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カメ フレーム50＋額装マット付き
通常価格 ¥17,600通常価格単価 あたり -
カメ フレームセット
通常価格 ¥6,160～通常価格単価 あたり -
カモシカ フレーム50＋額装マット付き
通常価格 ¥17,600通常価格単価 あたり -
カモシカ フレームセット
通常価格 ¥6,160～通常価格単価 あたり -
タヌキ フレーム50＋額装マット付き
通常価格 ¥17,600通常価格単価 あたり -
タヌキ フレームセット
通常価格 ¥6,160～通常価格単価 あたり -
フクロウ フレーム50＋額装マット付き
通常価格 ¥17,600通常価格単価 あたり -
フクロウ フレームセット
通常価格 ¥6,160～通常価格単価 あたり
Our Artists
当店に作品をご提供くださっている作家の皆さまをご紹介するページです。画家、イラストレーター、テキスタイルデザイナーなど、従来のカテゴリーにとらわれることなく、アートとデザインの境界を自由に行き来する、国内外の多彩な作家陣が参加しています。
News & Column
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連載：印刷技術の発展がアートに与えたインパクト #1
画像はAIによるイメージです 印刷技術の発展は、アートの在り方を大きく変えてきました。中世ヨーロッパの宗教画から江戸の浮世絵、近代ポスター、そして現代のデジタル印刷やNFTまで。アートは“限られた人のもの”から“誰もが手にできるもの”へと広がり、その価値や楽しみ方も多様化しました。本連載では、印刷とアートの関係を三つの時代に分けてたどります。 第1部：印刷の誕生とアートの大衆化 アートは長い間、王侯貴族や宗教組織といった限られた人々の所有物でした。一点ものの絵画や彫刻は制作に膨大な時間と費用がかかり、飾られる場も教会や城館に限られていたからです。庶民にとって「アートを持つ」という発想自体が存在しなかった時代に、その常識を変えたのが「印刷」でした。 15世紀半ば、ヨハネス・グーテンベルクが活版印刷（取り外し可能な金属活字を組み、圧力で紙に転写する方式）の普及と並行して、書物の挿絵や宗教版画など木版・銅版によるイメージ印刷も一気に広がります。宗教的な物語や寓意（象徴的な意味や例え話）は、文字を読めない人にも絵を通して伝わるようになりました。写本や一点物に閉じていたイメージが、社会全体に広がり始めたのです。宗教改革やルネサンスの思想がヨーロッパ各地へ拡散した背景にも、この「複製可能なイメージ」の力がありました。 日本でも木版印刷は早くから根づき、奈良時代の百万塔陀羅尼（仏教経典を印刷した現存最古級の印刷物）にまで遡れます。江戸時代に入ると技術は飛躍し、錦絵（多色刷り木版画。色ごとに版を分けて重ね刷りする）として庶民文化の中心に躍り出ます。葛飾北斎の『冨嶽三十六景』や喜多川歌麿の美人画は、鮮やかな色彩と流麗な線で人々を魅了し、価格も比較的手頃でした。町人や職人の家に貼られた浮世絵は、現代のポスターや雑誌に近い存在であり、娯楽や流行の媒介でもあったのです。 ここで重要なのは、印刷がもたらした所有の民主化（一部の人しか持てなかったアートを、多くの人が手にできるようにしたこと）です。都市化や商業の発展とも重なり、絵は市場で流通する商品となりました。版元（現在の出版社に近い存在）が企画を担い、彫師・摺師との分業体制が確立したことで、品質が安定し供給も拡大します。 もちろん「複製はオリジナルの価値を損なうのではないか」という議論も当時からありました。しかし現実には、オリジナルの一点物は象徴的な存在として尊ばれ、複製は文化を広げる媒体として機能するという二重の構造が生まれました。この枠組みは現代まで続き、ポスターやアートプリントの市場に受け継がれています。 印刷は単なる技術革新ではなく、人々の鑑賞体験そのものを変えました。「見るもの」から「持てるもの」へ。この価値観の転換こそが、後に続く近代ポスター文化やグラフィックアート、そして現代のインテリアアートにつながる出発点となったのです。 第2部に続く
連載：印刷技術の発展がアートに与えたインパクト #1
画像はAIによるイメージです 印刷技術の発展は、アートの在り方を大きく変えてきました。中世ヨーロッパの宗教画から江戸の浮世絵、近代ポスター、そして現代のデジタル印刷やNFTまで。アートは“限られた人のもの”から“誰もが手にできるもの”へと広がり、その価値や楽しみ方も多様化しました。本連載では、印刷とアートの関係を三つの時代に分けてたどります。 第1部：印刷の誕生とアートの大衆化 アートは長い間、王侯貴族や宗教組織といった限られた人々の所有物でした。一点ものの絵画や彫刻は制作に膨大な時間と費用がかかり、飾られる場も教会や城館に限られていたからです。庶民にとって「アートを持つ」という発想自体が存在しなかった時代に、その常識を変えたのが「印刷」でした。 15世紀半ば、ヨハネス・グーテンベルクが活版印刷（取り外し可能な金属活字を組み、圧力で紙に転写する方式）の普及と並行して、書物の挿絵や宗教版画など木版・銅版によるイメージ印刷も一気に広がります。宗教的な物語や寓意（象徴的な意味や例え話）は、文字を読めない人にも絵を通して伝わるようになりました。写本や一点物に閉じていたイメージが、社会全体に広がり始めたのです。宗教改革やルネサンスの思想がヨーロッパ各地へ拡散した背景にも、この「複製可能なイメージ」の力がありました。 日本でも木版印刷は早くから根づき、奈良時代の百万塔陀羅尼（仏教経典を印刷した現存最古級の印刷物）にまで遡れます。江戸時代に入ると技術は飛躍し、錦絵（多色刷り木版画。色ごとに版を分けて重ね刷りする）として庶民文化の中心に躍り出ます。葛飾北斎の『冨嶽三十六景』や喜多川歌麿の美人画は、鮮やかな色彩と流麗な線で人々を魅了し、価格も比較的手頃でした。町人や職人の家に貼られた浮世絵は、現代のポスターや雑誌に近い存在であり、娯楽や流行の媒介でもあったのです。 ここで重要なのは、印刷がもたらした所有の民主化（一部の人しか持てなかったアートを、多くの人が手にできるようにしたこと）です。都市化や商業の発展とも重なり、絵は市場で流通する商品となりました。版元（現在の出版社に近い存在）が企画を担い、彫師・摺師との分業体制が確立したことで、品質が安定し供給も拡大します。 もちろん「複製はオリジナルの価値を損なうのではないか」という議論も当時からありました。しかし現実には、オリジナルの一点物は象徴的な存在として尊ばれ、複製は文化を広げる媒体として機能するという二重の構造が生まれました。この枠組みは現代まで続き、ポスターやアートプリントの市場に受け継がれています。 印刷は単なる技術革新ではなく、人々の鑑賞体験そのものを変えました。「見るもの」から「持てるもの」へ。この価値観の転換こそが、後に続く近代ポスター文化やグラフィックアート、そして現代のインテリアアートにつながる出発点となったのです。 第2部に続く
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アートがもたらす癒しと安らぎについて
