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いえにいるクロネコ フレーム50＋額装マット付き
通常価格 ¥17,600 （税込）通常価格単価 あたり -
いえにいるクロネコ フレームセット
通常価格 ¥6,160～ （税込）通常価格単価 あたり -
いえにいるシロネコ フレーム50＋額装マット付き
通常価格 ¥17,600 （税込）通常価格単価 あたり -
いえにいるシロネコ フレームセット
通常価格 ¥6,160～ （税込）通常価格単価 あたり -
カメ フレーム50＋額装マット付き
通常価格 ¥17,600 （税込）通常価格単価 あたり -
カメ フレームセット
通常価格 ¥6,160～ （税込）通常価格単価 あたり -
カモシカ フレーム50＋額装マット付き
通常価格 ¥17,600 （税込）通常価格単価 あたり -
カモシカ フレームセット
通常価格 ¥6,160～ （税込）通常価格単価 あたり -
タヌキ フレーム50＋額装マット付き
通常価格 ¥17,600 （税込）通常価格単価 あたり -
タヌキ フレームセット
通常価格 ¥6,160～ （税込）通常価格単価 あたり -
フクロウ フレーム50＋額装マット付き
通常価格 ¥17,600 （税込）通常価格単価 あたり -
フクロウ フレームセット
通常価格 ¥6,160～ （税込）通常価格単価 あたり
Our Artists
当店に作品をご提供くださっている作家の皆さまをご紹介するページです。画家、イラストレーター、テキスタイルデザイナーなど、従来のカテゴリーにとらわれることなく、アートとデザインの境界を自由に行き来する、国内外の多彩な作家陣が参加しています。
News & Column
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色と線が出会う場所。エリザ・デフォッセ・菊地の仕事。
エリザさんの作品を初めて見たとき、「アートとデザインが、ごく自然に重なっている。」という感覚が先にきました。格子のような構造があるかと思えば、ゆるやかな曲線が同じ画面に収まっている。整理された論理と、そこからはみ出す手の痕跡が、同じ土台に共存している。 ベルギー生まれ、東京とヘルシンキを拠点に活動するエリザさんは、18歳で工業デザインに出会い、その後フィンランドのアールト大学でテキスタイルを学びました。「人の日常生活に関われる」。それがデザインへと向かう最初の動機でした。卒業後はエルメスでのデザイン部門を経て、2021年に自身のスタジオを設立。自身をアーティストよりデザイナーに近いと感じながら、絵もテキスタイルも空間もすべてをつなげながら制作するというスタンスは、その頃から変わっていません。 フィンランドが変えたもの 大きな転機はヘルシンキに住んだことだった、とエリザさんは言います。アールト大学でデザインを深く学んだのはもちろん、それ以上にフィンランドの文化と生活が自分を変えたと。日常の中で自然が身近にある感覚が、今もインスピレーションの根っこにあるそうです。 大自然でなくてもいい。道端の落ち葉、タンポポ、苔——そういった日常の小さな自然を「観る」ことが、作品の出発点になっています。アイデアが生まれる瞬間を聞くと、「散歩しているとき」という答えが返ってきました。時間があれば寄り道しながら帰る。あまり計画しない、迷子になるくらいの旅の方が素敵な出会いがある。そういう姿勢が、制作にもそのまま通じています。 エリザさんが歩いたフィンランドの散歩コース 構造と、はみ出すもの 作品を見ていると、その感覚がよく伝わってきます。細い線が格子状に積み重なった作品では、区画ごとに色がそっと変わる。鉛筆で引いたような線は微妙にゆれていて、規則的なのに、息をしているように見えます。石のかたちを思わせる有機的なシルエットが整然と並ぶ作品では、形が揃いすぎず、でも散漫にもなっていない。あの「ちょうどいい不均一さ」は、偶然ではないはずです。 「計画された構造の上に、コントロールされない部分が共存する関係は、自然と人間の関係によく似ている」とエリザさんは言います。線はいつも手書きで、少しだけ歪んでいる。その歪みに温もりを感じている、と。 色日記のこと 色のつくり方にも、一貫したこだわりがあります。アクリルで落とし込んだ自作の色チップを「色日記」としてアーカイブし続け、その色を制作の指示に使うそうです。微妙な「間の色」が好き、という言葉どおり、実際の作品の色はそういう色をしています。言い切れないやわらかさ、どこか馴染みのある新しさ。グレーともベージュとも言い切れない色、くすんでいるのに透明感がある緑。自分でつくらなければ出てこない色です。 坂本龍一と、落ち着いたマインドセット 影響を受けたアーティストを尋ねると、音楽家の坂本龍一さんの名前が挙がりました。コンセプト、考え方、世界観にいつも感動し続けている、と話してくれました。ご両親が音楽関係の仕事をされていたこともあり、音楽はもともと身近だったそうです。 制作に向き合うときに大切にしていることは、落ち着いたマインドセットでいること。続けられる理由は、単純に楽しいから。絵を描き、デザインを考え、実現させること、そして様々な人と関わりながらものづくりをすること——それがかけがえのない時間だと言います。 エリザさんのアトリエ 暮らしの中の、密かな存在として 飾ったポスターが「暮らしの中で密かな存在として、優しい支えになれたら」とエリザさんは話してくれました。ふとアートピースを見る瞬間に、心が少しだけ落ち着くきっかけになれたら、と。自分にとっての「いいな」と思える瞬間を、見てくれた人にも見つけてほしい —— エリザさんはそう話してくれました。 エリザさんの作品はこちら
色と線が出会う場所。エリザ・デフォッセ・菊地の仕事。
エリザさんの作品を初めて見たとき、「アートとデザインが、ごく自然に重なっている。」という感覚が先にきました。格子のような構造があるかと思えば、ゆるやかな曲線が同じ画面に収まっている。整理された論理と、そこからはみ出す手の痕跡が、同じ土台に共存している。 ベルギー生まれ、東京とヘルシンキを拠点に活動するエリザさんは、18歳で工業デザインに出会い、その後フィンランドのアールト大学でテキスタイルを学びました。「人の日常生活に関われる」。それがデザインへと向かう最初の動機でした。卒業後はエルメスでのデザイン部門を経て、2021年に自身のスタジオを設立。自身をアーティストよりデザイナーに近いと感じながら、絵もテキスタイルも空間もすべてをつなげながら制作するというスタンスは、その頃から変わっていません。 フィンランドが変えたもの 大きな転機はヘルシンキに住んだことだった、とエリザさんは言います。アールト大学でデザインを深く学んだのはもちろん、それ以上にフィンランドの文化と生活が自分を変えたと。日常の中で自然が身近にある感覚が、今もインスピレーションの根っこにあるそうです。 大自然でなくてもいい。道端の落ち葉、タンポポ、苔——そういった日常の小さな自然を「観る」ことが、作品の出発点になっています。アイデアが生まれる瞬間を聞くと、「散歩しているとき」という答えが返ってきました。時間があれば寄り道しながら帰る。あまり計画しない、迷子になるくらいの旅の方が素敵な出会いがある。そういう姿勢が、制作にもそのまま通じています。 