い。試してみたいことは、今も尽きません。 「模様が出来上がった時にはいつも『こんなのができた！』と新鮮な気持ちで眺めていて、それが楽しいのです」 描いている最中には、リピートされたときの全体像がはっきり見えているわけではありません。ひとつの図案が繰り返され、広がっていくことで、思いがけない表情が現れる。その予測しきれない面白さが、制作を支えているそうです。 手の跡を残すこと 青山さんが一貫して大切にしているのは、手で描いた線のブレ、絵の具のにじみ、意図せずに生まれた色の塗りムラです。それらは整えきれないものとして残るのではなく、作品に自然な呼吸を与えます。その揺らぎを、青山さんは「自分が自然の一部であることの表れのような気がする」と表現します。 3年ほど前から取り組んでいる陶芸にも、同じ姿勢が流れています。土や釉薬、焼き上がりは、思い通りにコントロールできることばかりではありません。「出来上がりをコントロールしようとしすぎないこと」——模様作りにも陶芸にも共通する、大切な感覚です。 お使いのブラウザでは動画を再生できません。 当店にご提供いただいた作品「POTTERIES」の制作動画 暮らしのそばにある絵 青山さんが近年よく描くのは、草花や生き物、果実や野菜など、暮らしのそばにあるモチーフです。道端の雑草、庭に咲く花、手に取った食材の鮮やかな色。そうした日常の中の小さな出会いが、作品の出発点になっています。 有機的なモチーフに惹かれるのは、それらが「人の気持ちに寄り添えるような気がする」から。部屋に植物を飾ると生活に彩りが生まれるように、自分の作品も誰かの暮らしにそっと寄り添うものであってほしい。植物にはそれぞれ季節があるので、季節ごとに作品を変えて飾ってもらえるようなものが今後作れたら——青山さんはそう語ります。 強く主張するのではなく、暮らしの中で静かに時間を重ねていくもの。描くモチーフへの愛情が伝わってくる青山佳世さんの作品には、そんな魅力があります。絵の中に、描いた人の気配が感じられる——そう思わせてくれるのも、青山さんの作品ならではです。...

    作家の深掘りコラム｜青山佳世。絵が模様になる瞬間

    画像は2025年の個展「花の模様」より 青山佳世さんは、小さい頃から絵を描くことが好きで、授業中もノートに落書きをしているような子どもだったそうです。大阪外国語大学でスウェーデン語を専攻し、在学中に一年間、現地の国民高等学校の美術科へ留学。留学中に目にした制作環境——大きな機織り機、シルクスクリーンのプリント工房、木工や陶芸の工房、昼夜を問わず自由に制作できる教室——に胸を躍らせ、卒業後に再びスウェーデンへ渡り、ヨーテボリ大学デザイン学部へ進みました。 青山さんが通ったキャンパス　Photo by Natalie Greppi 模様との出会い 現地の大学2年目、青山さんはテキスタイルの授業で初めて「総柄模様」の作り方を学びました。紙を十字に切り、場所を入れ替えながら描いていくことで、一枚の絵が繰り返しのある模様へと変わっていく。その仕組みとの出会いは、大きな衝撃だったようです。 ちょうどその頃は、「絵を描いて仕事をしていくにはどうしたらいいのだろう」と悩んでいた時期でもありました。そんな中で「模様を作ることで、自分の描いた絵がデザインになるんだ」という気づきは、今も鮮明な記憶として残っているそうです。 翌年には、オランダのテキスタイルミュージアムでミナ ペルホネンの展示を観て深く感銘を受け、同じ時期にスウェーデンの壁紙メーカー Sandberg tapeter でのインターンも経験しました。寒く暗い冬が長いスウェーデンでは、家の中を心地よく整える文化があり、植物をモチーフにした壁紙が多くの家庭で親しまれています。デザイナーの手描き作業や職人の技術を間近で見たことも、青山さんにとって大きな学びとなったとのこと。 帰国後はミナ ペルホネンで約3年間アシスタントとして勤務。壁紙と洋服では分野は違っても、手描きの柄が人の心を惹きつけたり、癒やしたりすることは同じ。その思いが、自分自身の図案を生み出したいという気持ちへとつながり、フリーランスとしての活動が始まりました。 120の図案、それでも尽きない試み 以来、青山さんは「リピートできる総柄模様」にこだわりながら制作を続けてきました。これまでに手がけた図案は、120ほどにのぼります。 模様の構成、リピートの仕組み、画材の選び方、モチーフとの出会い。試してみたいことは、今も尽きません。 「模様が出来上がった時にはいつも『こんなのができた！』と新鮮な気持ちで眺めていて、それが楽しいのです」 描いている最中には、リピートされたときの全体像がはっきり見えているわけではありません。ひとつの図案が繰り返され、広がっていくことで、思いがけない表情が現れる。その予測しきれない面白さが、制作を支えているそうです。 手の跡を残すこと 青山さんが一貫して大切にしているのは、手で描いた線のブレ、絵の具のにじみ、意図せずに生まれた色の塗りムラです。それらは整えきれないものとして残るのではなく、作品に自然な呼吸を与えます。その揺らぎを、青山さんは「自分が自然の一部であることの表れのような気がする」と表現します。 3年ほど前から取り組んでいる陶芸にも、同じ姿勢が流れています。土や釉薬、焼き上がりは、思い通りにコントロールできることばかりではありません。「出来上がりをコントロールしようとしすぎないこと」——模様作りにも陶芸にも共通する、大切な感覚です。 お使いのブラウザでは動画を再生できません。 当店にご提供いただいた作品「POTTERIES」の制作動画 暮らしのそばにある絵 青山さんが近年よく描くのは、草花や生き物、果実や野菜など、暮らしのそばにあるモチーフです。道端の雑草、庭に咲く花、手に取った食材の鮮やかな色。そうした日常の中の小さな出会いが、作品の出発点になっています。 有機的なモチーフに惹かれるのは、それらが「人の気持ちに寄り添えるような気がする」から。部屋に植物を飾ると生活に彩りが生まれるように、自分の作品も誰かの暮らしにそっと寄り添うものであってほしい。植物にはそれぞれ季節があるので、季節ごとに作品を変えて飾ってもらえるようなものが今後作れたら——青山さんはそう語ります。 強く主張するのではなく、暮らしの中で静かに時間を重ねていくもの。描くモチーフへの愛情が伝わってくる青山佳世さんの作品には、そんな魅力があります。絵の中に、描いた人の気配が感じられる——そう思わせてくれるのも、青山さんの作品ならではです。...