画像は社会福祉法人おぶすまメンバーの制作風景 アートは、ただ美しいだけの存在ではありません。心を落ち着かせたり、日々のストレスを和らげたりする力を持っています。ここでは研究や事例をもとに、アートがもたらす癒しの効果を科学的な視点から見ていきましょう。 ストレスを和らげる 絵を眺めたり描いたりすると、ストレスホルモンのコルチゾールが低下することが報告されています。短時間の創作体験でも効果が認められており、好きな色を塗るだけで気持ちが落ち着いたり、美術館に足を運ぶと頭の中が整理されたように感じられるのもその一例です。日常にアートを少し取り入れるだけで、呼吸が深まり、気持ちが軽くなる瞬間が増えていくでしょう。 感情の表現と解放 アートは、言葉では伝えきれない感情を自由に表す手段です。心理療法で行われるアートセラピーでは、絵や造形を通して気持ちを形にすることで心の負担が軽くなり、安定につながるとされています。日常でも、落ち込んだときに無意識に線を描いたり、音楽を聴きながら色を重ねたりすることが、自分の気持ちを整理する助けになるでしょう。小児病棟での研究では、創作体験の後に気分が改善したという報告もあり、アートが安心感や自己肯定感を支える場面が実際に確認されています。 リラクゼーションの促進 病院やクリニックでアートや自然の風景が取り入れられているのには理由があります。自然を眺められる病室の患者は、壁しか見えない病室と比べて入院期間が短く、鎮痛薬の使用も少なかった──そんな研究結果が広く知られています。イギリスのグレート・オーモンド・ストリート病院（GOSH）の「GOSH Arts」や、アメリカのモフィットがんセンター、ネブラスカ・メディスンの「Healing Arts」では、院内展示や参加型プログラムを通じて、不安や痛みをやわらげる活動が続けられています。家庭でも同じで、リビングや寝室にお気に入りの作品を飾るだけで、空間がやさしく整い、自然と心が休まる場所に変わっていきます。 脳の活性化 作品を鑑賞すると、脳の報酬系が刺激され、前向きな気分が引き出されることが知られています。神経美学の研究でも、芸術体験が脳の働きと深く結びついていることが示されています。イギリスのテート・モダンでは、ウェルビーイングをテーマにしたワークショップやイベントを継続的に実施し、来館者にマインドフルな鑑賞やコミュニティ参加を促してきました。ストックホルムの地下鉄は「世界一長い美術館」と呼ばれ、通勤そのものを豊かな体験に変えています。 福祉と社会をアートでつなぐ 医療や福祉とアート・デザインの関わりは以前から研究や実践が続けられてきましたが、近年は国際的な議論の場でも改めて注目されています。2025年2月18・19日にデンマークのユラン半島バイレ市で開かれた「Matsumae Business 2025」シンポジウムでは、日本大使館とバイレ市の共催のもと、「ウェルフェアテクノロジーと孤独／孤立問題」に焦点を当てたプログラムが行われました。 この場で、医療福祉分野でも広く活躍しているテキスタイル&インテリアデザイナーの河東梨香さんが講演を行い、「医療福祉におけるデザインとアートの役割」について語られています。その中で a good view との取り組みにも触れられました。 埼玉県飯能市の社会福祉法人おぶすま福祉会は2013年に木製品ブランド「OBUSUMA（おぶすま）」を立ち上げ、更に昨年からは、障がいのある人たちの新しい自己表現の場をつくり、才能の発掘や育成を目指してアート活動を続けています。 河東さんはこれらのアートディレクションを担い、その中で地域の子どもたち向けのアートワークショップを行ったり、今年度、飯能市が市で生まれた赤ちゃんにプレゼントするOBUSUMA製積み木のリーフレットを利用者さんのアートや文字を使いデザインしています。 ...
アートがもたらす癒しと安らぎについて
画像は社会福祉法人おぶすまメンバーの制作風景 アートは、ただ美しいだけの存在ではありません。心を落ち着かせたり、日々のストレスを和らげたりする力を持っています。ここでは研究や事例をもとに、アートがもたらす癒しの効果を科学的な視点から見ていきましょう。 ストレスを和らげる 絵を眺めたり描いたりすると、ストレスホルモンのコルチゾールが低下することが報告されています。短時間の創作体験でも効果が認められており、好きな色を塗るだけで気持ちが落ち着いたり、美術館に足を運ぶと頭の中が整理されたように感じられるのもその一例です。日常にアートを少し取り入れるだけで、呼吸が深まり、気持ちが軽くなる瞬間が増えていくでしょう。 感情の表現と解放 アートは、言葉では伝えきれない感情を自由に表す手段です。心理療法で行われるアートセラピーでは、絵や造形を通して気持ちを形にすることで心の負担が軽くなり、安定につながるとされています。日常でも、落ち込んだときに無意識に線を描いたり、音楽を聴きながら色を重ねたりすることが、自分の気持ちを整理する助けになるでしょう。小児病棟での研究では、創作体験の後に気分が改善したという報告もあり、アートが安心感や自己肯定感を支える場面が実際に確認されています。 リラクゼーションの促進 病院やクリニックでアートや自然の風景が取り入れられているのには理由があります。自然を眺められる病室の患者は、壁しか見えない病室と比べて入院期間が短く、鎮痛薬の使用も少なかった──そんな研究結果が広く知られています。イギリスのグレート・オーモンド・ストリート病院（GOSH）の「GOSH Arts」や、アメリカのモフィットがんセンター、ネブラスカ・メディスンの「Healing Arts」では、院内展示や参加型プログラムを通じて、不安や痛みをやわらげる活動が続けられています。家庭でも同じで、リビングや寝室にお気に入りの作品を飾るだけで、空間がやさしく整い、自然と心が休まる場所に変わっていきます。 脳の活性化 作品を鑑賞すると、脳の報酬系が刺激され、前向きな気分が引き出されることが知られています。神経美学の研究でも、芸術体験が脳の働きと深く結びついていることが示されています。イギリスのテート・モダンでは、ウェルビーイングをテーマにしたワークショップやイベントを継続的に実施し、来館者にマインドフルな鑑賞やコミュニティ参加を促してきました。ストックホルムの地下鉄は「世界一長い美術館」と呼ばれ、通勤そのものを豊かな体験に変えています。 福祉と社会をアートでつなぐ 医療や福祉とアート・デザインの関わりは以前から研究や実践が続けられてきましたが、近年は国際的な議論の場でも改めて注目されています。2025年2月18・19日にデンマークのユラン半島バイレ市で開かれた「Matsumae Business 2025」シンポジウムでは、日本大使館とバイレ市の共催のもと、「ウェルフェアテクノロジーと孤独／孤立問題」に焦点を当てたプログラムが行われました。 この場で、医療福祉分野でも広く活躍しているテキスタイル&インテリアデザイナーの河東梨香さんが講演を行い、「医療福祉におけるデザインとアートの役割」について語られています。その中で a good view との取り組みにも触れられました。 埼玉県飯能市の社会福祉法人おぶすま福祉会は2013年に木製品ブランド「OBUSUMA（おぶすま）」を立ち上げ、更に昨年からは、障がいのある人たちの新しい自己表現の場をつくり、才能の発掘や育成を目指してアート活動を続けています。 河東さんはこれらのアートディレクションを担い、その中で地域の子どもたち向けのアートワークショップを行ったり、今年度、飯能市が市で生まれた赤ちゃんにプレゼントするOBUSUMA製積み木のリーフレットを利用者さんのアートや文字を使いデザインしています。 ...