エリザさんが歩いたフィンランドの散歩コース 構造と、はみ出すもの 作品を見ていると、その感覚がよく伝わってきます。細い線が格子状に積み重なった作品では、区画ごとに色がそっと変わる。鉛筆で引いたような線は微妙にゆれていて、規則的なのに、息をしているように見えます。石のかたちを思わせる有機的なシルエットが整然と並ぶ作品では、形が揃いすぎず、でも散漫にもなっていない。あの「ちょうどいい不均一さ」は、偶然ではないはずです。 「計画された構造の上に、コントロールされない部分が共存する関係は、自然と人間の関係によく似ている」とエリザさんは言います。線はいつも手書きで、少しだけ歪んでいる。その歪みに温もりを感じている、と。 色日記のこと 色のつくり方にも、一貫したこだわりがあります。アクリルで落とし込んだ自作の色チップを「色日記」としてアーカイブし続け、その色を制作の指示に使うそうです。微妙な「間の色」が好き、という言葉どおり、実際の作品の色はそういう色をしています。言い切れないやわらかさ、どこか馴染みのある新しさ。グレーともベージュとも言い切れない色、くすんでいるのに透明感がある緑。自分でつくらなければ出てこない色です。 坂本龍一と、落ち着いたマインドセット 影響を受けたアーティストを尋ねると、音楽家の坂本龍一さんの名前が挙がりました。コンセプト、考え方、世界観にいつも感動し続けている、と話してくれました。ご両親が音楽関係の仕事をされていたこともあり、音楽はもともと身近だったそうです。 制作に向き合うときに大切にしていることは、落ち着いたマインドセットでいること。続けられる理由は、単純に楽しいから。絵を描き、デザインを考え、実現させること、そして様々な人と関わりながらものづくりをすること——それがかけがえのない時間だと言います。 エリザさんのアトリエ 暮らしの中の、密かな存在として 飾ったポスターが「暮らしの中で密かな存在として、優しい支えになれたら」とエリザさんは話してくれました。ふとアートピースを見る瞬間に、心が少しだけ落ち着くきっかけになれたら、と。自分にとっての「いいな」と思える瞬間を、見てくれた人にも見つけてほしい —— エリザさんはそう話してくれました。 エリザさんの作品はこちら
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作家の深堀コラム | 境界を溶かし、光を呼び込む。抽象画家 タンジサトミ
抽象画には、言葉より先に届くものがあります。何が描かれているかを説明する前に、空気や気配のようなものが立ち上がってくる。タンジサトミさんの作品も、まさにそういう絵です。 やわらかな色の重なり。流れるような曲線。にじみや揺らぎをそのまま抱え込んだような表情。きっぱりと何かを断言する強さというより、異なるもの同士を受け入れながら整えていく力がある。混沌や陰の気配も知ったうえで、それでもなお光のほうへ目を向けようとする——そんな姿勢が、作品全体に通底しています。 抽象画との出会いが、眠っていた感覚を呼び起こした タンジさんが創作活動を本格的に始めたのは2019年。現在はフルイドアート（絵の具を液状にして、キャンバスに流したり傾けたりしながら描く技法）を中心に制作されていますが、それ以前の歩みも印象的です。新卒で外資系航空会社のCAとして働き、その後はフリーランスの字幕翻訳者として活動。いまの表現には、そうした仕事を通して触れてきた海外の空気や、異国の文化の記憶が生きているといいます。 もともと幼い頃からものづくりが好きで、将来はクリエイティブなことに関わりたいという思いもあった。けれど大人になるにつれ、その感覚はいったん奥へしまわれていった。 転機は、自宅に飾る抽象画が欲しくて、自分で描いてみたことでした。やってみると、その面白さに一気に引き込まれた。しかも始めて間もない時期に大阪の公募展で賞を受けたことで、「作家としてやっていきたい」という意識がはっきりと形になっていったそうです。 タンジさんのアルコールインクを使った作品 海を越えて届いたことが、表現への確信になった 活動の中で大きな転機となったのが、2021年に台湾で開催した初の海外個展でした。コロナ禍という難しい時期での開催でしたが、作品は完売。ご本人にとっても「奇跡を見ているようだった」と感じられる出来事だったといいます。 言葉が通じなくても、絵は届く。国境を越えても、自分の伝えたいものは伝わる——そう実感できたことは、タンジさんの作品に通底する「国や人種、文化にとらわれない調和」の感覚を、より確かなものにしたはずです。 抽象画は、具体的なモチーフを持たないぶん、受け手に委ねられる部分が大きい表現です。だからこそ、文化的背景の違う人にも届きうる。その可能性を、自身の体験によって確かめた作家です。 素材を選び、偶然を受け入れる タンジさんが意識しているのは「調和の世界」、そしてそのなかに光を感じさせることです。自然へのリスペクト、陰陽のバランス、明るさだけでなく陰りや揺らぎも排除しないこと。そのうえでなお希望を見出そうとする視点が、作品の根底にあります。 素材への意識も鋭く、箔なら24Kゴールド、レジンも高品質なものを選ぶ。ニュアンスカラーや淡い色がきれいに出る素材を見極めて使っているそうです。抽象画は自由な表現と思われがちですが、素材選びによって透明感や奥行きは大きく変わる。その細部への目配りが、作品の品質を支えています。 一方、制作姿勢そのものはとても開かれています。頭を空っぽにして、コントロールしすぎず、自然に出来上がるものを大切にする。テクスチャを重ね、偶然生まれた効果を活かしながら制作を進めていく。色と動きが画面いっぱいに広がり、そこへ箔のアクセントが光を呼び込む。自然界にあるような色の選択も含め、素材や流れと協働するような姿勢が、作品の透明感と奥行きを支えています。 光をイメージさせるために使われるゴールドの箔 旅の記憶と、静かな集中が作品を育てる 制作は自宅の一室をアトリエに、午前の早い時間帯を中心に行っているそうです。頭がすっきりしているうちに集中的に進め、生活習慣を整え、一人の時間を大切にする。そのあり方は、そのまま作品にも表れているように感じます。何かを足して強くするのではなく、ノイズを減らして感覚が入りやすい状態を保つ。その上で、自分の内側に入ってきたものをすくい上げる。 インスピレーションの源として挙げられるのは、旅行先の街並み、古い建築物、ヨーロッパで見た歴史的建造物や教会など。土地や建物が抱えてきた深さへのまなざしが、作品に漂うどこか神秘的な気配を生んでいるのだと思います。 暮らしの中で、さりげなく効いてくる絵 タンジさんは、ご自身の作品が「癒される感覚」や「心が少し軽くなる感覚」につながればと語っています。混沌とした世の中のなかで、見る人の内側の何かに共鳴すること。そこに自然と共生していく意識まで重ねようとしているところに、この作家ならではのスケールを感じます。 同時に、作品が暮らしの中でどうあってほしいかという視点は具体的です。家のインテリアやライトに馴染み、さりげなく存在し、そこにあることで空間が少し変わる。強く主張しすぎず、けれど確かに場の空気を整える。 見るたびに何かをはっきり説明してくれる絵ではないかもしれません。けれど、ふとしたときに心の位置を整えてくれる。タンジサトミさんの抽象画は、そんなふうに長く一緒にいられる作品です。...