  • 作家の深掘りコラム｜主観と客観を往来する、サトウアサミの線と形。

    作家の深掘りコラム｜主観と客観を往来する、サトウアサミの線と形。

    画像はサトウさんのアトリエ 日常に溶け込みながら、それでいて気の利いた色と形でありたい。サトウアサミさんの作品には、そんな確かな意志が宿っています。比較的シンプルな形のはずなのに、どこか複雑な奥行きがある。それは、作家とデザイナーという二つの視点を意識的に行き来することで生まれる、サトウさんならではの緊張感なのだと思います。 作品との最初の出会い 制作を本格的に始めたのは、高校2年生のころ。美術科でデザインの基礎を学びながら、課題とは別に木版画の独学に打ち込みました。分野を分けずに取り組むその姿勢は、今の活動スタイルにも自然につながっています。 19歳のとき、木版画を中心とした展覧会を開催。そこで作品を見た方からイタリア料理店のロゴとサインのデザインを依頼されたことが、商業デザインへの最初の一歩となりました。"表現するための作品"と"使うための作品"。一見相反するように見えるこの二つが、実は同じ根を持つものだと体感したこの経験が、以来ずっと制作の根底に流れています。デザインと表現、どちらかに偏ることなく両方を手がけ続けているのは、その原点があるからかもしれません。 素材と制作のプロセス 現在の制作は、和紙×墨、あるいは洋紙×アクリル絵の具で原画を描くことから始まります。木版画の時代からの流れで、和紙と墨は今も手放せない画材のひとつ。愛用しているのは鳥取で作られる厚手の和紙です。 原画を描いたあとはデジタルへと場を移し、パーツを組み合わせ、色のバランスを整えながら一枚の画面を完成させていきます。デジタル上でまず大きな一枚を仕上げ、そこからトリミングして完成に近づけるといいます。色の組み合わせや見えているバランスはとりわけ重要で、この工程にもっとも時間をかけます。何日か寝かせて、改めて客観的な目で見直す。この「間」が、作品の質を決める重要な工程だといいます。単純で普遍的な形の組み合わせが、その作品に独特のリズムをもたらしています。 サトウさん愛用の画材 二つの視点を持つということ 作家として表現に没頭する主観的な視点と、デザイナーとして場を客観的に捉える視点。この往来が、彼女にとってのリズムであり、指針でもあります。幼いころから感性を仕事にする人たちと接する機会が多かったこともあり、自分のアイデアや考えを単なる主観に留めず、求められる場面で的確に発信することを意識してきたといいます。その姿勢は、空間デザインや壁画、パッケージ、ロゴと多岐にわたる仕事へとつながり、国内外の大手企業からの依頼も数多く手がけています。 影響を受けた作り手として挙げるのは、エットレ・ソットサスと棟方志功。前者はプロダクトとアートの境界を軽やかに越えたデザイナーであり、後者は版画で独自の世界を切り拓いた作家です。この二人を並べるところに、彼女の制作の幅と、その根にあるものが見えるような気がします。 日常から受け取るもの インスピレーションの多くは、街を歩く時間からやってくるそうです。観光でも特別な場所でもなく、ただの日常の時間。そして秋から冬にかけての空気感は、感覚の基盤になっているといいます。植物のような有機的な静けさと大胆さが共存する作品の雰囲気は、こうした蓄積によって育まれています。 作品を手にする方へ ドローイングの揺らぎを楽しんでほしい、とサトウさんは言います。彼女の作品と長く付き合っているわたしが感じるのは、飾るほどに部屋になじみながら、それでいて存在を主張し続けるしなやかさと強さ。計算された思いっきりの良さが、意識を捉えて離しません。   サトウアサミさんの作品はこちら    