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部屋を彩るインテリアのアクセント
部屋の雰囲気は、壁や床、家具といった大きな要素だけで決まるわけではありません。そこに“ひとさじ”の彩りや質感を加えるだけで、空間はぐっと豊かに変わります。この役割を果たすのが「インテリアのアクセント」です。 アクセントとは、色や形、素材感で視線を引き、単調になりがちな空間にリズムや変化を与える存在です。クッションやラグ、照明、観葉植物、オブジェなど、決して大きくないアイテムでも、その効果を想像以上に感じることがあります。ひとつ加えるだけで部屋にテーマ性が生まれ、印象が引き締まります。 今回は、そんな「インテリアのアクセント」の役割や効果、選び方のヒントに加え、身近に取り入れやすいアートポスターの活用法について掘り下げてみます。 アクセントがもたらす効果 視線の焦点をつくる部屋全体を見渡したとき、自然と目が止まるポイントがあると、空間が整理されて見えやすくなります。たとえば、白い壁に飾ったアートや、ソファに置いた鮮やかなクッションがひとつあるだけで、そこが部屋の“見せ場”になります。視線の流れが整うことで、多くの人が安心感を覚え、過ごしやすさが増すと考えられます。 季節感や雰囲気を変える春は淡い色、夏は涼しげなブルー、秋は深みのあるブラウンやオレンジ、冬は温かみのあるレッドやゴールドなど、色や素材で四季を表現できます。季節の移ろいを取り入れることで、暮らしにリズムや豊かさが加わります。 余談ですが、海外の家庭に比べると日本の住宅は白や木目など控えめな色が多い傾向があります。都市部の住まいが比較的コンパクトで「明るく広く見せたい」という意識が強いことに加え、畳や障子、漆喰壁といった淡い色調を基調とした伝統的な住まいの影響も背景にあると考えられます。そのため、アクセントカラーや小物を取り入れたときの変化が際立ちやすいのも、日本の住空間ならではの特徴と言えるでしょう。 奥行きや広がりを出す視線の流れを工夫することで、空間に奥行きが生まれます。たとえば縦長のアートは天井を高く、横長のラグは部屋を広く見せる効果があります。正方形のアートは縦横どちらかに強調がなく、安定感を与えやすい形です。特に複数を並べるとリズム感が生まれ、壁面に整然とした印象を与えます。 心理的効果を高めるアクセントには感情や行動に作用する可能性も指摘されています。グリーンや木目調のアイテムは安心感をもたらし、ブルーは集中を助け、赤やオレンジは会話を弾ませる傾向があるといわれます。ただし効果には個人差があるため、あくまで目安と考えるとよいでしょう。 アクセントを選ぶときのポイント ベースカラーとの調和床・壁・家具などのベースカラーと馴染む色を選ぶと、アクセントが自然に溶け込む傾向があります。反対色を使う場合は、面積や彩度を抑えてポイント的に配置すると上品にまとまりやすいとされます。 主役は絞るアクセントアイテムをあれこれ置くと、視線が散って落ち着かない印象になりがちです。部屋ごとに主役を1〜2点に絞ると、統一感が生まれます。アートを複数並べる場合も、サイズやフレームを揃えて“ひとまとまり”に見せれば、一つの主役として空間にリズムを与えることができます。 サイズと素材感小さすぎると存在感がなく、大きすぎると圧迫感を与えることがあります。部屋の広さや家具とのバランスを見てサイズを選び、質感も空間の雰囲気に合わせると完成度が高まります。金属やガラスの素材は都会的でシャープに、布や木は柔らかく温かい印象を与えます。 部屋別・アクセントの実例 リビング家族や来客が集まる空間は、視線を集める“主役”を一つ決めると印象がぐっと高まる傾向があります。ソファの上に鮮やかなクッションを置き、背面の壁にアートポスターを一枚飾ると、空間に華やぎとまとまりを感じやすくなります。観葉植物を添えることで、さらに奥行きとリラックス感が加わります。 寝室落ち着きが求められる寝室は、淡い色合いのアクセントが向いているといわれます。ベッドサイドの照明を温かみのあるトーンに変え、柔らかな布地のクッションやブランケットを足元に。壁に小さめの正方形アートを並べると、規則的なリズムが生まれ、安心感を与えやすくなります 玄関住まいの第一印象を決める玄関は、アクセントを置くのに適した場所です。シューズボックスの上に小さな花瓶を置き、壁にアートポスターを一枚加えると、おもてなしの雰囲気を演出しやすくなります。狭い空間だからこそ、アクセントが効果的に映えるケースが多いのでしょう。 アートポスターという選択肢 数あるアクセントアイテムの中でも、特に取り入れやすく効果が期待できるのがアートポスターです。ポスターは壁面に“見せ場”をつくり、色彩や構図、モチーフによって空間の雰囲気を自在に変えることができます。 手軽に模様替えできるフレームサイズを統一しておけば、中身を差し替えるだけで季節や気分に合わせた演出が可能になります。数枚を入れ替えるだけでも、模様替えをしたような新鮮さを感じることでしょう。 複数枚の配置でリズムを生む一枚で主役をつくるだけでなく、大小のポスターを組み合わせたり、等間隔に並べることで、壁面にリズムや物語性を持たせやすくなります。 照明で印象が変わるスポットライトや間接照明で照らすと、色や質感が引き立ち、作品の印象が変わるとされています。リビングなら柔らかい光でくつろぎを、ワークスペースなら明るくシャープに、と光の当て方でも演出が変わります。 コストを抑えつつ表現の幅が広がる原画に比べて手頃な価格ながら、部屋の完成度を高める効果が期待できます。さらに、好みや気分で気軽に差し替えられるため、暮らしに“動き”を取り込む手段として適しています。 インテリアのアクセントは「小さな存在で大きな変化を生む」といわれます。その中でもアートポスターは、手軽さと表現力を兼ね備え、日常に取り入れやすい選択肢。単に飾るだけでなく、視線・色彩・心理的効果を意識すれば、暮らしの質はぐっと高まるはず。 リビング、寝室、玄関といった身近な空間に一枚添えるだけでも、生活はより豊かで心地よいものになるでしょう。ぜひ日々の生活に、ひとつのアクセントを加える楽しみを見つけてみてください。 ...