作家の深堀コラム | 境界を溶かし、光を呼び込む。抽象画家 タンジサトミ
抽象画には、言葉より先に届くものがあります。何が描かれているかを説明する前に、空気や気配のようなものが立ち上がってくる。タンジサトミさんの作品も、まさにそういう絵です。 やわらかな色の重なり。流れるような曲線。にじみや揺らぎをそのまま抱え込んだような表情。きっぱりと何かを断言する強さというより、異なるもの同士を受け入れながら整えていく力がある。混沌や陰の気配も知ったうえで、それでもなお光のほうへ目を向けようとする——そんな姿勢が、作品全体に通底しています。 抽象画との出会いが、眠っていた感覚を呼び起こした タンジさんが創作活動を本格的に始めたのは2019年。現在はフルイドアート（絵の具を液状にして、キャンバスに流したり傾けたりしながら描く技法）を中心に制作されていますが、それ以前の歩みも印象的です。新卒で外資系航空会社のCAとして働き、その後はフリーランスの字幕翻訳者として活動。いまの表現には、そうした仕事を通して触れてきた海外の空気や、異国の文化の記憶が生きているといいます。 もともと幼い頃からものづくりが好きで、将来はクリエイティブなことに関わりたいという思いもあった。けれど大人になるにつれ、その感覚はいったん奥へしまわれていった。 転機は、自宅に飾る抽象画が欲しくて、自分で描いてみたことでした。やってみると、その面白さに一気に引き込まれた。しかも始めて間もない時期に大阪の公募展で賞を受けたことで、「作家としてやっていきたい」という意識がはっきりと形になっていったそうです。 タンジさんのアルコールインクを使った作品 海を越えて届いたことが、表現への確信になった 活動の中で大きな転機となったのが、2021年に台湾で開催した初の海外個展でした。コロナ禍という難しい時期での開催でしたが、作品は完売。ご本人にとっても「奇跡を見ているようだった」と感じられる出来事だったといいます。 言葉が通じなくても、絵は届く。国境を越えても、自分の伝えたいものは伝わる——そう実感できたことは、タンジさんの作品に通底する「国や人種、文化にとらわれない調和」の感覚を、より確かなものにしたはずです。 抽象画は、具体的なモチーフを持たないぶん、受け手に委ねられる部分が大きい表現です。だからこそ、文化的背景の違う人にも届きうる。その可能性を、自身の体験によって確かめた作家です。 素材を選び、偶然を受け入れる タンジさんが意識しているのは「調和の世界」、そしてそのなかに光を感じさせることです。自然へのリスペクト、陰陽のバランス、明るさだけでなく陰りや揺らぎも排除しないこと。そのうえでなお希望を見出そうとする視点が、作品の根底にあります。 素材への意識も鋭く、箔なら24Kゴールド、レジンも高品質なものを選ぶ。ニュアンスカラーや淡い色がきれいに出る素材を見極めて使っているそうです。抽象画は自由な表現と思われがちですが、素材選びによって透明感や奥行きは大きく変わる。その細部への目配りが、作品の品質を支えています。 一方、制作姿勢そのものはとても開かれています。頭を空っぽにして、コントロールしすぎず、自然に出来上がるものを大切にする。テクスチャを重ね、偶然生まれた効果を活かしながら制作を進めていく。色と動きが画面いっぱいに広がり、そこへ箔のアクセントが光を呼び込む。自然界にあるような色の選択も含め、素材や流れと協働するような姿勢が、作品の透明感と奥行きを支えています。 光をイメージさせるために使われるゴールドの箔 旅の記憶と、静かな集中が作品を育てる 制作は自宅の一室をアトリエに、午前の早い時間帯を中心に行っているそうです。頭がすっきりしているうちに集中的に進め、生活習慣を整え、一人の時間を大切にする。そのあり方は、そのまま作品にも表れているように感じます。何かを足して強くするのではなく、ノイズを減らして感覚が入りやすい状態を保つ。その上で、自分の内側に入ってきたものをすくい上げる。 インスピレーションの源として挙げられるのは、旅行先の街並み、古い建築物、ヨーロッパで見た歴史的建造物や教会など。土地や建物が抱えてきた深さへのまなざしが、作品に漂うどこか神秘的な気配を生んでいるのだと思います。 暮らしの中で、さりげなく効いてくる絵 タンジさんは、ご自身の作品が「癒される感覚」や「心が少し軽くなる感覚」につながればと語っています。混沌とした世の中のなかで、見る人の内側の何かに共鳴すること。そこに自然と共生していく意識まで重ねようとしているところに、この作家ならではのスケールを感じます。 同時に、作品が暮らしの中でどうあってほしいかという視点は具体的です。家のインテリアやライトに馴染み、さりげなく存在し、そこにあることで空間が少し変わる。強く主張しすぎず、けれど確かに場の空気を整える。 見るたびに何かをはっきり説明してくれる絵ではないかもしれません。けれど、ふとしたときに心の位置を整えてくれる。タンジサトミさんの抽象画は、そんなふうに長く一緒にいられる作品です。...
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作家の深堀りコラム｜日常に、季節の呼吸を。一栁綾乃の植物画
一栁さんの作品には、見ていると呼吸が整う感覚があります。カンプシス（ノウゼンカズラ）の橙、コレオプシスの黄、オキザリスの紫。どれも鮮やかなのに、騒がしくない。余白が光を通しているようで、植物そのものというより、植物と季節のあいだにある何かを描いているように感じます。モチーフはいつも身近な草花ですが、それが日常の景色として、ごく自然にそこにあるような距離感があります。 「褒めてもらった」が出発点 静岡で生まれ育った一栁さんが絵と出会ったきっかけは、小学3・4年生のときの担任の先生でした。美術の先生だったその人に褒めてもらったことが、「描くことが好き」という気持ちの出発点になったと話してくれました。それは今も変わらない、制作の根っこにある感覚です。続けていく上でのモットーとして「描くのが好きなので、その気持ちを大事にすること」と語ってくれた言葉に、その原点がそのまま生きているように感じます。 京都が変えた、景色の見方 20代はクリエーターたちが集まるカフェに通い、さまざまな人との出会いを重ねました。大きな転機となったのは30代の京都生活です。地元・静岡とは異なる街の雰囲気や文化の中で、スケッチを日課にするようになり、自然に触れる機会も増えたことで、植物をモチーフに描くことが増えていきました。そして京都で出会った染色の世界が、現在のテキスタイルの仕事へとつながっています。その後、出産を経て子どもと過ごす時間の中で、自然と向き合う目がさらに深まったといいます。静岡、京都、そして母になってからの日々。それぞれの場所と時間が、一栁さんの作品の地層をつくっているように思います。 京都芸術センターでの展示 画材と、制作のリズム 画材はヴィフアール水彩紙（細目）と、吉祥の顔彩（日本画で使われる絵の具で、独特の発色と質感が特徴）。さまざまな画材を試した末に行き着いた組み合わせだそうです。水彩の技法で描く色の繊細さと質感、にじみ具合が、植物の表情とよく合っています。そして、下書きはしません。イメージを頭の中で育ててから、そのまま紙に向かう。その潔さが、線に迷いのない伸びやかさを生んでいるのかもしれません。制作中はharuka nakamuraや高木正勝といった、空気のようにやわらかく広がる音楽を流すことが多いそうで、作品の持つ静かな明るさと、どこか通じるものを感じます。 一栁さんの画材 込めすぎない、だから届く 「自分の意思や想いを作品に込めすぎない」と一栁さんは言います。