    作家の深掘りコラム｜主観と客観を往来する、サトウアサミの線と形。

    画像はサトウさんのアトリエ 日常に溶け込みながら、それでいて気の利いた色と形でありたい。サトウアサミさんの作品には、そんな確かな意志が宿っています。比較的シンプルな形のはずなのに、どこか複雑な奥行きがある。それは、作家とデザイナーという二つの視点を意識的に行き来することで生まれる、サトウさんならではの緊張感なのだと思います。 作品との最初の出会い 制作を本格的に始めたのは、高校2年生のころ。美術科でデザインの基礎を学びながら、課題とは別に木版画の独学に打ち込みました。分野を分けずに取り組むその姿勢は、今の活動スタイルにも自然につながっています。 19歳のとき、木版画を中心とした展覧会を開催。そこで作品を見た方からイタリア料理店のロゴとサインのデザインを依頼されたことが、商業デザインへの最初の一歩となりました。"表現するための作品"と"使うための作品"。一見相反するように見えるこの二つが、実は同じ根を持つものだと体感したこの経験が、以来ずっと制作の根底に流れています。デザインと表現、どちらかに偏ることなく両方を手がけ続けているのは、その原点があるからかもしれません。 素材と制作のプロセス 現在の制作は、和紙×墨、あるいは洋紙×アクリル絵の具で原画を描くことから始まります。木版画の時代からの流れで、和紙と墨は今も手放せない画材のひとつ。愛用しているのは鳥取で作られる厚手の和紙です。 原画を描いたあとはデジタルへと場を移し、パーツを組み合わせ、色のバランスを整えながら一枚の画面を完成させていきます。デジタル上でまず大きな一枚を仕上げ、そこからトリミングして完成に近づけるといいます。色の組み合わせや見えているバランスはとりわけ重要で、この工程にもっとも時間をかけます。何日か寝かせて、改めて客観的な目で見直す。この「間」が、作品の質を決める重要な工程だといいます。単純で普遍的な形の組み合わせが、その作品に独特のリズムをもたらしています。 サトウさん愛用の画材 二つの視点を持つということ 作家として表現に没頭する主観的な視点と、デザイナーとして場を客観的に捉える視点。この往来が、彼女にとってのリズムであり、指針でもあります。幼いころから感性を仕事にする人たちと接する機会が多かったこともあり、自分のアイデアや考えを単なる主観に留めず、求められる場面で的確に発信することを意識してきたといいます。その姿勢は、空間デザインや壁画、パッケージ、ロゴと多岐にわたる仕事へとつながり、国内外の大手企業からの依頼も数多く手がけています。 影響を受けた作り手として挙げるのは、エットレ・ソットサスと棟方志功。前者はプロダクトとアートの境界を軽やかに越えたデザイナーであり、後者は版画で独自の世界を切り拓いた作家です。この二人を並べるところに、彼女の制作の幅と、その根にあるものが見えるような気がします。 日常から受け取るもの インスピレーションの多くは、街を歩く時間からやってくるそうです。観光でも特別な場所でもなく、ただの日常の時間。そして秋から冬にかけての空気感は、感覚の基盤になっているといいます。植物のような有機的な静けさと大胆さが共存する作品の雰囲気は、こうした蓄積によって育まれています。 作品を手にする方へ ドローイングの揺らぎを楽しんでほしい、とサトウさんは言います。彼女の作品と長く付き合っているわたしが感じるのは、飾るほどに部屋になじみながら、それでいて存在を主張し続けるしなやかさと強さ。計算された思いっきりの良さが、意識を捉えて離しません。   サトウアサミさんの作品はこちら    