部屋を彩るインテリアのアクセント
部屋の雰囲気は、壁や床、家具といった大きな要素だけで決まるわけではありません。そこに“ひとさじ”の彩りや質感を加えるだけで、空間はぐっと豊かに変わります。この役割を果たすのが「インテリアのアクセント」です。 アクセントとは、色や形、素材感で視線を引き、単調になりがちな空間にリズムや変化を与える存在です。クッションやラグ、照明、観葉植物、オブジェなど、決して大きくないアイテムでも、その効果を想像以上に感じることがあります。ひとつ加えるだけで部屋にテーマ性が生まれ、印象が引き締まります。 今回は、そんな「インテリアのアクセント」の役割や効果、選び方のヒントに加え、身近に取り入れやすいアートポスターの活用法について掘り下げてみます。 アクセントがもたらす効果 視線の焦点をつくる部屋全体を見渡したとき、自然と目が止まるポイントがあると、空間が整理されて見えやすくなります。たとえば、白い壁に飾ったアートや、ソファに置いた鮮やかなクッションがひとつあるだけで、そこが部屋の“見せ場”になります。視線の流れが整うことで、多くの人が安心感を覚え、過ごしやすさが増すと考えられます。 季節感や雰囲気を変える春は淡い色、夏は涼しげなブルー、秋は深みのあるブラウンやオレンジ、冬は温かみのあるレッドやゴールドなど、色や素材で四季を表現できます。季節の移ろいを取り入れることで、暮らしにリズムや豊かさが加わります。 余談ですが、海外の家庭に比べると日本の住宅は白や木目など控えめな色が多い傾向があります。都市部の住まいが比較的コンパクトで「明るく広く見せたい」という意識が強いことに加え、畳や障子、漆喰壁といった淡い色調を基調とした伝統的な住まいの影響も背景にあると考えられます。そのため、アクセントカラーや小物を取り入れたときの変化が際立ちやすいのも、日本の住空間ならではの特徴と言えるでしょう。 奥行きや広がりを出す視線の流れを工夫することで、空間に奥行きが生まれます。たとえば縦長のアートは天井を高く、横長のラグは部屋を広く見せる効果があります。正方形のアートは縦横どちらかに強調がなく、安定感を与えやすい形です。特に複数を並べるとリズム感が生まれ、壁面に整然とした印象を与えます。 心理的効果を高めるアクセントには感情や行動に作用する可能性も指摘されています。グリーンや木目調のアイテムは安心感をもたらし、ブルーは集中を助け、赤やオレンジは会話を弾ませる傾向があるといわれます。ただし効果には個人差があるため、あくまで目安と考えるとよいでしょう。 アクセントを選ぶときのポイント ベースカラーとの調和床・壁・家具などのベースカラーと馴染む色を選ぶと、アクセントが自然に溶け込む傾向があります。反対色を使う場合は、面積や彩度を抑えてポイント的に配置すると上品にまとまりやすいとされます。 主役は絞るアクセントアイテムをあれこれ置くと、視線が散って落ち着かない印象になりがちです。部屋ごとに主役を1〜2点に絞ると、統一感が生まれます。アートを複数並べる場合も、サイズやフレームを揃えて“ひとまとまり”に見せれば、一つの主役として空間にリズムを与えることができます。 サイズと素材感小さすぎると存在感がなく、大きすぎると圧迫感を与えることがあります。部屋の広さや家具とのバランスを見てサイズを選び、質感も空間の雰囲気に合わせると完成度が高まります。金属やガラスの素材は都会的でシャープに、布や木は柔らかく温かい印象を与えます。 部屋別・アクセントの実例 リビング家族や来客が集まる空間は、視線を集める“主役”を一つ決めると印象がぐっと高まる傾向があります。ソファの上に鮮やかなクッションを置き、背面の壁にアートポスターを一枚飾ると、空間に華やぎとまとまりを感じやすくなります。観葉植物を添えることで、さらに奥行きとリラックス感が加わります。 寝室落ち着きが求められる寝室は、淡い色合いのアクセントが向いているといわれます。ベッドサイドの照明を温かみのあるトーンに変え、柔らかな布地のクッションやブランケットを足元に。壁に小さめの正方形アートを並べると、規則的なリズムが生まれ、安心感を与えやすくなります 玄関住まいの第一印象を決める玄関は、アクセントを置くのに適した場所です。シューズボックスの上に小さな花瓶を置き、壁にアートポスターを一枚加えると、おもてなしの雰囲気を演出しやすくなります。狭い空間だからこそ、アクセントが効果的に映えるケースが多いのでしょう。 アートポスターという選択肢 数あるアクセントアイテムの中でも、特に取り入れやすく効果が期待できるのがアートポスターです。ポスターは壁面に“見せ場”をつくり、色彩や構図、モチーフによって空間の雰囲気を自在に変えることができます。 手軽に模様替えできるフレームサイズを統一しておけば、中身を差し替えるだけで季節や気分に合わせた演出が可能になります。数枚を入れ替えるだけでも、模様替えをしたような新鮮さを感じることでしょう。 複数枚の配置でリズムを生む一枚で主役をつくるだけでなく、大小のポスターを組み合わせたり、等間隔に並べることで、壁面にリズムや物語性を持たせやすくなります。 照明で印象が変わるスポットライトや間接照明で照らすと、色や質感が引き立ち、作品の印象が変わるとされています。リビングなら柔らかい光でくつろぎを、ワークスペースなら明るくシャープに、と光の当て方でも演出が変わります。 コストを抑えつつ表現の幅が広がる原画に比べて手頃な価格ながら、部屋の完成度を高める効果が期待できます。さらに、好みや気分で気軽に差し替えられるため、暮らしに“動き”を取り込む手段として適しています。 インテリアのアクセントは「小さな存在で大きな変化を生む」といわれます。その中でもアートポスターは、手軽さと表現力を兼ね備え、日常に取り入れやすい選択肢。単に飾るだけでなく、視線・色彩・心理的効果を意識すれば、暮らしの質はぐっと高まるはず。 リビング、寝室、玄関といった身近な空間に一枚添えるだけでも、生活はより豊かで心地よいものになるでしょう。ぜひ日々の生活に、ひとつのアクセントを加える楽しみを見つけてみてください。 ...