客観的に描くことで、見る人に作品が寄り添える、と。目指しているのは、主張ではなく、共鳴です。日常の中で見落としてしまいそうな小さな美しさや、季節の移ろい。それに気づける感覚を、絵を通してそっと呼び覚ましてほしいという思いが、作品の奥にあります。描きすぎず、ゆとりを残し、自分の感じた色を使う。シンプルに聞こえますが、それを貫くことが、実は最も難しいことのひとつだと思います。 芹沢銈介と伊藤尚美、その系譜に 影響を受けた作家として名を挙げるのは、型染めの巨匠・芹沢銈介氏とテキスタイルデザイナーの伊藤尚美さん。どちらも美術館の中だけで完結しない「生活に入る美」を実践している作り手です。その名前を聞いて、一栁さんの植物画が暮らしの道具や布地へと自然につながっていく理由が、腑に落ちた気がしました。 小さな彩りとして、暮らしの中へ 「作品が、日々の中の小さな彩りとなったら嬉しい」という言葉が、すべてを言い表しているように思います。テキスタイルの分野でも、壁紙やカーテン、食器など、暮らしの中のさまざまなものへと表現を広げていきたいという気持ちを語ってくれました。絵を描くことと、生活に寄り添うものをつくること。その両方を、一栁さんは同じ感覚で大切にしているのだと感じます。飾る人の日常に、そっと季節の空気を届けてくれる。それが一栁綾乃さんの作品の在り方です。 一栁さんの作品はこちら
作家の深堀りコラム｜日常に、季節の呼吸を。一栁綾乃の植物画
一栁さんの作品には、見ていると呼吸が整う感覚があります。カンプシス（ノウゼンカズラ）の橙、コレオプシスの黄、オキザリスの紫。どれも鮮やかなのに、騒がしくない。余白が光を通しているようで、植物そのものというより、植物と季節のあいだにある何かを描いているように感じます。モチーフはいつも身近な草花ですが、それが日常の景色として、ごく自然にそこにあるような距離感があります。 「褒めてもらった」が出発点 静岡で生まれ育った一栁さんが絵と出会ったきっかけは、小学3・4年生のときの担任の先生でした。美術の先生だったその人に褒めてもらったことが、「描くことが好き」という気持ちの出発点になったと話してくれました。それは今も変わらない、制作の根っこにある感覚です。続けていく上でのモットーとして「描くのが好きなので、その気持ちを大事にすること」と語ってくれた言葉に、その原点がそのまま生きているように感じます。 京都が変えた、景色の見方 20代はクリエーターたちが集まるカフェに通い、さまざまな人との出会いを重ねました。大きな転機となったのは30代の京都生活です。地元・静岡とは異なる街の雰囲気や文化の中で、スケッチを日課にするようになり、自然に触れる機会も増えたことで、植物をモチーフに描くことが増えていきました。そして京都で出会った染色の世界が、現在のテキスタイルの仕事へとつながっています。その後、出産を経て子どもと過ごす時間の中で、自然と向き合う目がさらに深まったといいます。静岡、京都、そして母になってからの日々。それぞれの場所と時間が、一栁さんの作品の地層をつくっているように思います。 京都芸術センターでの展示 画材と、制作のリズム 画材はヴィフアール水彩紙（細目）と、吉祥の顔彩（日本画で使われる絵の具で、独特の発色と質感が特徴）。さまざまな画材を試した末に行き着いた組み合わせだそうです。水彩の技法で描く色の繊細さと質感、にじみ具合が、植物の表情とよく合っています。そして、下書きはしません。イメージを頭の中で育ててから、そのまま紙に向かう。その潔さが、線に迷いのない伸びやかさを生んでいるのかもしれません。制作中はharuka nakamuraや高木正勝といった、空気のようにやわらかく広がる音楽を流すことが多いそうで、作品の持つ静かな明るさと、どこか通じるものを感じます。 一栁さんの画材 込めすぎない、だから届く 「自分の意思や想いを作品に込めすぎない」と一栁さんは言います。客観的に描くことで、見る人に作品が寄り添える、と。目指しているのは、主張ではなく、共鳴です。日常の中で見落としてしまいそうな小さな美しさや、季節の移ろい。それに気づける感覚を、絵を通してそっと呼び覚ましてほしいという思いが、作品の奥にあります。描きすぎず、ゆとりを残し、自分の感じた色を使う。シンプルに聞こえますが、それを貫くことが、実は最も難しいことのひとつだと思います。 芹沢銈介と伊藤尚美、その系譜に 影響を受けた作家として名を挙げるのは、型染めの巨匠・芹沢銈介氏とテキスタイルデザイナーの伊藤尚美さん。どちらも美術館の中だけで完結しない「生活に入る美」を実践している作り手です。その名前を聞いて、一栁さんの植物画が暮らしの道具や布地へと自然につながっていく理由が、腑に落ちた気がしました。 小さな彩りとして、暮らしの中へ 「作品が、日々の中の小さな彩りとなったら嬉しい」という言葉が、すべてを言い表しているように思います。テキスタイルの分野でも、壁紙やカーテン、食器など、暮らしの中のさまざまなものへと表現を広げていきたいという気持ちを語ってくれました。絵を描くことと、生活に寄り添うものをつくること。その両方を、一栁さんは同じ感覚で大切にしているのだと感じます。飾る人の日常に、そっと季節の空気を届けてくれる。それが一栁綾乃さんの作品の在り方です。 一栁さんの作品はこちら
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ado 渡辺真希子さんの新作が入荷しました。
黒と白、凛とくつろぐ——adoさんの新作が同時に発売されます。日本画を思わせる落ち着いた色調の中に描かれた、それぞれ異なる表情の猫たち。かわいらしさの中にも静かな品格があり、じっと見つめるほどにその魅力に引き込まれます。飾って愛でるほどに味わいが深まる、adoさんならではの大人の猫の絵です。 いえにいるシロネコ 鮮やかな緑のクッションに寄り添うように、白猫がこちらをじっと見つめています。adoさんならではの繊細なタッチで描かれた毛並みの質感と琥珀色の瞳、布地の繊細なテクスチャー表現など、見どころの豊かな一枚です。のびやかにくつろぐ猫の姿が、見る人の心をほっとやわらげてくれます。 いえにいるクロネコ 黄金色に輝くような背景の中、長毛の黒猫がこちらをじっと見つめています。日本画を思わせる落ち着いた色調と、adoさんが一本一本丁寧に描いた繊細な毛並みが印象的な作品です。吸い込まれるような青い瞳とシンプルな構図の中に深い存在感があり、飾るたびに新たな表情を見せてくれます。猫好きの方はもちろん、動物画に興味のある方にもおすすめの一枚です。 アド 渡辺真希子 / ado Makiko Watanabe生き物好きの絵描き。東海大学 畜産学部在学中に野生動物保全に携わるため、ケニアに短期滞在。動物に対して何か出来ることがないかと考え、制作活動を始める。卒業後、熊本市動植物園嘱託職員としての勤務を経て、ヒトと動物のあいだ、生命のありようの表現を模索しながら、活動を続けている。 アドさんの作品はこちら アドさんの深堀コラムはこちら
ado 渡辺真希子さんの新作が入荷しました。