  • 作家の深掘りコラム｜「絵の具を描(えが)く」抽象画家　滝本優美

    作家の深掘りコラム｜「絵の具を描(えが)く」抽象画家　滝本優美

    滝本優美さんの作品には、絵の具の確かな存在感がありながら、見ていて息が詰まらない。厚く盛られた色と白の絵の具が画面の中で均衡を探っていて、その張り合いが静かな緊張をつくっています。抑制された色づかいの中に、ところどころ差し込まれた強めの色が、画面を引き締める。わかりやすい派手さはないのに、目が離せない　というのがわたしの第一印象でした。 外れなかった、ということ 滝本優美さんにとって絵を描(えが)くことは、「日常であり、自分を守るものでもあったから、やめる理由がなかった。画家でいることを選んだ、というより、画家で居続けることから外れなかった」という言い方が、正直な感覚だったのではないでしょうか。 「抽象に向かったのは、”描くこと”への違和感がきっかけでした。対象をうまく扱い描くことより、絵の具そのものに触れている時間の方が明らかに強かった。その気づきから、対象を手放し、"絵の具を描く"と言い切るようになりました。」その言葉は宣言というより、長い時間をかけてたどり着いた、自分の制作への正直な記述に聞こえます。 絵の具、キャンバス、自分 制作において一貫しているのも、この"絵の具を描く"という一点だと話してくれました。「絵の具の重たさや乾き、密度、蓄積。それをそのまま画面に置いていく。色や構図の着地を最初から決めることはほとんどなく、決めた瞬間に、そこに向かう作業になり、制作ではなくなる」からだと言います。 「絵の具、キャンバス、そして自分。この三者のやりとりから結果として残ったものを引き受ける方が"事実として信用できる"」——その言葉には、作り手としての誠実さがあります。「自分からのコントロールをしすぎないこと、その緊張状態を保ち続けること。それがいちばん難しくてやりがいがある」と滝本さんは話します。 滝本さん愛用のペインティングナイフ 密度と、白のあいだ 作品を見ていると、厚みがあるのに重くない、という印象を受けます。絵の具が盛り上がっているのに、画面に息がある。これは偶然ではなく、滝本さんは厚くのせた絵の具の密度と、白が塗られた部分の関係をかなり意識しているからです。「どちらかに寄るとすぐに説明的になる。そのぎりぎりを探り続けること。」密度と空白が拮抗しているからこそ、見る人の目が画面の中で自由に動ける。その緊張が、作品の呼吸をつくっているのだと思います。 わかった気にならないこと ”制作は、判断の精度を上げること”だと滝本さんは言います。「ごまかさずに、きちんと責任を取る。続ける上で意識しているのは、わかった気にならないこと。一度やり方が見えた瞬間に、それはもう弱くなるから」という言葉には、制作を惰性に任せない緊張感があります。 「うまくいったことより、崩れたときにどうやってよい絵にしていったかの経験が次につながる。」完成した作品の向こうに、無数の判断と失敗の蓄積がある。「インスピレーションより、制作中に起こる”少し気持ち悪い””なんとなく合っていない”という感覚を放置しないで拾うこと」その地道な往来が、滝本さんの制作の実態です。 作品とともに、時間を過ごす 「作品をどう見るかは完全に自由でいい」と滝本さんは言います。正しい見方はなく、向きを変えてもいい。ふとしたときに視界に入って、少しだけ感覚を揺らすような存在になれたらうれしい、と。 「絵画は静止しているように見えるが、実際にはかなり動的なモノの一瞬」そんな言葉も印象に残っています。作品は、時間や身体の感覚も含めて成り立っている。だからこそ、時間が経つにつれて見え方が変わっていくのなら、それは作品がきちんと“よい絵”であり続けている証なのかもしれません。 絵具の厚みやペインティングナイフの表現を特徴とする作家は他にもいます。けれど、小ぶりな画面のなかにも十分な密度があり、日本の住空間にもすっとなじむ静かな佇まいには、滝本さんならではの魅力が感じられます。見れば、滝本さんの作品だとわかる。そう思わせる確かな個性があります。 a good viewで滝本さんの作品と出会った方が、いつか実際にその油絵の前に立つ日が来たら・・　そんなことを想像しています。 滝本さんの作品はこちら  