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【終了】甲府市のウフ フェリア店さまで、a good view のポップアップイベントが開催中
甲府市郊外に佇む雑貨店 「ウフ フェリア店」さまで、a good view のポップアップイベントが開催中です。 店名の「oeuf（ウフ）」はフランス語で“卵”。雑貨を卵にたとえ、「お客様とともに温め、育てていきたい」という想いが込められています。 店内には、暮らしを心地よく彩るキッチン雑貨やインテリア小物、贈り物にぴったりのアイテムが並びます。ナチュラルで温かみのあるセレクトは、手に取るだけで気持ちをやわらげてくれるよう。 甲府の街中から少し足をのばせば、ゆったりとした時間の中で、日常に寄り添う“お気に入り”に出会えるお店です。 ウフ フェリア店店舗住所： 〒400-0046 山梨県甲府市下石田２丁目２９−４ フェリアビル1F開催期間： 9/27（土）～ 10/19（日）営業時間： 11:00～20:00https://www.instagram.com/oeuf.feria/
【終了】甲府市のウフ フェリア店さまで、a good view のポップアップイベントが開催中
甲府市郊外に佇む雑貨店 「ウフ フェリア店」さまで、a good view のポップアップイベントが開催中です。 店名の「oeuf（ウフ）」はフランス語で“卵”。雑貨を卵にたとえ、「お客様とともに温め、育てていきたい」という想いが込められています。 店内には、暮らしを心地よく彩るキッチン雑貨やインテリア小物、贈り物にぴったりのアイテムが並びます。ナチュラルで温かみのあるセレクトは、手に取るだけで気持ちをやわらげてくれるよう。 甲府の街中から少し足をのばせば、ゆったりとした時間の中で、日常に寄り添う“お気に入り”に出会えるお店です。 ウフ フェリア店店舗住所： 〒400-0046 山梨県甲府市下石田２丁目２９−４ フェリアビル1F開催期間： 9/27（土）～ 10/19（日）営業時間： 11:00～20:00https://www.instagram.com/oeuf.feria/
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会議室にこそ、アートを飾ろう
会議室（ミーティングルーム）は、どうしても少し緊張感の漂う空間です。重要なプレゼンテーション、取引先との打ち合わせ、時には社内の意見がぶつかる議論の場にもなります。空間としては機能的で整っていても、気持ちが“構える”場になりがちです。 そんな会議室に、思わず口元がゆるむようなアートがあったらどうでしょう。視線が自然とそちらに向かい、ふっと緊張がほどける。そんな「気を抜ける」瞬間があることで、空気がやわらぎ、会話のテンポが軽やかになるのではないでしょうか。 スタイリッシュな空間にも、ちょっとした“遊び心”を 近年のオフィスは洗練されたインテリアが多く、会議室もシンプルでモダンな印象に仕上げられていることが少なくありません。そういった空間こそ、アートがよく映えます。 たとえば、無機質になりがちな会議室に、にやっと笑みがこぼれるようなユーモラスな動物のアートをひとつ。あるいは、静かな風景ややわらかい抽象画で、視覚的な“抜け”をつくってみる。そうした仕掛けが、思考を切り替えたり、和やかなコミュニケーションを促したりするのです。 目的に合わせてアートの役割を選ぶ 動物をモチーフにしたアートといっても、その印象はさまざまです。ユーモアのある表情やポーズの作品は、会議の緊張をやわらげ、空気を和ませる効果があります。 また、部署や会議の目的によって、飾るアートのテイストを変えることで、より効果的な空間演出が可能になります。 ・営業部門には、動きや開放感のある動物や風景のアート。活発な議論や前向きな提案が生まれやすくなります。 ・クリエイティブ部門では、色彩豊かな抽象画や幻想的な構図など、自由な発想を刺激するものがおすすめ。 ・経理・管理部門には、緑豊かな自然風景や静かな静物画など、落ち着きと集中を促すアートが適しています。 このように、アートは単なる装飾ではなく、空間と人の関係性に作用する“道具”としても機能します。 生産性と快適性に影響する“美的環境” アートを含む「美的な空間」が仕事にポジティブな影響を与えることは、いくつかの研究でも明らかになっています。 たとえば、英国エクセター大学のCraig Knight博士らの研究（2010）では、従業員がアートや植物の配置に関与したオフィス空間で働く場合、何も装飾のない“殺風景な空間”と比べて生産性が最大32％高くなったという結果が示されています。※1 また、2014年カーディフ大学を含む国際チームによる実際のオフィスを使った研究では、実際のオフィスに「生きた観葉植物」を導入するだけで生産性が15％向上し、集中や満足度、知覚される空気質も改善したと報告されています。※2 さらに、BCA（Business Committee for the Arts）× APAAが全米32社・800人超を対象とした調査では、オフィスにアートがあることで「ストレスが軽減された」と答えた人が78％、「創造性が高まった」と答えた人が64％にものぼりました。※3 “余白のある空間”が人を動かす 無機質で緊張感のある会議室（ミーティングルーム）に、ちょっとしたやわらかさやユーモアのあるアートを。それだけで、空間の温度は変わります。会話に笑顔が生まれたり、沈黙が和らいだり。ときには、新しいアイデアのきっかけになるかもしれません。 空間にアートを飾ることは、単なる装飾ではなく、心のリズムを整える“しくみ”をつくることでもあります。部署や目的に応じたアート選びを取り入れて、会議という場を、もっと自由でポジティブな空間にできるはずです。 まずは小さな一枚から試してみませんか。...
会議室にこそ、アートを飾ろう
会議室（ミーティングルーム）は、どうしても少し緊張感の漂う空間です。重要なプレゼンテーション、取引先との打ち合わせ、時には社内の意見がぶつかる議論の場にもなります。空間としては機能的で整っていても、気持ちが“構える”場になりがちです。 そんな会議室に、思わず口元がゆるむようなアートがあったらどうでしょう。視線が自然とそちらに向かい、ふっと緊張がほどける。そんな「気を抜ける」瞬間があることで、空気がやわらぎ、会話のテンポが軽やかになるのではないでしょうか。 スタイリッシュな空間にも、ちょっとした“遊び心”を 近年のオフィスは洗練されたインテリアが多く、会議室もシンプルでモダンな印象に仕上げられていることが少なくありません。そういった空間こそ、アートがよく映えます。 たとえば、無機質になりがちな会議室に、にやっと笑みがこぼれるようなユーモラスな動物のアートをひとつ。あるいは、静かな風景ややわらかい抽象画で、視覚的な“抜け”をつくってみる。そうした仕掛けが、思考を切り替えたり、和やかなコミュニケーションを促したりするのです。 目的に合わせてアートの役割を選ぶ 動物をモチーフにしたアートといっても、その印象はさまざまです。ユーモアのある表情やポーズの作品は、会議の緊張をやわらげ、空気を和ませる効果があります。 また、部署や会議の目的によって、飾るアートのテイストを変えることで、より効果的な空間演出が可能になります。 ・営業部門には、動きや開放感のある動物や風景のアート。活発な議論や前向きな提案が生まれやすくなります。 ・クリエイティブ部門では、色彩豊かな抽象画や幻想的な構図など、自由な発想を刺激するものがおすすめ。 ・経理・管理部門には、緑豊かな自然風景や静かな静物画など、落ち着きと集中を促すアートが適しています。 このように、アートは単なる装飾ではなく、空間と人の関係性に作用する“道具”としても機能します。 生産性と快適性に影響する“美的環境” アートを含む「美的な空間」が仕事にポジティブな影響を与えることは、いくつかの研究でも明らかになっています。 たとえば、英国エクセター大学のCraig Knight博士らの研究（2010）では、従業員がアートや植物の配置に関与したオフィス空間で働く場合、何も装飾のない“殺風景な空間”と比べて生産性が最大32％高くなったという結果が示されています。※1 また、2014年カーディフ大学を含む国際チームによる実際のオフィスを使った研究では、実際のオフィスに「生きた観葉植物」を導入するだけで生産性が15％向上し、集中や満足度、知覚される空気質も改善したと報告されています。※2 さらに、BCA（Business Committee for the Arts）× APAAが全米32社・800人超を対象とした調査では、オフィスにアートがあることで「ストレスが軽減された」と答えた人が78％、「創造性が高まった」と答えた人が64％にものぼりました。※3 “余白のある空間”が人を動かす 無機質で緊張感のある会議室（ミーティングルーム）に、ちょっとしたやわらかさやユーモアのあるアートを。それだけで、空間の温度は変わります。会話に笑顔が生まれたり、沈黙が和らいだり。ときには、新しいアイデアのきっかけになるかもしれません。 空間にアートを飾ることは、単なる装飾ではなく、心のリズムを整える“しくみ”をつくることでもあります。部署や目的に応じたアート選びを取り入れて、会議という場を、もっと自由でポジティブな空間にできるはずです。 まずは小さな一枚から試してみませんか。...