黒と白、凛とくつろぐ——adoさんの新作が同時に発売されます。日本画を思わせる落ち着いた色調の中に描かれた、それぞれ異なる表情の猫たち。かわいらしさの中にも静かな品格があり、じっと見つめるほどにその魅力に引き込まれます。飾って愛でるほどに味わいが深まる、adoさんならではの大人の猫の絵です。 いえにいるシロネコ 鮮やかな緑のクッションに寄り添うように、白猫がこちらをじっと見つめています。adoさんならではの繊細なタッチで描かれた毛並みの質感と琥珀色の瞳、布地の繊細なテクスチャー表現など、見どころの豊かな一枚です。のびやかにくつろぐ猫の姿が、見る人の心をほっとやわらげてくれます。 いえにいるクロネコ 黄金色に輝くような背景の中、長毛の黒猫がこちらをじっと見つめています。日本画を思わせる落ち着いた色調と、adoさんが一本一本丁寧に描いた繊細な毛並みが印象的な作品です。吸い込まれるような青い瞳とシンプルな構図の中に深い存在感があり、飾るたびに新たな表情を見せてくれます。猫好きの方はもちろん、動物画に興味のある方にもおすすめの一枚です。 アド 渡辺真希子 / ado Makiko Watanabe生き物好きの絵描き。東海大学 畜産学部在学中に野生動物保全に携わるため、ケニアに短期滞在。動物に対して何か出来ることがないかと考え、制作活動を始める。卒業後、熊本市動植物園嘱託職員としての勤務を経て、ヒトと動物のあいだ、生命のありようの表現を模索しながら、活動を続けている。 アドさんの作品はこちら アドさんの深堀コラムはこちら
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作家の深堀コラム | 「生き物だな」と感じられる絵 ado（渡辺真希子）
adoさんの描く生き物は、愛らしさを前面に出しすぎません。目が合うのに、言い切らない。表情があるのに、説明しない。その距離感があるから、眺めているうちに「かわいいね」で終わらず、ふと“生き物としての存在”に引き戻されます。目線の置き方、輪郭のゆるみ、体の重みの残し方。その全部が、こちらの感情を急かさないまま、静かに近づいてくる感じです。 描き始めたのは、ケニヤから帰った春adoさんが創作を始めたのは、大学の畜産学部2年の春。2ヶ月のケニヤ滞在を終えて帰国した直後でした。野生動物保全に関わりたい気持ちは強かった一方で「獣医でもない」「屈強な身体があるわけでもない」「語学力も十分ではない」。現地で自分の“甘さ”に気づいたといいます。それでも「自分なりに出来ることはないだろうか」と考え続けた滞在中、ケニヤの人たちに似顔絵を描いたところ、とても喜んでもらえた。そこで、絵には人の心を動かし、届く力があると体感します。帰国後は、描きながら伝えながら、自分にできることを少しずつ増やしていく道を選びました。 作品に流れる軸「“生き物だな”と感じられること」adoさんが絵を通して大切にしているのは、まず「自由に感じるままに見てもらえる」こと。そのうえで、ときには「その生き物がどこかで生きていること」や「多種多様な生き物がそれぞれの場所で暮らしていること」に、じんわり思いを馳せてもらえたらうれしい。一貫して流れるテーマは、言葉にすると少し不思議で、けれど芯のある一文です。 「“生き物だな”と感じられるものになっていること」 説明や正解に寄りかからず、見る人の感覚にそっと火を灯す。その静かな狙いが、adoさんの絵の立ち上がり方を決めているように思えます。 和紙とオイルパステル、手から紙へ「直接つながる感じ」近年よく使う素材は、和紙とオイルパステル。和紙の「モケモケ感」が、生き物を描くことと相性がいい。オイルパステルは、筆などの道具を介さず、手から直接紙へつなげられる感覚、発色、質感が好き。技法の説明は多くを語らなくても、素材選びの理由だけで伝わるものがあります。“触るように描く”。その距離感が、adoさんの生き物を「概念」ではなく「存在」に近づけていきます。 目の表情で、印象が変わる色や構図、線について「特にないかも」とさらりと言うadoさん。ただし生き物においては、目で印象がだいぶ変わる。だから、しっくりくるまでいろいろ試すことが多いそうです。この「しっくり」の中には、観察と直感、知識と手の記憶が混ざっているはずで、そこを急がないのがadoさんらしさなのだと思います。 モットーはシンプルに「やりたいことをやる。やれることをやる」創作に向き合うときは「作ってみたいと思ったら作ってみる。手を動かしてみる」。続けていく上でのモットーは、「やりたいことをやる やれることをやる」。大きな転機が一度あったというより、ご縁やきっかけが連なって、できることと活動の範囲が少しずつ増えていった。そんな歩み方をしています。 原体験としてのケニヤ、そして「具体的な動き」へadoさんにとっての原体験は、ケニヤで滞在を受け入れてくれた獣医の神戸俊平さんの存在。その後も多くの人や経験に支えられて今があると、しみじみ語ります。今後やってみたいのは、描くことだけに留まらず、実際に生き物の状況がよくなる具体的な動きも少しずつ増やしていくこと。「生き物は知識としても経験としても、どれだけでも学ぶことがある」。この言葉は、創作の背骨であり、暮らし方の宣言にも聞こえます。 飾る人へ「好きだなー！と思ったら、その気持ちを大切に」作品を手に取る方へのメッセージは、とても率直です。「私のものに限らず、自分が好きだなー！と思ったらその気持ちを大切にすると楽しいと思う」飾ってもらえるのは「めちゃ嬉しい」。それぞれの家で自分の絵が暮らしていると思うと、しみじみうれしい。絵が暮らしの中で担ってほしい役割も大げさではなく、「じんわり何らか少しでもプラスになっていたら」。この“じんわり”が、adoさんの絵の温度です。 adoさんのnoteでは「ネコが外で暮らさずに済むようにする」を目標に、外のネコが直面する危険や、私たちにできる選択をやさしく整理しています。外のネコは事故だけでも全国推定22万3366匹が亡くなるというデータに触れつつ、寒さ暑さや病気、虐待などの現実を挙げたうえで「安易に餌をあげない」「完全室内飼い」「避妊去勢」「TNR＋Manage＋Adopt」など、具体的な行動に落とし込んでいます。さらにご自身の18年の経験と反省も率直に綴られているので、詳しくはアドさんのnoteの投稿をご覧ください。 https://note.com/ado_jogoo/n/nbb102db00b5c のーちゃんとサビ adoさんの作品はこちらから
作家の深堀コラム | 「生き物だな」と感じられる絵 ado（渡辺真希子）
adoさんの描く生き物は、愛らしさを前面に出しすぎません。目が合うのに、言い切らない。表情があるのに、説明しない。その距離感があるから、眺めているうちに「かわいいね」で終わらず、ふと“生き物としての存在”に引き戻されます。目線の置き方、輪郭のゆるみ、体の重みの残し方。その全部が、こちらの感情を急かさないまま、静かに近づいてくる感じです。 描き始めたのは、ケニヤから帰った春adoさんが創作を始めたのは、大学の畜産学部2年の春。2ヶ月のケニヤ滞在を終えて帰国した直後でした。野生動物保全に関わりたい気持ちは強かった一方で「獣医でもない」「屈強な身体があるわけでもない」「語学力も十分ではない」。現地で自分の“甘さ”に気づいたといいます。それでも「自分なりに出来ることはないだろうか」と考え続けた滞在中、ケニヤの人たちに似顔絵を描いたところ、とても喜んでもらえた。そこで、絵には人の心を動かし、届く力があると体感します。帰国後は、描きながら伝えながら、自分にできることを少しずつ増やしていく道を選びました。 作品に流れる軸「“生き物だな”と感じられること」adoさんが絵を通して大切にしているのは、まず「自由に感じるままに見てもらえる」こと。そのうえで、ときには「その生き物がどこかで生きていること」や「多種多様な生き物がそれぞれの場所で暮らしていること」に、じんわり思いを馳せてもらえたらうれしい。一貫して流れるテーマは、言葉にすると少し不思議で、けれど芯のある一文です。 「“生き物だな”と感じられるものになっていること」 説明や正解に寄りかからず、見る人の感覚にそっと火を灯す。