    作家の深掘りコラム｜「絵の具を描(えが)く」抽象画家　滝本優美

    滝本優美さんの作品には、絵の具の確かな存在感がありながら、見ていて息が詰まらない。厚く盛られた色と白の絵の具が画面の中で均衡を探っていて、その張り合いが静かな緊張をつくっています。抑制された色づかいの中に、ところどころ差し込まれた強めの色が、画面を引き締める。わかりやすい派手さはないのに、目が離せない　というのがわたしの第一印象でした。 外れなかった、ということ 滝本優美さんにとって絵を描(えが)くことは、「日常であり、自分を守るものでもあったから、やめる理由がなかった。画家でいることを選んだ、というより、画家で居続けることから外れなかった」という言い方が、正直な感覚だったのではないでしょうか。 「抽象に向かったのは、”描くこと”への違和感がきっかけでした。対象をうまく扱い描くことより、絵の具そのものに触れている時間の方が明らかに強かった。その気づきから、対象を手放し、"絵の具を描く"と言い切るようになりました。」その言葉は宣言というより、長い時間をかけてたどり着いた、自分の制作への正直な記述に聞こえます。 絵の具、キャンバス、自分 制作において一貫しているのも、この"絵の具を描く"という一点だと話してくれました。「絵の具の重たさや乾き、密度、蓄積。それをそのまま画面に置いていく。色や構図の着地を最初から決めることはほとんどなく、決めた瞬間に、そこに向かう作業になり、制作ではなくなる」からだと言います。 「絵の具、キャンバス、そして自分。この三者のやりとりから結果として残ったものを引き受ける方が"事実として信用できる"」——その言葉には、作り手としての誠実さがあります。「自分からのコントロールをしすぎないこと、その緊張状態を保ち続けること。それがいちばん難しくてやりがいがある」と滝本さんは話します。 滝本さん愛用のペインティングナイフ 密度と、白のあいだ 作品を見ていると、厚みがあるのに重くない、という印象を受けます。絵の具が盛り上がっているのに、画面に息がある。これは偶然ではなく、滝本さんは厚くのせた絵の具の密度と、白が塗られた部分の関係をかなり意識しているからです。「どちらかに寄るとすぐに説明的になる。そのぎりぎりを探り続けること。」密度と空白が拮抗しているからこそ、見る人の目が画面の中で自由に動ける。その緊張が、作品の呼吸をつくっているのだと思います。 わかった気にならないこと ”制作は、判断の精度を上げること”だと滝本さんは言います。「ごまかさずに、きちんと責任を取る。続ける上で意識しているのは、わかった気にならないこと。一度やり方が見えた瞬間に、それはもう弱くなるから」という言葉には、制作を惰性に任せない緊張感があります。 「うまくいったことより、崩れたときにどうやってよい絵にしていったかの経験が次につながる。」完成した作品の向こうに、無数の判断と失敗の蓄積がある。「インスピレーションより、制作中に起こる”少し気持ち悪い””なんとなく合っていない”という感覚を放置しないで拾うこと」その地道な往来が、滝本さんの制作の実態です。 作品とともに、時間を過ごす 「作品をどう見るかは完全に自由でいい」と滝本さんは言います。正しい見方はなく、向きを変えてもいい。ふとしたときに視界に入って、少しだけ感覚を揺らすような存在になれたらうれしい、と。 「絵画は静止しているように見えるが、実際にはかなり動的なモノの一瞬」そんな言葉も印象に残っています。作品は、時間や身体の感覚も含めて成り立っている。だからこそ、時間が経つにつれて見え方が変わっていくのなら、それは作品がきちんと“よい絵”であり続けている証なのかもしれません。 絵具の厚みやペインティングナイフの表現を特徴とする作家は他にもいます。けれど、小ぶりな画面のなかにも十分な密度があり、日本の住空間にもすっとなじむ静かな佇まいには、滝本さんならではの魅力が感じられます。見れば、滝本さんの作品だとわかる。そう思わせる確かな個性があります。 a good viewで滝本さんの作品と出会った方が、いつか実際にその油絵の前に立つ日が来たら・・　そんなことを想像しています。 滝本さんの作品はこちら  

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