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植物を飾る効果とは？ 心と空間を満たす“植物の力”
画像は一栁綾乃さんのアトリエ 自宅や会社、店舗に植物を飾ることが一般的になったのはいつからでしょう？今や当たり前すぎて、いつからなんて意識することすらありませんね。でも、空間に植物を取り入れる習慣が広まったのには、いくつかの理由があります。 植物の心理的・生理的効果 植物には、ストレスを軽減し、リラックス効果をもたらすことが科学的に証明されています。例えば、1989年にNASAが発表した研究では、植物が空気中の有害物質を除去する働きを持つことが示されました※1。また、オフィス環境に植物を取り入れることで、従業員の生産性が向上するという研究結果もあります※2。 空間のデザイン性向上 植物はインテリアの一部としても重宝され、無機質な空間に温かみを加えたり、空間のアクセントとなる役割を果たします。特に、北欧やジャパンディスタイル（日本と北欧のミックス）のインテリアでは、自然素材との調和を意識したデザインが好まれ、植物が重要な要素となっています。 ライフスタイルの変化 都市化が進むにつれて、日常的に自然と触れ合う機会が減少しました。そのため、室内に植物を取り入れることで、自然とのつながりを求める人が増えているとも考えられます。 植物が屋内に普及した歴史 植物を屋内に飾る習慣は古くから存在しますが、一般に広く普及し、当たり前の存在となったのはいくつかの段階を経てのことです。 ・古代から17世紀：富裕層の嗜み古代エジプトやギリシャ、ローマでは、既に富裕層が鉢植えの植物を屋内で楽しんでいました。中国でも盆栽文化のように古くから室内で植物を育てる習慣があります。17世紀の大航海時代には、ヨーロッパに珍しい異国の植物が持ち込まれ、貴族や裕福な人々の間で熱帯植物への関心が高まりました。 ・19世紀（ヴィクトリア朝時代）：一般家庭への普及の兆し室内植物の普及に最も大きな影響を与えたのは、19世紀のヴィクトリア朝時代です。暖房技術の進歩やガラス製造の発展により、ガラス温室（ワーディアンケースなど）が普及し、繊細な熱帯植物を屋内で育てることが容易になりました。この時代には、中流階級の間でも室内植物がステータスシンボルとして広く受け入れられ、ヤシやシダなどが人気を博しました。 ・20世紀以降：より身近な存在へ第二次世界大戦後、オフィス環境に手入れのしやすい植物が導入され始めました。特に1970年代には、手軽に育てられる品種が普及し、マクラメのプラントハンガーなどと共に、家庭で日常的に植物を飾るブームが到来。より多くの人々にとって室内植物が身近な存在となっていきました。 ・現代：ライフスタイルの一部に近年では、パンデミックによる在宅時間の増加や、自然とのつながりを求める意識の高まり、SNSを通じた「ボタニカルライフ」の流行などにより、植物を自宅やオフィス、店舗に飾ることがさらに一般的で当たり前のこととなっています。 では、本物の植物でなくても、例えば植物画でも同様の効果が期待できるのでしょうか？ これについては、完全に同じ効果とは言えませんが、心理的なリラックス効果や空間の印象を変える力は十分にあります。 視覚的な癒し 植物の画像や絵を見ることによって、自然を連想し、リラックスできることが研究で示されています※3。実際、医療施設やオフィスの壁に自然の風景画を飾ることで、ストレスが軽減されたという調査結果も多数ありますし、わたし自身が実感しています。 かのナイチンゲールも著作『看護覚え書』のなかで「環境が患者の回復に与える影響」について述べており、特に 「光、空気、静けさ、そして美しい景色」が重要であることを強調しています。彼女は、病室の窓からの眺めや、壁にかけられた絵などの視覚的要素が患者の精神状態に影響を与え、回復を助けると指摘しています※4。 インテリアとしての調和 植物の絵は、生花や観葉植物と違い、手入れ不要でありながら、ナチュラルな雰囲気を演出できます。特に、水彩画やボタニカルアートは、シンプルな空間にも馴染みやすく、上品なアクセントとして機能します。...