その静かな狙いが、adoさんの絵の立ち上がり方を決めているように思えます。 和紙とオイルパステル、手から紙へ「直接つながる感じ」近年よく使う素材は、和紙とオイルパステル。和紙の「モケモケ感」が、生き物を描くことと相性がいい。オイルパステルは、筆などの道具を介さず、手から直接紙へつなげられる感覚、発色、質感が好き。技法の説明は多くを語らなくても、素材選びの理由だけで伝わるものがあります。“触るように描く”。その距離感が、adoさんの生き物を「概念」ではなく「存在」に近づけていきます。 目の表情で、印象が変わる色や構図、線について「特にないかも」とさらりと言うadoさん。ただし生き物においては、目で印象がだいぶ変わる。だから、しっくりくるまでいろいろ試すことが多いそうです。この「しっくり」の中には、観察と直感、知識と手の記憶が混ざっているはずで、そこを急がないのがadoさんらしさなのだと思います。 モットーはシンプルに「やりたいことをやる。やれることをやる」創作に向き合うときは「作ってみたいと思ったら作ってみる。手を動かしてみる」。続けていく上でのモットーは、「やりたいことをやる やれることをやる」。大きな転機が一度あったというより、ご縁やきっかけが連なって、できることと活動の範囲が少しずつ増えていった。そんな歩み方をしています。 原体験としてのケニヤ、そして「具体的な動き」へadoさんにとっての原体験は、ケニヤで滞在を受け入れてくれた獣医の神戸俊平さんの存在。その後も多くの人や経験に支えられて今があると、しみじみ語ります。今後やってみたいのは、描くことだけに留まらず、実際に生き物の状況がよくなる具体的な動きも少しずつ増やしていくこと。「生き物は知識としても経験としても、どれだけでも学ぶことがある」。この言葉は、創作の背骨であり、暮らし方の宣言にも聞こえます。 飾る人へ「好きだなー！と思ったら、その気持ちを大切に」作品を手に取る方へのメッセージは、とても率直です。「私のものに限らず、自分が好きだなー！と思ったらその気持ちを大切にすると楽しいと思う」飾ってもらえるのは「めちゃ嬉しい」。それぞれの家で自分の絵が暮らしていると思うと、しみじみうれしい。絵が暮らしの中で担ってほしい役割も大げさではなく、「じんわり何らか少しでもプラスになっていたら」。この“じんわり”が、adoさんの絵の温度です。 adoさんのnoteでは「ネコが外で暮らさずに済むようにする」を目標に、外のネコが直面する危険や、私たちにできる選択をやさしく整理しています。外のネコは事故だけでも全国推定22万3366匹が亡くなるというデータに触れつつ、寒さ暑さや病気、虐待などの現実を挙げたうえで「安易に餌をあげない」「完全室内飼い」「避妊去勢」「TNR＋Manage＋Adopt」など、具体的な行動に落とし込んでいます。さらにご自身の18年の経験と反省も率直に綴られているので、詳しくはアドさんのnoteの投稿をご覧ください。 https://note.com/ado_jogoo/n/nbb102db00b5c のーちゃんとサビ adoさんの作品はこちらから
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作家の深堀コラム｜北海道の模様作家、岡理恵子
岡さんの仕事スペース 「点と線模様製作所」という名前は、どこか研究機関めいた響きを持っています。実際には、北海道生まれのテキスタイルデザイナー・岡理恵子が一人で運営するブランド。2008年のスタート以来、模様を作ることを軸にブランドを育て、2012年からは図案集などの著作本を不定期に刊行しています。 「点」と「線」に込めたもの ブランド名の由来を聞くと、岡さんらしい正直さが返ってきます。活動をはじめた頃、花や動物を描くことがとても苦手だったと言います。「点と線を使えば、きっと何でも描ける」——そう自分に言い聞かせるようなエールを、そのまま名前にしました。漢字を選んだのも理由があります。ひらがなだとやわらかすぎる。「漢字くらいの強さがないと続けられない」という感覚がありました。模様づくりを自分の基盤に据えるという姿勢を、名前そのものに刻んでおきたかったのだと思います。 模様に向かうまで 大学では空間設計を専攻していた岡さんですが、3年生の頃に行き詰まりを感じて休学しています。「芸術」という言葉に引っ張られ、何か難しそうなもの、おしゃれな感じのものを作らなければという漠然とした思い込みが、手も思考も止めていました。復学を前に、テーブルクロスやクッションで空間を変えたい、そのための模様（生地）を作りたいと先生に相談します。返ってきたのはウィリアム・モリスの名前と、「布よりも壁紙の模様を研究した方が模様の基礎を学べる」という助言でした。一度貼ったらしばらく替えられない壁紙だからこそ、長く見ていても飽きない模様の意味を深く考えられる、という理由でした。「先生の言葉が、止まっていた私の思考の霧を晴らしてくれました」と岡さんは語っています。壁紙作りを通じて、美しい模様には意味や背景があり、使う人の心をさまざまな気持ちにできるということを学んだそうです。その後、大学院では「模様の存在意義」を問われる2年間を過ごします。千利休の茶室の壁を参照したり、「人は真っ白じゃ生きられない」という結論を理屈として積み上げていきました。視覚心理学も参考にしたといいます。感覚で作ったことはない、意味を考えて作ることが自分らしさになっている、と今も語っています。 心が動くと、模様になる 「何かを見たり、いいなって思う瞬間がないと、モノづくりにつながりません」——岡さんの制作は、感情の動きから始まります。目の前の風景を写真に撮ることはしません。心が動いた記憶を、まず言葉に変換します。「縦に細長いススキの穂」「もくもくした雲」。言葉にすることで、事実のコピーではなく模様の核だけが残り、頭の中でイメージがふくらんでからアイデアスケッチに入ります。当店で取り扱う「BIRD GARDEN」も、夜の森の方から鳥の声が聴こえてきたことがきっかけでした。実や葉っぱは、すべて想像の中で描き加えたものです。「キツネの小道」はキタキツネの足跡を見つけたことから生まれました。目で見た事実を出発点にしながら、そこに記憶と感情を重ねて模様を育てていく。「貝殻を集めた記憶がうれしい」「切手をたくさん貼った荷物を送ってくれた人は、その光景を私に見せたかったのかもしれない——そう考えると嬉しくなって、模様につながるんです」という言葉が、そのプロセスをよく表しています。物よりも、物にまつわる記憶や感情が、岡さんの模様の種になっています。 誰かの生活の素材になるために 画材は固定しません。素朴さと力強さを出したいときはクレヨン、透明感が欲しいときは水彩、輪郭をくっきりさせたいときは切り絵。描きたい模様の性質が画材を選びます。オリジナルの模様は年に1〜2点を目標にしていて、「模様の種類が増えることが大事。お客さまの選択肢が増えるから」と語っています。「1枚絵のような作品的なものではなく、リピートして量産できるものを熱望した」という言葉が、岡さんの一貫した姿勢を示しています。家の中は人工的な空間だからこそ、そこに外のものを持ち込む感覚で模様をつくりたい。誰かの暮らしの素材になってはじめて、模様は役割を果たす——そういう考え方が、点と線模様製作所の根底にあります。 わたしがはじめて岡さんと出会ったのは2012年のことです。 あれから10年以上が経ちますが、岡さんの模様に対する姿勢は、当時から少しも揺らいでいません。 岡さん愛用の画材 岡さんの作品はこちら
作家の深堀コラム｜北海道の模様作家、岡理恵子
岡さんの仕事スペース 「点と線模様製作所」という名前は、どこか研究機関めいた響きを持っています。実際には、北海道生まれのテキスタイルデザイナー・岡理恵子が一人で運営するブランド。2008年のスタート以来、模様を作ることを軸にブランドを育て、2012年からは図案集などの著作本を不定期に刊行しています。 「点」と「線」に込めたもの ブランド名の由来を聞くと、岡さんらしい正直さが返ってきます。活動をはじめた頃、花や動物を描くことがとても苦手だったと言います。「点と線を使えば、きっと何でも描ける」——そう自分に言い聞かせるようなエールを、そのまま名前にしました。漢字を選んだのも理由があります。ひらがなだとやわらかすぎる。「漢字くらいの強さがないと続けられない」という感覚がありました。模様づくりを自分の基盤に据えるという姿勢を、名前そのものに刻んでおきたかったのだと思います。 模様に向かうまで 大学では空間設計を専攻していた岡さんですが、3年生の頃に行き詰まりを感じて休学しています。「芸術」という言葉に引っ張られ、何か難しそうなもの、おしゃれな感じのものを作らなければという漠然とした思い込みが、手も思考も止めていました。復学を前に、テーブルクロスやクッションで空間を変えたい、そのための模様（生地）を作りたいと先生に相談します。返ってきたのはウィリアム・モリスの名前と、「布よりも壁紙の模様を研究した方が模様の基礎を学べる」という助言でした。一度貼ったらしばらく替えられない壁紙だからこそ、長く見ていても飽きない模様の意味を深く考えられる、という理由でした。「先生の言葉が、止まっていた私の思考の霧を晴らしてくれました」と岡さんは語っています。壁紙作りを通じて、美しい模様には意味や背景があり、使う人の心をさまざまな気持ちにできるということを学んだそうです。その後、大学院では「模様の存在意義」を問われる2年間を過ごします。千利休の茶室の壁を参照したり、「人は真っ白じゃ生きられない」という結論を理屈として積み上げていきました。視覚心理学も参考にしたといいます。感覚で作ったことはない、意味を考えて作ることが自分らしさになっている、と今も語っています。 心が動くと、模様になる 「何かを見たり、いいなって思う瞬間がないと、モノづくりにつながりません」——岡さんの制作は、感情の動きから始まります。目の前の風景を写真に撮ることはしません。心が動いた記憶を、まず言葉に変換します。「縦に細長いススキの穂」「もくもくした雲」。言葉にすることで、事実のコピーではなく模様の核だけが残り、頭の中でイメージがふくらんでからアイデアスケッチに入ります。当店で取り扱う「BIRD GARDEN」も、夜の森の方から鳥の声が聴こえてきたことがきっかけでした。実や葉っぱは、すべて想像の中で描き加えたものです。「キツネの小道」はキタキツネの足跡を見つけたことから生まれました。目で見た事実を出発点にしながら、そこに記憶と感情を重ねて模様を育てていく。「貝殻を集めた記憶がうれしい」「切手をたくさん貼った荷物を送ってくれた人は、その光景を私に見せたかったのかもしれない——そう考えると嬉しくなって、模様につながるんです」という言葉が、そのプロセスをよく表しています。物よりも、物にまつわる記憶や感情が、岡さんの模様の種になっています。 誰かの生活の素材になるために 画材は固定しません。素朴さと力強さを出したいときはクレヨン、透明感が欲しいときは水彩、輪郭をくっきりさせたいときは切り絵。描きたい模様の性質が画材を選びます。オリジナルの模様は年に1〜2点を目標にしていて、「模様の種類が増えることが大事。お客さまの選択肢が増えるから」と語っています。「1枚絵のような作品的なものではなく、リピートして量産できるものを熱望した」という言葉が、岡さんの一貫した姿勢を示しています。家の中は人工的な空間だからこそ、そこに外のものを持ち込む感覚で模様をつくりたい。誰かの暮らしの素材になってはじめて、模様は役割を果たす——そういう考え方が、点と線模様製作所の根底にあります。 わたしがはじめて岡さんと出会ったのは2012年のことです。 あれから10年以上が経ちますが、岡さんの模様に対する姿勢は、当時から少しも揺らいでいません。 岡さん愛用の画材 岡さんの作品はこちら
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作家の深堀コラム｜渡邊謙一郎という人
スタンダードトレード 横浜山手ショップの外観 「当たり前を、当たり前にやり切る」 株式会社スタンダードトレードの代表 渡邊謙一郎さんを一言で表すなら、この言葉が最も近いかもしれません。ただし、その「当たり前」の基準が、相当高い。 ナラ材と伝統的な指物技術を軸に家具と空間をつくり、歴史的な家具の修理・修復・復元にも向き合い、言葉でも伝える。多岐にわたる活動の底に、一本の太い芯が通っています。 線が少ないのに、空気が残る a good view にご提供いただいた4点の手描き作品は、家具の「かたち」以上のものを伝えています。椅子の脚の接地、床のライン、余白の取り方。説明的な線は少ないのに、見ている側に「ここに座る」「ここを通る」という感覚が自然と浮かんでくる。おそらくこれは、絵の巧さというより、現場の見方から来るものです。寸法、納まり、手触り、道具の動線——作る前に考え抜く人の目線が、そのまま線になっている。これらはすべて渡邊さん自身が設計したものの手描きとのことで、絵が「設計の延長」に見えるのも、そう考えると自然なことです。 定番は、逃げない設計 STANDARD TRADE.は1998年設立。日本の伝統的な指物技術を用い、シンプルで長く使える家具と空間を手がけること、そして「良質な家具を一般住宅に」という姿勢を一貫して掲げています。 「定番」というと、守りの姿勢に見えることがあります。けれど渡邊さんの定番は、守るためでなく、責任を持つためにあるように思えます。長く使われ、直され、また使われる。そこまでを前提として初めて、設計は本当の意味で「逃げない」ものになる。 直す経験が、作る精度を上げる 渡邊さんは、フランク・ロイド・ライト設計の旧帝国ホテルや自由学園明日館の家具修復、小泉八雲が愛用した机と椅子の復元など、歴史的に重要な家具の修理・修復・復元にも携わっています。 修復や復元の仕事は、当時の合理性、素材のクセ、壊れ方の理由まで含めて学ぶことになります。作る側の想像力が「時間」まで広がる経験です。渡邊さんの作品や絵が余白の中に時間を感じさせるのは、そうした経験と無縁ではないでしょう。 こうした姿勢は、プライベートにも顔を出します。渡邊さんはボルボ240エステートや初代レンジローバーといった旧車を、手をかけながら大切に乗り続けています。壊れたから新しいものに替えるのではなく、時間をかけて関係を深めていく。家具への向き合い方と、どこか重なりますね。 渡邊さんの愛車 VOLVO240 エステート 語れる職人は、技術を未来に渡せる 渡邊さんはYouTube番組「家具とか建築とか」に出演されたり、神奈川大学建築学部の非常勤講師として教育にも携わっていますが、その講義の質は客観的な評価としても示されています。優れた講義を行った教員を表彰する賞が創設され、約8,000講義の中から選ばれた12講義のひとつとして、見事受賞されました。作れるだけでなく、語れる。その力が、こうした形で認められているのです。 企業へのアドバイザリーも行うなど、現場の外へも積極的に関わっています。作れるだけでは、技術は属人化しがちです。語れる人は、共有できる。現場の人間が自分の仕事を言語化できることは、技術を未来へ渡すうえで、想像以上に大きな力を持ちます。...