植物を飾る効果とは？ 心と空間を満たす“植物の力”
画像は一栁綾乃さんのアトリエ 自宅や会社、店舗に植物を飾ることが一般的になったのはいつからでしょう？今や当たり前すぎて、いつからなんて意識することすらありませんね。でも、空間に植物を取り入れる習慣が広まったのには、いくつかの理由があります。 植物の心理的・生理的効果 植物には、ストレスを軽減し、リラックス効果をもたらすことが科学的に証明されています。例えば、1989年にNASAが発表した研究では、植物が空気中の有害物質を除去する働きを持つことが示されました※1。また、オフィス環境に植物を取り入れることで、従業員の生産性が向上するという研究結果もあります※2。 空間のデザイン性向上 植物はインテリアの一部としても重宝され、無機質な空間に温かみを加えたり、空間のアクセントとなる役割を果たします。特に、北欧やジャパンディスタイル（日本と北欧のミックス）のインテリアでは、自然素材との調和を意識したデザインが好まれ、植物が重要な要素となっています。 ライフスタイルの変化 都市化が進むにつれて、日常的に自然と触れ合う機会が減少しました。そのため、室内に植物を取り入れることで、自然とのつながりを求める人が増えているとも考えられます。 植物が屋内に普及した歴史 植物を屋内に飾る習慣は古くから存在しますが、一般に広く普及し、当たり前の存在となったのはいくつかの段階を経てのことです。 ・古代から17世紀：富裕層の嗜み古代エジプトやギリシャ、ローマでは、既に富裕層が鉢植えの植物を屋内で楽しんでいました。中国でも盆栽文化のように古くから室内で植物を育てる習慣があります。17世紀の大航海時代には、ヨーロッパに珍しい異国の植物が持ち込まれ、貴族や裕福な人々の間で熱帯植物への関心が高まりました。 ・19世紀（ヴィクトリア朝時代）：一般家庭への普及の兆し室内植物の普及に最も大きな影響を与えたのは、19世紀のヴィクトリア朝時代です。暖房技術の進歩やガラス製造の発展により、ガラス温室（ワーディアンケースなど）が普及し、繊細な熱帯植物を屋内で育てることが容易になりました。この時代には、中流階級の間でも室内植物がステータスシンボルとして広く受け入れられ、ヤシやシダなどが人気を博しました。 ・20世紀以降：より身近な存在へ第二次世界大戦後、オフィス環境に手入れのしやすい植物が導入され始めました。特に1970年代には、手軽に育てられる品種が普及し、マクラメのプラントハンガーなどと共に、家庭で日常的に植物を飾るブームが到来。より多くの人々にとって室内植物が身近な存在となっていきました。 ・現代：ライフスタイルの一部に近年では、パンデミックによる在宅時間の増加や、自然とのつながりを求める意識の高まり、SNSを通じた「ボタニカルライフ」の流行などにより、植物を自宅やオフィス、店舗に飾ることがさらに一般的で当たり前のこととなっています。 では、本物の植物でなくても、例えば植物画でも同様の効果が期待できるのでしょうか？ これについては、完全に同じ効果とは言えませんが、心理的なリラックス効果や空間の印象を変える力は十分にあります。 視覚的な癒し 植物の画像や絵を見ることによって、自然を連想し、リラックスできることが研究で示されています※3。実際、医療施設やオフィスの壁に自然の風景画を飾ることで、ストレスが軽減されたという調査結果も多数ありますし、わたし自身が実感しています。 かのナイチンゲールも著作『看護覚え書』のなかで「環境が患者の回復に与える影響」について述べており、特に 「光、空気、静けさ、そして美しい景色」が重要であることを強調しています。彼女は、病室の窓からの眺めや、壁にかけられた絵などの視覚的要素が患者の精神状態に影響を与え、回復を助けると指摘しています※4。 インテリアとしての調和 植物の絵は、生花や観葉植物と違い、手入れ不要でありながら、ナチュラルな雰囲気を演出できます。特に、水彩画やボタニカルアートは、シンプルな空間にも馴染みやすく、上品なアクセントとして機能します。...
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アートポスターの土台を選ぶ――ヴァンヌーボという答え
新作の校正が届くと、光を当てながら発色や紙肌の見え方を確かめます。制作の初期には、朝のやわらかな光、昼の直射、夜の照明――時間帯を変えながら、同じ絵柄をいくつもの紙で見比べたこともありました。指先に残るわずかな“ひっかかり”、黒の沈み、白の抜け、照り返しの具合。その積み重ねのなかで、私たちは ヴァンヌーボ V-FS の最厚紙に惚れ込み、以来すべてのポスターにこの紙を使っています。 ヴァンヌーボという紙の来歴 ヴァンヌーボは1994年に誕生した高級印刷用紙の代表格。「印刷適性」と「紙の風合い」という相反する要素を、デザイナー／建築家・矢萩喜從郎氏の監修で両立させた“ラフ・グロス”という発想から生まれました。紙の内部に空気を多く含むため、厚みのわりに軽い――いわゆる“嵩高（かさだか）”も特徴です。発売当初から、アートや写真の世界で高い支持を得てきました。 製造は ダイオーペーパープロダクツ（大王製紙グループ）。一方で、ファインペーパーの分野で広く知られる 竹尾 が販売を担っているため、業界では「竹尾の紙」として認識されることも多い用紙です。シリーズの中核である V-FS は、書籍やポスター、カタログ、カレンダーなどに幅広く用いられ、FSC®森林認証にも対応しています。ネーミングはフランス語の VENT NOUVEAU（新しい風）に由来します。 2019年には、環境対応を強める目的からシリーズの「V」がFSC認証へ完全移行。その際、銘柄名も「V」から「V-FS」へ一本化されました。 V-FSの“性格”をひと言で 印刷面はニュアンスのある微光沢、未印刷部は落ち着いたマット。コート紙ほどテカらず、非塗工紙ほど沈まない――発色と質感のいいとこ取り。黒が締まり、階調が自然に出るため、筆致やにじみ、余白の空気までも穏やかに伝わります。壁に掛けたときの“たたずまい”をつくるコシと嵩も、ポスターに適しています。 どこで使われてきたか（事例） ヴァンヌーボは、「印刷物そのものを作品に近づける」目的で多く使われてきました。たとえば誕生20周年の記念展 「ヴァンヌーボ×15人の写真家」。荒木経惟、森山大道、川内倫子ら15名の作品を、紙の特性を活かして追求した展示は、ヴァンヌーボの“媒体力”を示す好例です。 実制作の現場でも、会社案内やカタログ、写真集・作品冊子など“見せる”印刷物に数多く採用されています（例：新晃社の会社案内でVG系を使用）。メーカー公式でも 書籍／ポスター／カタログ／カレンダー への使用が明記されています。 私たちがV-FSを選んだ理由 試したのは、アラベール、ミセスB-F、モンテシオン、そしてヴァンヌーボ各タイプ。最厚のV-FSに決めたのは、次の三つの理由からです。 ・色が冴えるのに照り返しが穏やか――光環境が変わっても作品が落ち着いて見える。...
アートポスターの土台を選ぶ――ヴァンヌーボという答え
新作の校正が届くと、光を当てながら発色や紙肌の見え方を確かめます。制作の初期には、朝のやわらかな光、昼の直射、夜の照明――時間帯を変えながら、同じ絵柄をいくつもの紙で見比べたこともありました。指先に残るわずかな“ひっかかり”、黒の沈み、白の抜け、照り返しの具合。その積み重ねのなかで、私たちは ヴァンヌーボ V-FS の最厚紙に惚れ込み、以来すべてのポスターにこの紙を使っています。 ヴァンヌーボという紙の来歴 ヴァンヌーボは1994年に誕生した高級印刷用紙の代表格。「印刷適性」と「紙の風合い」という相反する要素を、デザイナー／建築家・矢萩喜從郎氏の監修で両立させた“ラフ・グロス”という発想から生まれました。紙の内部に空気を多く含むため、厚みのわりに軽い――いわゆる“嵩高（かさだか）”も特徴です。発売当初から、アートや写真の世界で高い支持を得てきました。 製造は ダイオーペーパープロダクツ（大王製紙グループ）。一方で、ファインペーパーの分野で広く知られる 竹尾 が販売を担っているため、業界では「竹尾の紙」として認識されることも多い用紙です。シリーズの中核である V-FS は、書籍やポスター、カタログ、カレンダーなどに幅広く用いられ、FSC®森林認証にも対応しています。ネーミングはフランス語の VENT NOUVEAU（新しい風）に由来します。 2019年には、環境対応を強める目的からシリーズの「V」がFSC認証へ完全移行。その際、銘柄名も「V」から「V-FS」へ一本化されました。 V-FSの“性格”をひと言で 印刷面はニュアンスのある微光沢、未印刷部は落ち着いたマット。コート紙ほどテカらず、非塗工紙ほど沈まない――発色と質感のいいとこ取り。黒が締まり、階調が自然に出るため、筆致やにじみ、余白の空気までも穏やかに伝わります。壁に掛けたときの“たたずまい”をつくるコシと嵩も、ポスターに適しています。 どこで使われてきたか（事例） ヴァンヌーボは、「印刷物そのものを作品に近づける」目的で多く使われてきました。たとえば誕生20周年の記念展 「ヴァンヌーボ×15人の写真家」。荒木経惟、森山大道、川内倫子ら15名の作品を、紙の特性を活かして追求した展示は、ヴァンヌーボの“媒体力”を示す好例です。 実制作の現場でも、会社案内やカタログ、写真集・作品冊子など“見せる”印刷物に数多く採用されています（例：新晃社の会社案内でVG系を使用）。メーカー公式でも 書籍／ポスター／カタログ／カレンダー への使用が明記されています。 私たちがV-FSを選んだ理由 試したのは、アラベール、ミセスB-F、モンテシオン、そしてヴァンヌーボ各タイプ。最厚のV-FSに決めたのは、次の三つの理由からです。 ・色が冴えるのに照り返しが穏やか――光環境が変わっても作品が落ち着いて見える。...
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「余白」がつくる、アートの美しい飾り方
画像は小川学さんの作品 壁にアートを飾ると、空間の雰囲気が変わります。 でもその印象は、絵そのものの力だけによるものではありません。 絵のまわりにある“余白”が、作品の存在感をそっと引き立てているのかもしれません。 余白とは、絵の周囲にある「なにもない空間」のこと。 何もないように見えて、実はとても大切な要素です。 このスペースがあることで、絵がより印象的に映り、空間全体にも静けさや呼吸のようなリズムが生まれてきます。 では、余白を生かしてアートを飾るには、どんな点に気をつけるといいのでしょうか。 いくつかのシンプルなコツをご紹介します。 額と額のあいだの距離感を整える 近すぎると窮屈に、遠すぎると散らばった印象に。目安としては5〜15cmほどがバランスよく見えることが多いようです。 飾る高さは“目線”を意識して 壁にアートを飾るときは、人の視線が自然に向かう高さに合わせると、空間が落ち着いた印象になります。特に単独で飾る場合は「目線＝立ったときや座ったときの視線の高さ」が目安になります。 家具の上に飾るときは“余白のバランス”もポイント ソファやチェストの上など、家具との組み合わせで飾る場合には、目線に加えて上下の余白にも注目を。家具とアートの距離が近すぎると窮屈に見えてしまいますし、離れすぎてもちぐはぐに。家具と額の下辺の間に適度な余白を持たせ、額の上部と天井との距離とのバランスも整えると、空間に統一感が生まれます。 マットを使ってアートそのものに余白をつくる 作品より一回り大きな額縁にマットを合わせて額装することで、絵のまわりにやわらかな余白が生まれ、作品が引き立ち、飾る場所の印象まで変わってきます。 小さなアートを複数飾るという選択 大きなアートを一枚飾るのも素敵ですが、小さな作品をいくつか組み合わせて飾ることで、空間に軽やかなリズムが生まれます。 複数の作品を並べると、それぞれのあいだに自然な余白ができ、壁全体がひとつのまとまりとして整って見えるようになります。 視線がその「間」を通って流れていくような感覚も、小さなアートならではの心地よさかもしれません。 こうした“余白”が与える効果は、見た目の印象にとどまりません。空間に余白があることで、どこか心が安らぐような雰囲気が漂います。 アートを飾るということは、ただ絵を並べることではなく、そのまわりにどんな空間をつくるかを楽しむことでもあります。小さな作品を、少しずつ、ゆったりとした気持ちで飾っていく。絵と絵のあいだの余白にも目を向けながら、自分なりのリズムで空間を整えていく。そんな過ごし方も、アートとの心地よい付き合い方のひとつかもしれません。...
「余白」がつくる、アートの美しい飾り方
画像は小川学さんの作品 壁にアートを飾ると、空間の雰囲気が変わります。 でもその印象は、絵そのものの力だけによるものではありません。 絵のまわりにある“余白”が、作品の存在感をそっと引き立てているのかもしれません。 余白とは、絵の周囲にある「なにもない空間」のこと。 何もないように見えて、実はとても大切な要素です。 このスペースがあることで、絵がより印象的に映り、空間全体にも静けさや呼吸のようなリズムが生まれてきます。 では、余白を生かしてアートを飾るには、どんな点に気をつけるといいのでしょうか。 いくつかのシンプルなコツをご紹介します。 額と額のあいだの距離感を整える 近すぎると窮屈に、遠すぎると散らばった印象に。目安としては5〜15cmほどがバランスよく見えることが多いようです。 飾る高さは“目線”を意識して 壁にアートを飾るときは、人の視線が自然に向かう高さに合わせると、空間が落ち着いた印象になります。特に単独で飾る場合は「目線＝立ったときや座ったときの視線の高さ」が目安になります。 家具の上に飾るときは“余白のバランス”もポイント ソファやチェストの上など、家具との組み合わせで飾る場合には、目線に加えて上下の余白にも注目を。家具とアートの距離が近すぎると窮屈に見えてしまいますし、離れすぎてもちぐはぐに。家具と額の下辺の間に適度な余白を持たせ、額の上部と天井との距離とのバランスも整えると、空間に統一感が生まれます。 マットを使ってアートそのものに余白をつくる 作品より一回り大きな額縁にマットを合わせて額装することで、絵のまわりにやわらかな余白が生まれ、作品が引き立ち、飾る場所の印象まで変わってきます。 小さなアートを複数飾るという選択 大きなアートを一枚飾るのも素敵ですが、小さな作品をいくつか組み合わせて飾ることで、空間に軽やかなリズムが生まれます。 複数の作品を並べると、それぞれのあいだに自然な余白ができ、壁全体がひとつのまとまりとして整って見えるようになります。 視線がその「間」を通って流れていくような感覚も、小さなアートならではの心地よさかもしれません。 こうした“余白”が与える効果は、見た目の印象にとどまりません。空間に余白があることで、どこか心が安らぐような雰囲気が漂います。 アートを飾るということは、ただ絵を並べることではなく、そのまわりにどんな空間をつくるかを楽しむことでもあります。小さな作品を、少しずつ、ゆったりとした気持ちで飾っていく。絵と絵のあいだの余白にも目を向けながら、自分なりのリズムで空間を整えていく。そんな過ごし方も、アートとの心地よい付き合い方のひとつかもしれません。...