作家の深堀コラム｜渡邊謙一郎という人
スタンダードトレード 横浜山手ショップの外観 「当たり前を、当たり前にやり切る」 株式会社スタンダードトレードの代表 渡邊謙一郎さんを一言で表すなら、この言葉が最も近いかもしれません。ただし、その「当たり前」の基準が、相当高い。 ナラ材と伝統的な指物技術を軸に家具と空間をつくり、歴史的な家具の修理・修復・復元にも向き合い、言葉でも伝える。多岐にわたる活動の底に、一本の太い芯が通っています。 線が少ないのに、空気が残る a good view にご提供いただいた4点の手描き作品は、家具の「かたち」以上のものを伝えています。椅子の脚の接地、床のライン、余白の取り方。説明的な線は少ないのに、見ている側に「ここに座る」「ここを通る」という感覚が自然と浮かんでくる。おそらくこれは、絵の巧さというより、現場の見方から来るものです。寸法、納まり、手触り、道具の動線——作る前に考え抜く人の目線が、そのまま線になっている。これらはすべて渡邊さん自身が設計したものの手描きとのことで、絵が「設計の延長」に見えるのも、そう考えると自然なことです。 定番は、逃げない設計 STANDARD TRADE.は1998年設立。日本の伝統的な指物技術を用い、シンプルで長く使える家具と空間を手がけること、そして「良質な家具を一般住宅に」という姿勢を一貫して掲げています。 「定番」というと、守りの姿勢に見えることがあります。けれど渡邊さんの定番は、守るためでなく、責任を持つためにあるように思えます。長く使われ、直され、また使われる。そこまでを前提として初めて、設計は本当の意味で「逃げない」ものになる。 直す経験が、作る精度を上げる 渡邊さんは、フランク・ロイド・ライト設計の旧帝国ホテルや自由学園明日館の家具修復、小泉八雲が愛用した机と椅子の復元など、歴史的に重要な家具の修理・修復・復元にも携わっています。 修復や復元の仕事は、当時の合理性、素材のクセ、壊れ方の理由まで含めて学ぶことになります。作る側の想像力が「時間」まで広がる経験です。渡邊さんの作品や絵が余白の中に時間を感じさせるのは、そうした経験と無縁ではないでしょう。 こうした姿勢は、プライベートにも顔を出します。渡邊さんはボルボ240エステートや初代レンジローバーといった旧車を、手をかけながら大切に乗り続けています。壊れたから新しいものに替えるのではなく、時間をかけて関係を深めていく。家具への向き合い方と、どこか重なりますね。 渡邊さんの愛車 VOLVO240 エステート 語れる職人は、技術を未来に渡せる 渡邊さんはYouTube番組「家具とか建築とか」に出演されたり、神奈川大学建築学部の非常勤講師として教育にも携わっていますが、その講義の質は客観的な評価としても示されています。優れた講義を行った教員を表彰する賞が創設され、約8,000講義の中から選ばれた12講義のひとつとして、見事受賞されました。作れるだけでなく、語れる。その力が、こうした形で認められているのです。 企業へのアドバイザリーも行うなど、現場の外へも積極的に関わっています。作れるだけでは、技術は属人化しがちです。語れる人は、共有できる。現場の人間が自分の仕事を言語化できることは、技術を未来へ渡すうえで、想像以上に大きな力を持ちます。...
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文字が「見るもの」に変わる｜タイポグラフィアート
文字には、意味がある。けれど、それだけじゃない。 形がある。重さがある。間がある。 その全部を使って、空気や感情まで伝えようとする表現が、タイポグラフィアートです。 「LOVE」という4文字を思い浮かべてください。 読めば、意味はわかります。でも、文字が細ければ、どこか頼りなくてせつない。太く大きく置かれれば、叫んでいるように見える。余白をたっぷりとれば、静かに、遠くから語りかけてくる。 言葉は同じなのに、見た目が変わると、温度が変わる。 タイポグラフィアートの面白さは、そこにあります。 「タイポグラフィ」と何が違うの？ タイポグラフィは本来、文字を選び、組み、読みやすく美しく届けるための「設計」の考え方です。 その延長線上に、情報を伝えることより、文字そのものを主役にして成立させる領域があります。そこがタイポグラフィアートの入口です。はっきりした境界線があるというより、デザインからアートまで続く、なだらかなグラデーションとして捉えるのが自然です。 文字だけで、なぜ"絵"になるのか 理由はシンプルです。文字はもともと、形だから。 AもBも、よく見れば曲線と直線の組み合わせです。そこに配置の工夫が加わると、画面は急に表情を持ちます。 文字が密集すると、熱量が出る。 余白が広いと、静けさが生まれる。 斜めに流れると、スピード感が出る。 角ばった書体は緊張を運び、丸い書体は親しみを連れてくる。 話し方が印象を左右するように、タイポグラフィは言葉の「語り口」を、見た目で作っています。 文字が、ほかの素材と出会うとき タイポグラフィアートは、文字だけで画面を組む表現にとどまりません。 紙片のコラージュ、写真の断片、手描きのドローイング、刷りの質感——そうしたものと交わることで、言葉は「読むもの」から「触れられそうなもの」へと変わっていきます。文字が表現の核にある限り、それはタイポグラフィアートです。 見え方が変わる、3つの視点 書体は「声」 同じ言葉でも、書体が違うと人格が変わります。落ち着いた声、力強い声、距離の近い声。書体を「声」として感じ取ることが、最初の入口です。 余白は「間」 空白は、空きではありません。言葉が響くための通り道です。余白が広いほど、言葉はゆっくり、深く届きます。 リズムは「感情のテンポ」 大きい文字は強調、小さい文字はささやき。整列は安定、崩しは揺らぎ。文字の並びのテンポが、そのまま読む人の感情のテンポになります。 身近なところにある...
文字が「見るもの」に変わる｜タイポグラフィアート
文字には、意味がある。けれど、それだけじゃない。 形がある。重さがある。間がある。 その全部を使って、空気や感情まで伝えようとする表現が、タイポグラフィアートです。 「LOVE」という4文字を思い浮かべてください。 読めば、意味はわかります。でも、文字が細ければ、どこか頼りなくてせつない。太く大きく置かれれば、叫んでいるように見える。余白をたっぷりとれば、静かに、遠くから語りかけてくる。 言葉は同じなのに、見た目が変わると、温度が変わる。 タイポグラフィアートの面白さは、そこにあります。 「タイポグラフィ」と何が違うの？ タイポグラフィは本来、文字を選び、組み、読みやすく美しく届けるための「設計」の考え方です。 その延長線上に、情報を伝えることより、文字そのものを主役にして成立させる領域があります。そこがタイポグラフィアートの入口です。はっきりした境界線があるというより、デザインからアートまで続く、なだらかなグラデーションとして捉えるのが自然です。 文字だけで、なぜ"絵"になるのか 理由はシンプルです。文字はもともと、形だから。 AもBも、よく見れば曲線と直線の組み合わせです。そこに配置の工夫が加わると、画面は急に表情を持ちます。 文字が密集すると、熱量が出る。 余白が広いと、静けさが生まれる。 斜めに流れると、スピード感が出る。 角ばった書体は緊張を運び、丸い書体は親しみを連れてくる。 話し方が印象を左右するように、タイポグラフィは言葉の「語り口」を、見た目で作っています。 文字が、ほかの素材と出会うとき タイポグラフィアートは、文字だけで画面を組む表現にとどまりません。 紙片のコラージュ、写真の断片、手描きのドローイング、刷りの質感——そうしたものと交わることで、言葉は「読むもの」から「触れられそうなもの」へと変わっていきます。文字が表現の核にある限り、それはタイポグラフィアートです。 見え方が変わる、3つの視点 書体は「声」 同じ言葉でも、書体が違うと人格が変わります。落ち着いた声、力強い声、距離の近い声。書体を「声」として感じ取ることが、最初の入口です。 余白は「間」 空白は、空きではありません。言葉が響くための通り道です。余白が広いほど、言葉はゆっくり、深く届きます。 リズムは「感情のテンポ」 大きい文字は強調、小さい文字はささやき。整列は安定、崩しは揺らぎ。文字の並びのテンポが、そのまま読む人の感情のテンポになります。 身近なところにある...
